viernes, 27 de abril de 2012

LIBRO: MÚSICA PARA LEER: Escritos de Jazz de Boris Vian

LIBRO: MÚSICA PARA LEER Escritos de Jazz

Escritos de Jazz
Boris Vian
Editorial: Editorial Blacklist-Grupo Planeta.
Barcelona, 2011
ISBN: 978-84-08-10331-8
208 páginas.

Escritos de Jazz de Boris Vian (Blaclist, 2011)

Interesante e imprescindible recuperación de los textos que llevó a cabo Boris Vian, ingeniero, cantante, trompetista, inventor, locutor, escenógrafo, traductor, novelista y traductor. Su aptitud hiperactiva fomentó la dispersión en numerosos campos y su obra debe entenderse a ritmo de jazz. Boris Vian a pesar de su multiplicidad fue ante todo un escritor que paseó su comprimida existencia por un sin fin de lugares entre ellos las primeras cavas de Jazz de Paris donde él mismo tocaba, ejerciendo a la vez de crítico musical para la revista Hot Jazz, pero así mismo por teatros y rodajes de todo tipo, e incluso los despachos del sello discográfico Phillips, del que fue director artístico. En el campo literario, sus trabajos abarcan desde los thrillers más sanguinarios -firmados bajo el pseudónimo de Vernon Sullivan-, hasta obras como El arrancacorazones o La Hierba roja. Los escritos entorno al jazz por parte de Vian han sido siempre mordaces, sin miramientos y lo más importante, sin concesiones.

Boris Vian comenzó a escribir para Jazz Hot, Combat, Spectacles, La Gazette du jazz… Pero fue en Jazz News donde redactó algunos de los textos más satíricos e irónicos, llegando a ejercer como redactor jefe de la misma. París, los conciertos de Duke Ellington, Charlie Parker, Miles Davis y las consideraciones más mordaces sobre el jazz y sus críticos son una parte de la ingente obra de Vian que se recoge aquí.

El presente libro se divide en tres secciones: la primera recoge los artículos que llegó a publicar como redactor jefe de la revista Jazz News entre los años 1948 y 1950; la segunda es una recopilación de críticas discográficas y por último la tercera, nos demuestra los textos que Bian escribió para el sello discográfico Philips. La lectura de este interesante libro permitirá comprobar la vigencia de algunos de los escritos, y ante todo evidenciar como la palabra “crítica” es llevada hasta sus últimas consecuencias, sin concesiones, sin presiones, a veces con comentarios cáusticos y por momentos provocador. Esta forma de escribir en algunos momentos iba en contra de los modos y las maneras de escribir de la época, pero denotó un inconformismo y una libertad que hoy en día encontramos a faltar en muchos escritos y críticas de jazz. Sin duda alguna un modelo en donde mirar la crítica actual.  

Boris Vian murió de un ataque al corazón en un cine de París, mientras asistía a la presentación de la adaptación fílmica de su libro Escupiré sobre vuestras tumbas.



martes, 24 de abril de 2012

BILL EVANS: Live at Casale Monferrato-Italy, November 30, 1979

BILL EVANS:
Live at Casale Monferrato
Italy, November 30, 1979

- Bill Evans: Piano.
- Marc Johnson: Contrabajo.
- Joe LaBarbera: Batería.

CD 1:
01. Re: Person I Knew 4:52
02. Midnight Mood 6:52
03. Polka Dots And Moonbeams 4:56
04. Theme From M.A.S.H. 3:58
05. A Sleepin’ Bee 6:09
06. I Do It For Your Love 5:51
07. My Romance 9:48
Total Time: 42:22

CD2:
01. Noelle’s Theme 3:13
02. I Loves You Porgy 6:43
03. Up With The Lark 6:37
04. Turn Out The Stars 5:26
05. Five 5:10
06. Spring Is Here 4:22
07. Nardis 15:21
08. But Beautiful 3:37
Total Time: 50:32

“Noelle’s Theme” y “I Loves You Porgy” son interpretaciones a piano solo.
“Up With the Lark” y “Turn Out the Stars” duo Bill Evans y with Marc Johnson.

Live at Casale Monferrato, Italy, November 30, 1979.
CODEC Records
2-CD 2012
Todos los temas previamente no publicados.


Bill Evans Trio, Live At Casale Monferrato (Codec Records, 2012)


Portada y contraporada del Bootleg,
The Bill Evans Trio, Casale Monferrato, Italy, November 30th, 1979.


A finales de 1979, justo un año antes de la trágica muerte del pianista Bill Evans, éste reúne al que es sería su última formación en trío, Marc Johnson al contrabajo y Joe LaBarbera a la batería. En muchas ocasiones el mismo pianista se refirió a esta formación como uno de los grupos más acoplados desde aquel legendario conjunto que formaran Bill Evans, Scott LaFaro y Paul Motian. La formación efectuó una fructífera gira por América y Europa, y aprovechó la misma para grabar algunos discos. Por esas fechas la salud de Evans se encontraba muy disminuida, lo que no fue un impedimento para llevar a cabo alguno de sus mejores registros, entre ellos las extraordinarias sesiones finales que se iban a llevar a cabo en el Keystone Corner de San Francisco entre el 31 de agosto y el 7 de septiembre de 1980.

Los seguidores y amantes del piano de Bill Evans se encuentran de enhorabuena; en el presente año se ha editado una grabación llevada a cabo en Italia casi un año antes de la muerte del pianista. Según la publicidad de la discográfica con que se comercializa la grabación, Codec Records, (de “pelaje” desconocido y sin referencia alguna), todos los temas son inéditos hasta la fecha. Hay que puntualizar que los coleccionistas de bootlegs ya hace unos cuantos años que disfrutan de esta grabación, pues la misma se encontraba referenciada como The Bill Evans Trio, Casale Monferrato Italy, November 30th, 1979, con los mismos temas que en la grabación del sello Codec Records (tan sólo se señalan de forma separada los aplausos del público) y con una calidad superlativa, pues parece que ser las grabaciones de estos compactos piratas proceden de la misma mesa de sonido. Apuntar así mismo, que la presente grabación que comentamos no aparece mencionada en algunas de las discografías y sesiones musicales dedicadas al pianista americano que se encuentran disponibles. Es por ello que “novedades” como las aquí señaladas son un auténtico tesoro para muchos aficionados.

Con estos antecedentes, los aficionados que hasta la fecha no habían podido adquirir el mencionado concierto ahora disponen de esta posibilidad (todo y que parece ser -según la publicidad al respecto- que tan sólo existen 300 referencias de la misma). Bill Evans Live at Casale Monferrato, nos ofrece la posibilidad de disfrutar de una grabación protagonizada por su último trío, -Marc Johnson al contrabajo y Joe LaBarbera a la batería- (posiblemente una de las mejores agrupaciones en formato de trío en la larga carrera musical de Bill Evans). Creador del formato de trío como entidad democrática para todos los integrantes de su formación (Bill Evans fue el encargado de cambiar la anchura del trío para hacerlo transitar de la bidimensionalidad original –piano por un lado y contrabajo y batería por otro- para pasar a tocar en forma “tridimensional”, es decir, cualquier de los instrumentos del trío podían tomar el papel de líder.) Esta dimensión apuntada es perfectamente perceptible en el concierto de Italia, en donde Evans, Johnson y LaBarbera ostentan por momentos condición de líderes de la formación y en otros de copartícipes acompañantes en el desarrollo de los temas. En estas grabaciones es posible apreciar un núcleo a cargo del trío extremadamente rítmico así como un espacio interpretativo y musical único. Evans a pesar de estar en los últimos meses de su vida se encuentra “tocado” por la varita de los genios, su piano es narrativo, poético, creativo e imaginativo, demostrando que ante las ochenta y ocho teclas del piano sigue siendo todo un maestro, ofreciendo lo mejor de sí mismo y con ese punto intelectual que le ha caracterizado a lo largo de su carrera musical. Pero si Bill Evans se encuentra excepcional, se puede decir lo mismo tanto de Joe LaBarbera como de Marc Johnson, éste ultimo siempre atento a la aportación del pianista, muy intuitivo, dotado de una extraordinaria técnica y con unos “solos” muy elaborados y musicales; tan sólo hay que escuchar su aportación en el tema “My Romance” o en los que lleva a cabo en dúo con Bill Evans en “Up With the Lark” y “Turn Out the Stars”, dos auténticas delicias.

En definitiva, una nueva oportunidad y una pieza de coleccionista para seguir disfrutando con la música y la creatividad de uno los músicos más importantes en la historia del jazz.

jueves, 19 de abril de 2012

BRAD MEHLDAU TRIO: Ode

Brad Mehldau Trio:
Ode

- Brad Mehldau: Piano
- Larry Grenadier: Contrabajo.
- Jeff Ballard: Batería.

01. M.B. 7:46
02. Ode 6:20
03. 26 7:50
04. Dream Sketch 7:25
05. Bee Blues 6:42
06. Twiggy 5:42
07. Kurt Vibe 4:54
08. Stan the Man 5:24
09. Wyatt's Eulogy for George Hanson 9:23
10. Aquaman 4:49
11. Days of Dilbert Delaney

Producido por Brad Mehldau.
Todos los temas compuestos por Brad Mehldau

Todos los temas excepto 3, 8 & 10 grabados el 17 de Noviembre 2008
Temas 3, 8 & 10 grabados el 19 de Abril 2011

Nonesuch Records 7559-79628-4
CD-2012


Brad Mehldau Trio, Ode (Nonesuch, 2012)

Brad Mehldau no descansa (a lo largo de los últimos años ha enfocado su actividad creativa en diferentes ámbitos, ya sea en distintos estilos musicales como a nivel de formatos, pasando por conciertos en trío a piano solo y en dúo) y prueba de ello es que tenemos nuevo trabajo discográfico en el mercado a cargo de su trío ya consolidado como tal. Ode es la primera grabación en donde todos los temas de la misma se encuentran en su totalidad compuestos por el pianista americano (así como producidos) desde el compacto House on Hill (Nonesuch Records, 2005, aunque grabado a lo largo del año 2002). A pesar de ser su “nuevo” proyecto, la mayoría de los temas se encuentran grabados en el año 2008 y tan sólo tres de los mismos han sido registrados en unas fechas más recientes, en 2011. 

A lo largo de estos últimos tiempos no cabe la menor duda que Mehldau ha crecido como músico, e incluso en una faceta que a lo mejor no se ha prestado una excesiva atención,  que es la de compositor. Mehldau es un ávido “constructor” de temas que le sirven para explorar su vena creativa en todos los aspectos, tanto a nivel musical (diversos tipos e influencias) como rítmica y armónicamente. En los comentarios a este compacto y no incluidos en la carpetilla del mismo, sino que constan en su página web, es posible apreciar la preocupación que Mehldau tiene por los títulos que asigna a los temas que compone. Mehldau afirma que “los títulos son una cosa divertida para mí. A menudo son el último elemento de una canción en llegar, y es escrito casi como una ocurrencia tardía. A veces tengo suerte y pienso en algo que coincide con el estado de ánimo de la canción, o, si la canción tiene una idea musical específica o filosófica detrás de ello, incluso tengo más suerte si aparecen unas palabras que apuntan a esa idea, sin sonar demasiado pretencioso. Ser pretencioso es algo que quiero evitar con un título.” Y afirma de forma rotunda que, “siempre he estado celoso de los compositores clásicos de antaño y sus números de opus, asignar sólo un número al que vale la pena.”  De hecho él estaría de acuerdo en hacerlo como los compositores clásicos, para acabar reconociendo que “prescindir de los títulos en el ámbito del jazz podría ser para muchos como más pretencioso que incluso el título más ingenioso… Para el jazz en su propia esencia, supongo que sería absurdo utilizar un forma de nomenclatura proveniente de otro género musical”. Para acabar reconociendo que “no soy el único que tiene problemas para pensar en los títulos”. Es por todo ello que en la carpetilla del compacto da una cumplida y exhaustiva explicación de cada uno de los nombres de los temas, a quien los dedica y el porqué de ello (una oda). 

Por lo que se refiere a la música, encontramos a un Mehldau en estado puro, primoroso y habilidoso (como era de esperar), y en donde el trío se nos presenta como una arrolladora máquina de hacer música, perfectamente compenetrado y con momentos muy brillantes, sólo hay que escuchar como comienza el tema que da título al compacto y su posterior desarrollo (personalmente de lo mejor en esta grabación), o con temas de gran calado interpretativo y con momentos de gran vehemencia musical, como el sólo de batería de Ballard en “Stan the Man” o “Aquaman”. Apuntar así mismo, la composición “Eulogy for George Hanson”, una pieza muy abierta con pinceladas de elementos provenientes de la libre improvisación (free) que demuestra la extraordinaria empatía y sentido telepático que poseen estos tres músicos que elevan la interpretación hasta el punto de la máxima excelencia. También es posible percibir la increíble cohesión del trío en el corte que cierra el compacto “Days of Dilbert Delaney”, en donde la formación llega a momentos majestuosos y superlativos de entendimiento colectivo. 

Tanto Grenadier como Ballard disfrutan de su propio espacio interpretativo en muchos momentos y ambos son el complemento y principalmente los cómplices perfectos del trío de Mehldau, ardientes, acoplados y altamente creativos. Grenadier es un todo terrenos bregado en múltiples batallas, mientras que Ballard es puro nervio, vitalidad y ritmo. Con todos estos mimbres no era difícil que saliera una estupenda grabación, que se deleita de principio a fin y que con reiteradas escuchas gana enteros. 

Imprescindible para los seguidores a Brad Mehldau y para los aficionados al piano.

jueves, 12 de abril de 2012

ARTÍCULO-Brad Mehldau: El Pianista Enamorado

El tercer artículo dedicado a Brad Mehldau y también publicado en la revista Más Jazz, es un ensayo con respecto a la vena más romántica que el pianista ha llevado y lleva a cabo en su carrera discográfica.



BRAD MEHLDAU: EL PIANISTA ENAMORADO



Hoy en día no cabe la menor duda de que el pianista americano Brad Mehldau, es uno de los músicos más avanzados a nivel musical que hay en el panorama jazzístico actual. Mehldau ha trabajado muy duro desde sus inicios, para labrarse una carrera musical diferente y diferenciada del resto de músicos de su generación, y ello lo ha conseguido a través de un proceso de asimilación de diversas fuentes musicales procedentes del jazz, de la música culta (clásica), del pop y del rock. Mehldau ha demostrado desde los inicios una gran habilidad hacia el enamoramiento con otras músicas, circunstancia ésta que le ha servido de aprendizaje como músico o simplemente como parte de su propia vivencia musical.

A lo largo de su ya dilatada trayectoria discográfica, Mehldau ha exhibido una gran maestría para tejer un lenguaje y un sonido extremadamente avanzado, en donde la combinación de géneros musicales tan heterogéneos le ha proporcionado un estilo interpretativo donde se entremezclan conceptos armónicos, con una utilización de ideas melódicas muy libres. Al tomar prestado de diversos géneros, Mehldau ha entendido y se ha hermanado con conceptos musicales como el romanticismo del siglo XIX, provenientes de músicos como Brahms, Beethoven o el mismo Chopin. Brad Mehldau es un romántico. El pianista aseveró este carácter de una forma categórica en las notas que acompañaban en la carpetilla del compacto Elegiac Cycle (Nonesuch, 1999), al afirmar de forma textual: “a menudo recuerdo una conversación con mi amigo Evan. Él me habló de un viejo profesor suyo que mantenía que el Romanticismo nunca ha muerto, que algo como el punk-rock fue una natural progresión de la romántica idea del artista, con su habilidad para expresarse él mismo independientemente”. Para acabar señalando más adelante: “por que yo soy probablemente un desesperado romántico”. Pero el término romántico o romanticismo Mehldau no lo utiliza en el sentido “ñoño” del vocablo, sino con un carácter sentimental y emotivo. El trabajo en solitario, Elegiac Cycle, es un manifiesto a favor del romanticismo, a favor de la pasión y de la afectividad, todo ello expresado a través de pensamientos elegíacos, en donde las composiciones expresan en determinados momentos un sentimiento de dolor y de melancolía, pero así mismo es la búsqueda de una nueva concepción sonora e interpretativa, con una especial subordinación de la forma con respecto a la idea. Es una grabación con un valioso rédito intelectual, pero a la vez intenso, emotivo, sentimental y con una concepción y calidad de ideas que provienen de diversas fuentes y diversos campos La aparición de esta trabajo conllevó uno de los discos a piano solo más introspectivos y de una mayor búsqueda sonora y de un concepción musical desde la aparición de los famosos conciertos en solitario de Keith Jarrett. Esta manifiesta tendencia clásica con los años se ha ido amplificando y proporcionando proyectos de la calidad de Love Songs (Nonesuch, 2006), con la mezzo soprano Renee Fleming, ciclo de canciones sobre poemas de Rainer Maria Rilke y Louise Bogan, o Love Sublime (Naïve, 2010), con la cantante sueca Anne Sofie Von Otter, un trabajo con dos compactos bien diferenciados,  el primero estructurado sobre poemas de Sarah Teasdale y musicados por Mehldau, y un segundo basado en un repertorio de temas clásicos y modernos.

Ilustración de Brad Mehldau (Copyright de Jorge López de Guereñu)

Pero a parte de esta clara influencia de la música clásica que el mismo reconoce de forma explícita en las notas de sus grabaciones y en la gran cantidad de escritos que ha llevado a cabo, hay otra manifiesta e importante influencia en la música de Mehldau; es la procedente de la música pop y rock. Este influjo es apreciable tanto en su discografía como en los conciertos en directo que ofrece, con independencia del formato en que los lleva a cabo, ya sea en dúo, trio o a piano solo. Brad Mehldau ha pasado por la enseñanza de algunos de los mejores pianistas como Fred Hersch, Junior Mance o Kenny Werner, lo que le ha permitido recabar un excelente bagaje musical anclado en la gran tradición del jazz (Coltrane, Monk, Miles Davis) así como en la tradición del piano (pasando por Bill Evans y llegando hasta Keith Jarrett), lo que ha ido combinando con sus intereses musicales, muy especialmente en el repertorio de Radiohead o de The Beatles. Esta influencia por el grupo británico la puso de manifiesto en su disco The Art of The Trio, Volume 1 (Warner Bros, 1997), una grabación con un título bastante ostentoso y que siempre se la ha criticado, y donde ya interpretaba una deliciosa lectura del tema “Blackbird” de The Beatles, donde el tema flota de forma sensual a lo largo de toda la interpretación con ciertos aires funky y notas gospel. Resulta curioso que mientras otros pianistas se esfuerzan de forma denodada por parecer modernos, Mehldau suena completamente natural y espontáneo, y ello por si sólo, ya es moderno. Esta influencia pop y rock es ensanchada de forma más notoria en el disco The Art of The Trio, Volume 3, Songs (Warner Bros, 1998), al interpretar dos temas con fuerte calado rockero, “Exit Music (For a Film) de Radiohead y “River Man” de Nick Drake, ejecutado este último de forma muy sofisticada y apoyado en todo momento por una fuerte línea melodía; en el compacto The Art of The Trio, Volume 4, Back At The Vanguard, (Warner Bros, 1999) donde interpreta de nuevo el tema de Radiohead y en The Art of The trio, Volume 5, Progresión (Warner Bros, 2001) el cual contiene una fantástica y brillante versión del tema de Nick Drake “River Man” (una interpretación mucho más larga que la llevada a cabo en el Vol. 3 de la serie). Con la interpretación de estos temas Mehldau demuestra un detalle importante, y es que puede extraer la esencia de una composición y convertirla en jazz, sin importar los orígenes de la misma.

Ilustración de Brad Mehldau (Copyright de Jorge López de Guereñu)


Pero la grabación que supuso un punto de inflexión a nivel musical en su carrera discográfica fue el proyecto Largo (Nonesuch, 2001). Este compacto fue una grabación interesante por diversos motivos: era la primera vez que Mehldau grababa con un grupo más amplio que su formación habitual en trio (algunos músicos procedían del rock como los bateristas Matt Chamberlain y Jim Keltner); Mehldau toca el vibráfono en un par de temas; era la primera vez que utilizaba una gran cantidad de efectos sonoros y de recursos propios de otros estilos musicales y ajenos al jazz; el trabajo se encontró muy “producido” y en el mismo se percibe un aire muy pop (influencia que provino principalmente de la aportación del reconocido productor Jon Brion, no sólo con la producción como tal, sino también colaborando a la hora de escribir los temas y en la interpretación de instrumentos). El resultado de todo ello fue un trabajo muy experimental y muy amplio estilísticamente, con una concepción sonora muy cercana al pop no sólo por el repertorio escogido (algunos temas de The Beatles como “Dear Prudence” y “Mother Nature´s Son” o como el tema de Radiohead “Paranoid Android” y otros temas compuestos para el mismo), sino por la utilización de acentos armónicos a veces muy simples trufados de ritmos y texturas pop, en donde la sección rítmica juega un papel importante y donde Mehldau se aleja de su interpretación más lírica y romántica, para aproximarse a una ejecución más racional y cerebral. Con ello Mehldau demuestra que para él los parámetros menos jazzísticos (provenientes del pop y rock) le son válidos para su concepción tanto estilística como musical.

Esta concepción estilística y musical que se señala, Mehldau la ha ido ahondado y perfeccionando a lo largo de los años tanto en la formación de trio (junto a Larry Grenadier y Jeff Ballard), en dúo (en las colaboraciones con Pat Metheny y los discos grabados frutos de la misma, Metheny & Mehldau –Nonesuch, 2006- y Metheny & Mehldau, Quartet -Nonesuch, 2007-), como en los recitales a piano sólo que ofrece a pesar de las escasas grabaciones oficiales que ostenta en su discografía (el último y más reciente el estupendo Live in Marciac -Nonesuch, 2011-), todo y que existe una buena cantidad de discos piratas (bootlegs) que atestiguan esta tendencia. Todo lo señalado confirma que la buena música se encuentra en muchos estilos musicales, valorando Mehldau en su justa medida la calidad de los compositores contemporáneos (tanto del pop como del rock); lo que viene a demostrar que aprovechando de forma inteligente la reamornización de los acordes, el uso perspicaz de las melodías y el manejo del ritmo para fines diversos se puede transformar composiciones muy variadas y de procedencia diversa, en potenciales y creativos temas de jazz. Algo parecido intentó llevar a cabo Herbie Hancock en su trabajo discográfico The New Standard (Verve, 1996) en donde reversionaba temas de Peter Gabriel, Stevie Wonder, Sade, Paul Simon, Prince, The Beatles o Kurt Cobain. También hay que señalar que es más que lógico que en el ADN y en la educación musical del pianista americano, haya crecido con unas fuentes musicales mucho más actuales (provenientes del pop y el rock), lo que irremediablemente hace que “beba” de fuentes musicales que les son muy próximas y muy conocidas, y que sin duda alguna sirvan de inspiración o creación.

Brad Mehldau (Foto de Carmen Llussà)


El último gran proyecto en el que Mehldau vuelve a arriesgar a nivel musical, es el ambicioso disco Highway Rider (Nonesuch, 2010). Es su primer disco grabado con una orquesta de cámara compuesta por 23 músicos y donde explora su pianismo con las repercusiones de esta orquesta de cuerda y diversos instrumentos de viento (tres cornos franceses, un oboe y un fagot), más la presencia de dos bateristas, el añadido de Joshua Redman y la sección rítmica de su trio. Este trabajo que se encuentra de nuevo producido por el productor de pop Jon Brion, consta de una suite orquestada y compuesta por el propio Mehldau de quince piezas en donde se combinan partes orquestales, secciones en formato de quinteto, cuarteto, trio y dúo. El espejo en donde se mira este proyecto (a nivel estructural e instrumental) es en una obra del compositor alemán Richard Strauss llamada Metamorphosen (en castellano Metamorfosis), una composición para veintitrés instrumentos solistas de cuerda (la composición utiliza como motivo principal un pasaje característico de la Marcha Fúnebre de la Tercera Sinfonía de Ludwig Van Beethoven, y en donde destaca el uso de sonidos graves). Mehldau busca habitar en el lenguaje armónico que contiene la pieza de Strauss por su exquisitez musical, según entiende él, por la economía de medios utilizados y por la perfección expresiva tanto a nivel armónico como melódico. Todo esto lo intenta conseguir a través de una faceta que a lo largo de los años ha ido emergiendo lenta pero segura, la composición; toda la música de Highway Rider esta íntegramente compuesta por el pianista, y en ella es posible encontrar un buen número de idiomas musicales: la tradición musical europea, la tradición musical americana, la proveniente de la música culta europea, el flamenco, planteamientos jazzísticos e influencias tanto del pop como del rock. En esta obra es posible comprobar como cohabitan musicalmente mundos tan dispares, pero tan bien avenidos. Mehldau ante este laboratorio de ideas se encuentra extremadamente cómodo, por las posibilidades estilísticas que le ofrece, pues no nos encontramos ante un grupo de músicos que hacen jazz acompañados de una orquesta de cuerda, sino todo lo contrario, ante una música heterogénea pero homogénea a la par, como por ejemplo en el tema que da nombre al trabajo, “Highway Rider”, que es ejecutada en trio (como baterista Matt Chamberlain) con un fuerte sustrato rítmico pop muy acusado y uniforme que sirve de base para los desarrollos pianísticos muy clásicos de Mehldau, muy activo con ambas manos (especialmente la izquierda). Esta heterogeneidad es más fácil observarla en el segundo compacto de este trabajo, donde encontramos ciertos momentos de tensión creativa entre la orquesta de cuerdas, las participaciones sonoras de Jeff Ballard y Matt Chamberlain (doble batería) y las aportaciones solistas de los músicos, como por ejemplo en el tema, “We´ll Cross The River Together” y “Always Returning” o en el tema aflamencado “Capriccio”. También hay espacio para los temas más jazzísticos, como el tema interpretado por su trio en “Into The City” o en cuarteto “Come With Me”. En definitiva Highway Rider participa de ciertos elementos musicales semejantes al compacto Largo propiciados por el encuentro de diversos mundos musicales, pero muy especialmente del jazzístico proveniente de Mehldau y del pop por parte de Jon Brion, pero sin dejar a parte su ascendencia con la música clásica, principalmente el trasvase de ideas del mundo jazzístico hacia al clásico y viceversa, modalidad que se verá ampliada, perfeccionada, estudiada y experimentada,  gracias al anuncio llevado a cabo en la primavera pasada por el Carnegie Hall de Nueva York, al conceder a Brad Mehldau (y ser el primer músico de jazz en conseguirlo) la Richard and Barbara Debs Composer´s Chair para la temporada 2010-2011. Una plaza que ha sido ocupada por músicos de la talla y calidad de Pierre Bolulez, Elliott Carter o John Adams.

Todo lo apuntado muestra a un músico preocupado por la relación con otros estilos musicales pero muy especialmente enamorado en la simbiosis de los mismos, así como su aportación tanto a nivel intelectual, musical como estilística. Con Mehldau no cabe ninguna duda que nos encontramos con el músico total, en el sentido más amplio de la palabra.



AGRADECIMIENTOS: Dar las gracias por la colaboración de Jorge López de Guereñu al ceder las ilustraciones de Brad Mehldau para acompañar el presente texto.
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