lunes, 28 de mayo de 2012

DAVE STAPLETON: Flight

DAVE STAPLETON: Flight

- Dave Stapleton: Piano.
- Marius Neset: Saxo tenor.
- Dave Kane: Contrabajo.
- Olavi Louhivuori: Batería.

Brodowski String Quartet:
- David Brodowski: Violin 1.
- Catrin Morgan: Violin 2.
- Felix Tanner: Viola.
- Reinoud Ford: Violonchelo.

01.- Before.
02.- Polaroid.
03.- Flight.
04.- Henryk Part I.
05.- Henryk Part II.
06.- Unity.
07.- OTS.
08.- Whisper.
09.- Running East.
10.- North Wind.

Edition Records.
1008
CD 2012

Dave Stapleton, Flight (Edition Records, 2012)
Hace bien poco en este blog comentamos con ocasión del artículo que se realizó al pianista y compositor portugués Bernardo Sassetti, que el jazz proveniente de Portugal es muy desconocido en nuestro país, todo y que hay un buen número de músicos en el panorama musical. El jazz más actual que proviene de las islas británicas, muy tristemente es así mismo igual de desconocido que el portugués, todo y existir una nutrida tradición de músicos, algunos de ellos históricos como los “boperos” Johnny Dankworth y Ronnie Scott o los conocidos John McLaughlin, Dave Holland, Peter King, Kenny Wheeler, Guy Baker o Tim Garland (sólo por citar algunos músicos) o pasando por la escena británica de la libre improvisación que ha  reportado nombres de la calidad de John Stevens, Barry Guy, Paul Rutherford, Howard Riley, Tony Oxley, Trevor Watts, Derek Bailey, Lol Coxhill, Paul Lytton o Evan Parker, e incluso un ilustre y legendario miembro del grupo de los Rolling Stones como Charlie Watts, quien ha aportado interesantes proyectos y grabaciones al mundo del jazz.

A pesar de este profuso y conocido número de músicos que acabo de citar existe una hornada de nuevos músicos que son muy desconocidos entre el aficionado español, a este grupo pertenece el estupendo pianista y compositor Dave Stapleton. La actividad que ha llevado a cabo este músico en los últimos años ha sido realmente destacable y muy interesante: ha publicado ocho discos como líder (incluyendo el que ahora comentamos, Flight); ha dirigido una formación en quinteto que ha recibido encendidos elogios en las islas británicas; ha escrito obras para instrumentos de cuerda (Flight cuenta entre la formación de músicos un cuarteto de cuerda, el Brodowski String Quartet); ha compuesto partituras para películas e incluso cortos de animación, y si todo ello no fuera poco, cofundó el sello discográfico independiente Edition Records (en donde también ejerce funciones de productor), compañía desde la que ha publicado sus propios discos pero así mismo, lugar desde el que se han dado a conocer algunos interesantes grupos y músicos como Phronesis, Troyka o Keith Tippett, convirtiendo a este sello discográfico en uno de los más vitales e interesantes del Reino Unido desde su creación en el año 2008.

Flight es la última y reciente grabación de Dave Stapleton y así mismo la más ambiciosa producción hasta la fecha. Para el presente proyecto el pianista reúne un conjunto en formato de cuarteto más la inclusión de un cuarteto de cuerda (el Brodowski String Quartet), lo que permite calificar a la música que se desprende del mismo de gran aventura musical. Algunos de los músicos que acompañan a Stapleton son jóvenes promesas del jazz europeo, en concreto el interesante saxofonista danés Marius Neset, (un nombre a tener muy en cuenta y que dará que hablar en los próximos años) y el contrabajista inglés Dave Kane; ambos músicos han publicado sus respectivos álbumes de debut en el sello discográfico de Stapleton, Golden Xplosion! (2011) para el saxofonista y Eye of The Duck (2009) para el del contrabajista.


Dave Stapleton Group


Flight se podría adscribir dentro de la llamada “tercera corriente” (Thrid Stream), estilo musical que se desarrolló principalmente a finales de los años 50 y principios de los 60, y que tenía como finalidad amalgamar la música culta europea y la música del jazz. La mezcla de ambos tipos de música (jazz y clásica) siempre ha provocado más de una indigestión (muy especialmente entre los aficionados a la música culta) y sus resultados no siempre han sido todo los satisfactorios que se hubiera deseado. Dave Stapleton en el presente proyecto ha añadido a su formación jazzística una sección de cuerdas, lo que viene a demostrar lo extraordinario compositor y arreglista que es, y que queda perfectamente reflejado en todos los temas del repertorio (que son de autoria del propio pianista). Las composiciones combinan la sonoridad y la textura de una formación jazzística con las sutilezas de un cuarteto de cuerda, potenciado por las turbulentas aportaciones de elementos del free por parte de Marius Neset. Los temas desprenden por momentos pasajes muy líricos y melodías muy limpias que son aprovechadas por el cuarteto de cuerda, circunstancia de la que se sirve en más de una ocasión el propio Stapleton al interponer sus sutiles líneas narrativas entre los suaves susurros del cuarteto de cuerda (escúchese a modo de ejemplo la introducción y posterior desarrollo del tema “Henryk Part I”). La belleza, la sensibilidad y el exquisito gusto musical no está reñida con las aportaciones aguerridas y vibrantes, prueba de esa belleza es el diálogo que establecen Marius Neset y el cuarteto de cuerda en el tema “Henryk Part II”, en donde se crea una atmósfera altamente sensitiva a lo largo de todo el desarrollo del tema. La última composición del compacto “North Wind”, con sus estados musicales cambiantes combinado con un final sutil y delicado, y con una duración de casi quince minutos, expresa en todo su esplendor la riqueza musical, la creatividad y la singularidad que atesora este compacto, un tema impresionante.

Siendo Marius Neset una de la voces destacadas del presente compacto, no lo son menos las excelentes aportaciones del contrabajista Dave Kane y del baterista Olavi Louhivuori, lo que hace realzar la voz del grupo jazzístico como una unidad productiva y homogénea, tanto en los pasajes más recogidos como el momentos más curtidos.

Dave Stapleton es un músico que merece ser descubierto de forma urgente por los aficionados al jazz.



INFORMACIÓN ADICIONAL:
Como información adicional se acompaña link para visionar el video de una actuación en directo del Dave Stapleton Quintet en Zagreb (Octubre de 2007): Dave Stapleton: Piano, Ben Waghorn: Saxo, Jonny Bruce: Trompeta, Paula Gardiner: Contrabajo y Elliot Bennett: Batería.





miércoles, 23 de mayo de 2012

BSO: BREAKFAST AT TIFFANY´S de Henry Mancini

BSO: Breakfast at Tiffanny´s
Music From The Motion Picture Score Composed and Conducted by Henry Mancini.

01.- Moon River.
02.- Something For Cat.
03.- Sally´s Tomato.
04.- Mr. Yunioshi.
05.- The Big Blow Out.
06.- Hub Caps And Tail Lighs.
07.- Breakfast At Tiffany´s.
08.- Latin Golightly.
09.- Holly.
10.- Loose Caboose.
11.- The Big Heist.
12.- Moon River Cha Cha.
13.- Misty *
14.- Moon Talk *
15.- Joanna *
16.- Mr. Lucky *
17.- Dreamsville *
18.- Blue Satin *
19.- Slow Ans Easy *
20.- Softly *
21.- Mon River [# 2] *
22.- Mon River [# 3] *
23.- Mon River [# 4] *
24.- Mon River [# 5] *
25.- Mon River [# 6] *

HENRY MANCINI & HIS ORCHESTRA

1-12: Breakfast At Tiffany´s (RCA Victor LSP 2362)
1: Toots Thielemans (harmonica); Jimmy Rowles (p); Victor Piemonte (org); Robert Bain, Laurindo Almeida, Alton Hendrickson (g); Red Mitchell (b); Shelly Manne, Larry Bunker (bat) y Carl Fortina (acc), con grupo de cuerdas y coros.
RCA Victor´s Music Center of The World. Hollywood, 8 Diciembre 1960.

2-3, 5, 8, 10, 12: Frank Beach, Joseph Triscari, Raymond Triscari, Pete Candoli (tp); Richard Nash, James Priddy, James Langinger, Wilbur Schwartz, Gene Cipriano, Justin Gordon (reeds); Jimmy Rowles (p); Robert Bain (g); Red Mitchell (b); Shelly Manne, Milton Holland, Larry Bunker, Ralph Collir (bat) con el añadido de coros solo en los temas 3, 10 y 12.
RCA Victor´s Music Center of The World. Hollywood, 20 Abril 1961.

4, 6-7, 9, 11: Richard Nash, James Priddy, James Halliburton, Karl DeKarske (tb); Ted Nash, Ronald Langinger, Gene Cipriano, Wilbur Schwartz (reeds); Jimmy Rowles (p); Larry Bunker (vib); Robert Bain (g); Red Mitchell (b); Shelly Manne (bat), Louis Singer (perc), con el añadido de cuerdas (Coros solo en el tema 7)
RCA Victor´s Music Center of The World. Hollywood, 27 Abril 1961.

* Bonus Tracks:

13: Procedente del LP The Blues and The Beat (RCA Victor LPM2147):
Featuring Conrad Gozzo, Pete Candoli (tp), Vince De Rosa, John Graas (Fhr), Ted Nash, Gene Cipriano, Harry Klee (reeds), John Williams (p), Victor Feldman (vib y marimba) y Larry Bunker (vib).
Hollywood, 22 Febrero 1960.

14: Procedente del LP High Time (RCA Victor LSP2314):
Personal desconocido.
Grabado en el RCA Victor´s Music Center of The World. Hollywood, 1960.

15: Procedente del LP More Music from Peter Gunn (RCA Victor LPM2040):
Featuring Conrad Gozzo, Pete Candoli (tp), Vince De Rosa, John Graas (Fhr), Ted Nash, Gene Cipriano (reeds); Victor Feldman, Larry Bunker (vib); John Williams (p) y Shelly Manne (bat).
Hollywood, 5 Marzo 1959.

16, 18, 20: Procedente del LP Music from Mr. Lucky (RCA Victor LPM2198):
Personal desconocido.
Hollywood, 4, 10 & 17 Diciembre 1959.

17, 19: Procedente del LP More Music from Peter Gunn (RCA Victor LPM1956):
Featuring Pete Candoli (tp); Dick Nash (tb); Ted Nash (sa); Rnny Lang (bar); John Williams (p) y Larry Bunker (vib).
Hollywood, 31 Agosto & 4 Septiembre 1958.

21: Procedente del single HMV POP932: Danny Williams (voc) y orquesta. 1961.

22: Procedente de Breakfast at Tiffany´s (Vee Jay SR 3027):
Eddie harris (st); Joe Diodio (g); Wllie Pickens (p); Melvin Jackson (cb); Marshall Thompson (bat). Chicago 1961.

23: Procedente del single Vee Jay 405: Jerry Butler (voc) y orquesta, 1961.

24: Procedente de Gooden´s Corner (Blue Note GXF3058):
Grant Green (g), Sonny Clark (p), Sam Jones (cb), Louis Hayes (bat).
Englewood Cliffs, NJ, 23 Diciembre 1961.

25: Extraído directamente de la película Breakfast al Tiffany´s:
Audrey Hepburn (voz y guitarra) acompañada por orquesta. Hollywood 1961.

Jakpot Records.
CD 2012
REEDICIÓN

Breakfast at Tiffany´s de Henry Mancini (Jackpot Records, 2012)

Breakfast at Tiffany´s (o en su traducción al castellano Desayuno con Diamantes) es uno de los telefilmes más clásicos de Hollywood, una comedia romántica realizada en el año 1961. Basada en una novela del mismo título del escritor Truman Capote, la adaptación cinematográfica difirió sustancialmente del libro, pero pese a ello, se mantuvo la esencia creadora original de Capote, para convertirse en una película excepcional con una banda sonora sencillamente deliciosa.

Breakfast at Tiffany´s es una de las bandas sonoras más conocidas del compositor Henry Mancini, quien se encargó al completo de la composición de la misma con la excepción de los temas “Moon River” y “Moon River Cha Cha”, que fueron realizados por el propio Mancini y Johnny Mercer. Todo y que el film fue nominado para cinco oscars para la ceremonia de la 34 Edición de los Oscars de 1962, sólo obtuvo dos premios, al de mejor banda sonora (dramática y comedia) y a la mejor canción original por el tema “Moon River”. Mancini ya había trabajado con el director Blake Edwards incorporando música para el programa de televisión Peter Gunn, pero el presente film le permitió a Mancini ser reconocido como un hábil compositor de bandas sonoras.
Cartel de la película Breakfast At Tiffany´s

La banda sonora que compuso Mancini para la película constó de doce temas, en donde el músico demostró sus excelentes dotes compositivas, muy especialmente en los arreglos; todos ellos encaminados y orientados a desarrollos jazzísticos. Los temas mezclan en todo su esplendor melodía, swing y ciertos elementos musicales como el pop (como en el tema principal y que sirve de presentación de la película, “Moon River” -un clásico entre los clásicos- en donde la solitaria y bella sonoridad de la armónica de Toots Thielemans sirve de presentación de los títulos de créditos de la película mientras la protagonista desayuna delante de Tiffany´s), sonoridades de las big bands (en los temas “The Big Blow Out” o “The Big Heist”), o con claras reminiscencias al mambo (“Something For Cat”) o como el cha-cha en que es transformado el tema principal de la película (“Moon River Cha Cha”).

Con respecto a la música de la banda sonora añadir que la misma sirve para realzar de forma primorosa algunas escenas que han quedado como legendarias en el séptimo arte: la que sirve de presentación en los títulos de créditos y donde la protagonista Holly (Audrey Hepburn) desayuna frente a las vitrinas de Tiffany's embutida en su traje negro de Givenchy mientras suena el tema principal de “Moon River”, o la escena en donde Hepburn canta el tema principal acompañada por su guitarra y que aparece como material extra en la presente reedición (mantenida gracias a la firmeza de la propia Hepburn, pues un ejecutivo de la productora Paramount trató de eliminarla), o la escena final de la película en donde se mezcla belleza, romanticismo y tragedia con la declaración de intenciones que lleva a cabo el protagonista masculino Paul Varjak (George Peppard): “las personas se pertenecen unas a las otras porque es la única forma de conseguir la verdadera felicidad. Tú te consideras un espíritu libre, un ser salvaje y te asusta la idea de que alguien pueda meterte en una jaula. Bueno nena…, ya estás en una jaula, tú misma la has construido y en ella seguirás vayas donde vayas, porque no importa donde huyas, siempre acabarás tropezando contigo misma”, para acabar la pareja protagonista besándose bajo la lluvia previo encuentro del gato de ella.


Mancini sabe mantener a la perfección el balance de la orquestación musical (llena de imaginación y destreza compositiva) con los aportes provenientes de los solos de los músicos de su orquesta. Estas aportaciones solistas son ejecutadas con un exquisito gusto y con un sentido rítmico y melódico que realzan la ejecución orquestal a lo largo de toda la banda sonora, tan sólo hay que comprobar la lista de algunos de los músicos que se encontraban adscritos a la orquesta como por ejemplo Red Mitchell, Shelly Manne, Larry Bunker, Pete Candoli o Jimmy Rowles (fantástico el solo que lleva a cabo en el tema “The Big Blow Out”).

La presente reedición (Edición del 50 aniversario) contiene a parte de todos los temas originales de la película, ocho temas extras provenientes de diferentes grabaciones de la Orquesta de Henry Mancini, algunos procedentes de programas de televisión o de temas para bandas sonoras. Así mismo, se incluyen cinco versiones completamente diferentes del tema principal de Breakfast at Tiffany´s (“Moon River”) interpretados por el cuarteto del guitarrista Grant Green, por el quinteto del saxofonista Eddie Harris, la versión del cantante de música soul Jerry Butler y la de la cantante Danny Williams. La quinta y última versión es la que lleva a cabo la propia Audrey Hepburn (que se acompaña de una guitarra y de una orquestación de fondo) extraída directamente de la misma película.

En definitiva, un banda sonora sencillamente… deliciosa.


Escena del film en donde Audrey Hepburn canta el tema "Moon River"
de la BSO original de Breakfast at Tiffany´s de Henry Mancini.

sábado, 19 de mayo de 2012

LIBRO: MÚSICA PARA LEER: Jazzuela. El jazz en Rayuela, la novela de Julio Cortázar

Jazzuela. El jazz en Rayuela, la novela de Julio Cortázar.

Escrito por Pilar Peyrats Lasuén.
Encuadernación: Rústica con solapas
Páginas: 141
Editorial: Satélite K
Año edición original 2001 pero edición actual de 2011
ISBN: 978-84-615-4500-1
Edición que incluye CD

CONTENIDO:

- Introducción: La brecha en el tiempo, por José Morella
- Julio Cortázar: Una biografía musical
- Cortázar y el jazz
- El jazz en Rayuela
- Letras de los blues
- Los músicos
- Bibliografía sobre Cortázar
- Bibliografía sobre jazz
- Guía de audición CD
- Homenaje a Julio Cortázar 

Jazzuela, El jazz en Rayuela la novela de Julio Cortazar (Editorial Satélite K)


El título del presente libro, Jazzuela, es la conjunción de las palabras jazz y Rayuela. Rayuela es la obra magna del excelente escritor y traductor argentino Julio Cortazar, así como una de las más importantes de Latinoamérica de todos los tiempos. Una obra que rompió los cánones del género de la novela tal y como se encontraba concebida en la época que se publicó, en el año 1963, a consecuencia que Cortazar escribió y concibió Rayuela en una estructura libre que permitía la lectura de la misma de diferentes formas (de forma tradicional comenzando por la primera página o utilizando el Tablero de Dirección que contiene la novela, que permite la lectura saltando y combinando los capítulos; o también –y como tercera posibilidad- puede ser leído según el gusto del lector, que puede hacerlo por donde crea oportuno).

El título del libro que se comenta viene a señalar una circunstancia importante en la novela, y es la presencia de la música a lo largo de los capítulos de Rayuela, y muy especialmente del jazz. Cortazar ya dio señales de su gusto musical en el excelente cuento de El Perseguidor, un relato que apareció junto a otros en el año 1959 en libro Las Armas Secretas. El Perseguidor es una especie de “pequeña Rayuela”, porque de alguna forma anticipa los contenidos y principalmente las atmósferas de la gran obra que publicó posteriormente. La dedicatoria que lleva el relato de El Perseguidor es claramente ilustrativa, “In memóriam Ch. P”, un claro homenaje a la figura del saxofonista Charlie “Bird” Parker. Apuntar que algunos de los relatos que publicó Cortazar contenían formulas narrativas, lenguajes y recursos estilísticos que sirvieron de prueba para a posteriori poner en práctica en Rayuela.

Jazzuela. El jazz en Rayuela, la novela de Julio Cortázar, es un libro que hará las delicias de muchos aficionados, tanto a los de la literatura como a los de la música. El libro hace un repaso a través de una interesante biografía musical de la vida del escritor, siendo su propia biografía la que corre de forma paralela a la evolución estilística del jazz. Todo y que es el estilo y principalmente el espíritu del bebop uno de los que más manifiestamente ha quedado retratado en la obra de Cortzar, tal y como quedo reflejado en el relato de El Perseguidor, en donde el escritor argentino narra la vida y vicisitudes de saxofonista Johnny Carter (en homenaje a la figura de Charlie Parker), su nombre era una mezcla de los dos saxofonistas altos que existían en la escena jazzística antes de la aparición de “terremoto” Charlie Parker: Johnny Hodges y Benny Carter. Cortazar vivió en París gracias a la concesión de una beca para estudiar, lo que le permitió imbuirse del jazz que se desarrollaba en las cavas parisinas.

Jazzuela. El jazz en Rayuela… recopila los temas de jazz así como las letras de los temas blues a los que hace alusión Cortázar, junto con la cita de los capítulos de Rayuela en que aparecen, principalmente entre los capítulos 10 y 18 de la novela, en donde un grupo de amigos (autoproclamados como el Club de la Serpiente), tienen el hábito de quedar en las noches parisinas para beber y escuchar jazz. Ese jazz que escuchan los amigos del Club de la Serpiente, no se dan cuenta que forma un elemento más del desarrollo, del espacio temporal y del espíritu de la novela.

El libro así mismo hará las delicias de los aficionados al jazz, pues acompaña un disco compacto que recoge las grabaciones de jazz y de blues que son aludidas en los capítulos de Rayuela, que no sólo son determinantes en el texto, sino que de alguna forma invitan al lector a disfrutar de una especie de pequeño recorrido por parte de la historia del jazz a tenor de la músicos que aparecen en el mismo como por ejemplo Lionel Hampton, Coleman Hawkins, Dizzy Gilliespie, Bessie Smith, Louis Armstrong, Duke Ellington, Earl Hines, Jelly Roll Moton u Oscar Peterson.

Miguel Zenón & Laurent Coq, Rayuela (Sunnyside Records, 2012)

Señalar para un mayor abundamiento en relación a este libro comentado que, se ha publicado recientemente una grabación liderada por Miguel Zenón & Laurent Coq titulada Rayuela, un proyecto cuyo repertorio fue escrito a partes iguales por ambos músicos con el fin de  musicalizar a nivel jazzístico personajes y escenas de la obra comentada de Rayuela. La instrumentación es inédita, pues a la presencia del piano y saxo alto se suma la presencia del violonchelo y el trombón de Dana Leong, y las tablas y la batería de Dan Weiss. El compacto esta publicado por el sello discográfico Sunnyside Records. En su momento haremos referencia a este proyecto en Jazz Recordings.

miércoles, 16 de mayo de 2012

ARTÍCULO-BERNARDO SASSETTI: El Pianista al servicio de la música

El presente artículo sirve de homenaje a consecuencia de la triste y reciente noticia de la muerte del pianista portugués Bernardo Sasseti, a la edad de cuarenta y un años en un accidente mientras realizaba fotos en un acantilado en una zona cercana a Cascais.



BERNARDO SASSETTI: EL PIANISTA AL SERVICIO DE LA MÚSICA


Mencionar el nombre de Bernardo Sassetti es hacerlo de un músico completamente desconocido para los aficionados, y si además apuntamos que pertenece a la camada de excelentes músicos provenientes de nuestro país vecino, Portugal, aún más ignoto. El jazz portugués, ha sido y es hoy en día un gran desconocido para un número muy elevado de aficionados. Visión totalmente distorsionada y errónea debido a que en la actualidad la lista de músicos de jazz portugueses de excepcional calidad es significativa, citar a modo de ejemplo a Carlos Barretto, Rodrigo Amado, Zé Eduardo, Joao Paulo, Mario Laginha y por supuesto, al pianista y compositor Bernardo Sassetti. Estos y otros músicos han tenido la posibilidad de crecer en un entorno propicio y de desarrollo jazzístico gracias a los encuentros musicales y discográficas portuguesas, como el afamado festival “Jazz em Agosto”, o los sellos discográficos Clean Feed y Creative Sources Recordings.

Dentro de todo este caldo de cultivo Bernardo Sassetti se ha ido posicionando y obteniendo merecidos méritos dentro del mundo jazzístico y en concreto del piano (dura la competencia por la gran cantidad de músicos que hay en este instrumento), para ser considerado uno de los mejores pianistas europeos. Sassetti se inició tocando la guitarra, pero a los nueve años empezó a estudiar piano y teoría musical. Bajo una clara influencia de la mejor escuela pianística, tanto clásica (Bill Evans) como moderna (Keith Jarrett), sus profesores de piano de jazz fueron ni más ni menos que Horace Parlan y Sir Roland Hanna. Despuntó muy joven cuando tocó en el Jazztet de Moreiras y en el cuarteto del saxofonista Carlos Martins. Sassetti así mismo ostenta estudios clásicos, circunstancia esta que queda perfectamente reflejada en el buen número de bandas sonoras que ha llevado a cabo tanto para de series de televisión como para películas (incluso participó como pianista en algunas escenas del film de Anthony Minguella “El Talento de Mr. Ripley”, con música de Gabriel Yared). Durante la década de los años 90 se estableció en Londres y formó parte del grupo del siempre interesante trompetista inglés Guy Barker, con quien llevó a cabo algunas grabaciones (señalar entre ellas el atractivo disco What Love Is -Emarcy, 1997-). Su concepción musical y su forma de tocar el piano le ha permitido compartir experiencias con algunos de los mejores músicos de jazz como Andy Shepard, Art Farmer, Kenny Wheeler, Freddie Hubbard, Benny Golson, Curtis Fuller, Eddie Henderson, o Perico Sambeat, entre otros, y su afinidad por los ritmos latinos le permitió tocar junto a Paquito D'Rivera y la Orquesta Cubana Sierra Maestra.

A excepción de dos tempranas grabaciones (Salsesetti -1994- y Mundos -1996-) que hoy en día se encuentran fuera de circulación y de casi imposible localización, Bernardo Sassetti ha encontrado en el sello discográfico Clean Feed el “hogar” perfecto para desarrollar sus ideas, pero principalmente para desplegar su propia voz tanto como músico así como compositor. En esta discográfica ostenta cinco discos como líder que todo buen aficionado al piano tendría que buscar y por su puesto coleccionar. En todos ellos se encontrará a un músico con una gran belleza de sonido, extremadamente lírico que no sensiblero, nunca ofensivo, nada recargado ni excesivamente percusivo. Una forma de tocar nada fingida, dotada de una paleta tímbrica rica y variada, que utiliza con sencillez y maestría. Pocos, por no decir escasos músicos, hoy en día pueden presumir de las cualidades que acabo de señalar. Todo ello hace de por sí un músico a descubrir y a redescubrir de forma apremiante por parte de los aficionados.

Bernardo Sassetti, Nocturno (Clean Feed, 2002)

La primera grabación de Sassetti en Clean Feed es Nocturno (Clean Feed, 2002), un compacto grabado en la casa de la excepcional y afamada pianista de música clásica Maria João Pires, Quinta de Belgais. Una sesión de grabación en formato de trío (junto al contrabajista Carlos Barretto y al baterista Alexandre Frazão) que duró cinco días, y que sirvió de carta de presentación. Esta grabación representa ser un bello disco tanto en el contenido como en la forma. En relación al contenido, por la música desarrolla, así como por los temas originales del propio pianista (siete en concreto) en donde se pueden apreciar interpretaciones musculosas y suculentas como “Olhar” o “Monkais” (un homenaje a uno de sus pianistas favoritos, Thelonious Monk) así como otras composiciones más íntimas (“Sonho Dos Outros”); pero principalmente por los temas provenientes de otros autores: una lectura ensimismada y arrebatadora de “Time For Love” de Johnny Mandel y Paul Webster, y dos temas del compositor catalán Federic Mompou, “Musica Callada Mov. 1” (en dos versiones, a trío y a piano solo) y “Cançon Nº 7”. Mompou va ser todo un referente para Sassetti que se repetirá de forma casi continua en su discografía como comprobaremos más adelante. Estas versiones participan del mundo tan particular que Mompou concebió para su música de piano, tal y como lo descubrió en los versos de Cántico de San Juan de la Cruz "la música callada/la soledad sonora", una expresión que resumía a la perfección su ideal estético: "una música que sea la voz del silencio", sin huecos ni ornamentos. Estos planteamientos son perfectamente aplicables a Sassetti, en donde la delicadeza, la intimidad, la concisión y la sobriedad de los medios forman parte del lenguaje exquisito del pianista. Y en cuanto a la forma por el grupo que utiliza Sassetti (el trío), tanto Carlos Barretto como Alexandre Frazão son los cómplices perfectos para el pianista, participando y aportando elementos interpretativos que realzan la concepción musical del líder. Una excelente grabación que permitió descubrir las dotes pianistas y compositivas de un gran músico.

Bernardo Sassetti, Indigo (Clean Feed, 2002)

Su siguiente grabación fue Indigo (Clean Feed, 2004), un proyecto compuesto de dos compactos titulados “Indigo” el primero y “Livre” el segundo (las composiciones de Livre pertenecen a las sesiones de grabación de Nocturno). Esta propuesta fue a piano solo, y supuso el reto de todo pianista de enfrentarse a un formato siempre arriesgado, comprometido y sin puntos de apoyo (todo un “caballo de batalla”), pero del cual Sassetti salió victorioso, y que realzó su talento y su concepción de pianista culto. Indigo fue el primer disco que adquirí del pianista portugués, y no es de extrañar debido a la gran aquiescencia que tengo por los discos a piano solo. La extremada profundidad, belleza y lirismo musical que desprende toda la grabación permite afirmar que nos encontramos ante un artista “global” que no entiende de clichés y que asume riesgos al utilizar diferentes géneros y concepciones estilísticas en beneficio únicamente de la interpretación musical, un reto tan sólo a la altura de muy pocos músicos. En Indigo Sassetti mezcla temas de autoría propia, con temas de autores fetiche como Thelonious Monk o Frederic Mompou, o standards de profundo calado interpretativo como “Never Let Me Go” o la escalofriante y prodigiosa interpretación de “My Funny Valentine” (la escucha de esta versión se merece por si sola la adquisición de este compacto). Con todo lo señalado, el aficionado al piano y a la buena música disfrutará de la misma en su expresión más amplia, un disco que gana enteros a medida que se escucha y que permitirá descubrir nuevos aspectos y argumentos a favor de este excepcional pianista.

Bernardo Sassetti Trio2, Aascent (Clean Feed, 2005)

 Sus subsiguientes grabaciones como líder, Ascent (Clean Feed, 2005) y Unreal: Sidewalk Cartoon (Clean Feed, 2006), van a suponer una vuelta de tuerca para Sassetti, tanto en la creatividad musical como en la faceta estética de las mismas. Ascent es un proyecto ambicioso de fuerte calado musical, con un repertorio conformado a base de temas de autoría propia (entre ellos algunos procedentes de sus composiciones para películas pero en unas nuevas versiones para este compacto y que permitirán al aficionado relacionar la idea de música pautada o compuesta con la música improvisada), un tema de su siempre querido Frederic Mompu, “El Testament d´Amelia, e incluso, un tema de la cultura popular portuguesa. En esta grabación Sassetti suena extremadamente clásico en su concepción sonora, participando para ello de los postulados ya apuntados de Mompou, sólo hay que escuchar y leer los títulos de algunas de las composiciones, como “Do Silêncio-Revelação”, “Da Noite Ao silêncio” o “El Testament d´Amelia”, para ello se sirve una formación clásica de cámara con la presencia del chelista Ajda Zupancic y el vibrafonista Jean-François Lezé. Así mismo, la aportación jazzística de la grabación procede de la presencia de la ejecución de otros temas con su habitual trío a cargo del contrabajista Carlos Barretto y el baterista Alexandre Frazão (el trabajo se titula Bernardo Sassetti Trío 2). Jazz, música culta y música popular se entremezclan sin solución de continuidad ofreciendo una grabación que desprende belleza por todas las aristas que emana, a veces jugando con los silencios más explícitos, y en otras ocasiones con las aportaciones más aguerridas. Todo ello destila un perpetuo movimiento de creatividad en donde las sonoridades en muchas ocasiones tienden a la concreción y que se plasma incluso en la concepción estética del compacto (las fotos y el texto que acompaña en la carpetilla son del propio Sassetti), tan sólo hay que leer la frase inicial del texto: “¿Sería posible traducir con palabras, la música que imaginamos interiormente?”, toda una manifestación de intenciones.

Bernardo Sassetti, Unreal: Sidewalk Cartoon (Clean Feed, 2006)

Unreal: Sidewalk Cartoon (Clean Feed, 2006) representa ser su proyecto más ambicioso a nivel discográfico. Un trabajo basado en sus dos principales vertientes musicales, la jazzística y la proveniente de la música compuesta para bandas sonoras. Para ello el pianista portugués se  rodeada del grupo percusionista Drumming (GP), en determinados temas del Quarteto Saxofínia (compuesto por Helder Valdes, José Lopes, Mário Marques y Alberto Roque) y del Cremeleque Quinteto, todo ello acompañado por una formación jazzística en sexteto liderada por el propio Sassetti, no sólo al piano sino también ejecutando un buen número de instrumentos entre ellos la marimba o el vibráfono, y con el soporte de otros intérpretes, entre ellos el de un músico español perfecto conocedor de la música del pianista portugués, el saxofonista valenciano Perico Sambeat (estupendo en todas sus intervenciones y cómodo en este tipo de propuestas tan diferentes). La música de este compacto es como una cebolla, se encuentra compuesta por diversas capas que son las proporcionan las diferentes agrupaciones y músicos que participan a lo largo de todo el compacto. Es por ello que la música resultante en esta grabación hay que disfrutarla o mejor dicho “deleitarla” con mucho detenimiento, pues nos encontramos con un concepto sonoro y esencialmente musical, extremadamente rico que permite ser desplegado en infinidad de direcciones. Música experimental y contemporánea en muchos momentos como el tema que da inicio al compacto “Prólogo”, instantes de extraordinaria meta-musicalidad, así como tintes de expresión y de maximización expresiva, con una espléndida lectura del tema de Monk “Evidence”, sin faltar los momentos más delicados y bellos con la balada “I Left My Heart In Algandros De Baixo”. Señalar por último en relación a esta grabación que, la creatividad de Sassetti llega hasta el punto de ser responsable de los textos y la composición de imágenes que hay en toda la carpetilla del compacto. Todo ello demuestra su preocupación por la creatividad como término en su más amplia extensión (tan sólo hay que mirar su página web personal para entender su fascinación como creador no sólo de música). Unreal: Sidewalk Cartoon fue incluido y comentado en la prestigiosa guía musical de Brian Morton & Richard Cook, The Penguin Guide, The History of the Music in the 1001 Best Albums (Penguin Books, 2010), casi nada.

Bernardo Sassetti Trio, Motion (Clean Feed, 2010)

Por último comentar su más reciente trabajo como líder, el publicado con el nombre de Motion (Clean Feed, 2010). Tras un compacto tan ambicioso como fue Unreal: Sidewalk Cartoon, se puede afirmar que Motion es una vuelta a sus orígenes musicales. El compacto se materializado por su trío habitual, el contrabajista Carlos Barretto y el baterista Alexandre Frazão (doce años llevaban tocando juntos esta formación cuando efectuaron la grabación que comentamos). Se puede afirmar sin ningún tipo de rubor que esta grabación supone un resumen de lo que representa Sassetti como compositor y músico. Composiciones arriesgadas, profundas y por momentos corrosivas acompañan a otras en donde demuestra su vena más lírica, bella y sensual, todo ello combinado con su pasión por la música clásica (aparece un tema de uno de sus compositores predilectos, el catalán Frederic Mompou; del que ha utilizado numerosos temas a la lo largo de su discografía, tal como hemos comentado), referencia a la música de bandas sonoras (el tema “Motion II”, es una regrabación de parte de la banda sonora de la película “98 Octanas” de Fernando Lopes), o de temas con un fuerte componente intelectual como “Faulkner” (compuesto para una obra de teatro en homenaje al escritor norteamericano), e incluso guiños a la gran tradición del jazz como el tema titulado “Bird & Beyond”, sin obviar los temas de autoría propia. Sin duda alguna, un gran disco que vino a confirmar la extraordinaria talla que como “creador” atesoraba Bernardo Sassetti.


miércoles, 9 de mayo de 2012

ARUÁN ORTIZ: Orbiting

ARUÁN ORTIZ:
Orbiting

- Aruán Ortiz: Piano.
- David Gilmore: Guitarra.
- Rashaan Carter: Contrabajo.
- Eric McPherson: Batería.

01. Ginga Carioca (7:07)
02. Orbiting (7:51)
03. The Heir (8:55)
04. Koko (4:52)
05. Numbers (4:02)
06. Wru (7:15)
07. Green City (7:39)
08. Alone Together (7:21)

Fresh Sound New Talent
FSNT 395
CD 2012

Aruán Ortiz, Orbiting (Fresh Sound-New Talent, 2012)

El nuevo trabajo que nos presenta el pianista cubano Aruán Ortiz es una auténtica delicia. Se advierte en Orbiting dos rasgos importantes a señalar: Ortiz plantea una grabación que de entrada no refleja ser el típico disco de líder que es acompañado por una sección rítmica, sino todo lo contrario, la contribución de los componentes del cuarteto permite la expansión de la formación a niveles altamente creativos gracias al enorme espacio interpretativo que cede el propio pianista (muy especialmente al guitarrista David Gilmore), esta circunstancia proporciona una grabación de una extrema madurez y de una profunda musicalidad. En segundo lugar apuntar que el guitarrista David Gilmore ostenta un peso interpretativo importante a lo largo todo el compacto, muy eléctrico por momentos y con un uso del “tempo” excelente, aprovecha todo ello para demostrar sus cualidades tanto como intérprete en solitario como acompañante de grupo, lo que le permite extraer una música elaborada e insólita al mismo tiempo. Poner énfasis así mismo el trabajo de acompañamiento que lleva a cabo el contrabajista Rashaan Carter, pero muy especialmente el del excelso baterista Eric McPherson.

El repertorio elegido transita por temas de procedencia muy distinta (sin caer en excesos “latineros o salseros”, muy propio de los músicos latinos), que demuestra el acervo musical que ha digerido Ortiz a lo largo de los años, de Hermeto Pascoal, Charlie Parker (excelente la lectura que se lleva a cabo del clásico “Koko”), de Ornette Coleman (“Wru”) y de temas originales del propio pianista (sublime la composición que da título al compacto, una especie de homenaje a Bill Evans), para acabar con un delicioso standard, “Alone Together”.

Un extraordinario disco que proporcionará muchos momentos de disfrute.


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