sábado, 28 de septiembre de 2013

FOTO: TORD GUSTAVSEN TRIO: Foto del concierto Luz de Gas (Barcelona)-39 FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ DE BARCELONA

FOTO: TORD GUSTAVSEN TRIO: Foto del concierto Luz de Gas (Barcelona)-39 FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ DE BARCELONA.

- Tord Gustavsen: Piano.
- Harald Johnsen: Contrabajo.
- Jarle Vespestad: Batería.

Luz de Gas, Barcelona.
22 Noviembre 2007


Tord Gustavsen © Photo by Joan Carles Abelenda

jueves, 26 de septiembre de 2013

GIULIA VALLE GROUP: Live

GIULIA VALLE GROUP:
Live

- Giulia Valle: Contrabajo y líder.
- Martí Serra: Saxo tenor y saxo soprano.
- Gorka Benítez: Saxo tenor y flauta.
- Marco Mezquida: Piano y teclado eléctrico.
- David Xirgu: Batería.

01. Intro 3:23
02. Drama 'n' Bass 12:20
03. Xuxi 12:55
04. Libélulas 5:21
05. Break a Loop 7:51
06. Un sueño 7:15
07. Laberinto 12:06
08. Berenice 4:38
09. Chacarena Búlgara 4:33

Grabado en directo en el Jamboree Club de Barcelona, el 1 de Junio de 2012.
Fresh Sound New Talent.
FSNT 415
CD 2012

Giulia Valle Group, Live (Fresh Sound New Talent, 2013)

Giulia Valle es una de las escasas y desconocidas mujeres jazzistas que existen en el panorama no sólo catalán sino también nacional. Nacida en la localidad italiana de San Remo, se afincó en Barcelona muy joven a la edad de 5 años. Formada en el Conservatori Superior de Música del Liceu de Barcelona y en el prestigioso Taller de Músics también de la ciudad condal, es así mismo Titulada Superior de la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC).

A parte de las innumerables colaboraciones con músicos tanto nacionales como internacionales, su principal aportación musical es la de compositora y líder de sus propios grupos, entre ellos el Giulia Valle Trío, pero muy especialmente el denominado Giulia Valle “Líbera” un septeto de amplio espectro sonoro vanguardista, y el interesante y ambicioso Giulia Valle Group, una de las bandas con mayor proyección internacional (recientemente han llevado su primera actuación en el afamado club Bimhuis de Ámsterdam y para final de año se espera su actuación en el histórico Blue Note de Nueva York). Esta formación se encuentra encabezada por algunos de los mejores músicos que hay en la actualidad, todo un dream team, (con Martí Serra y Gorka Benítez a los saxos, Marco Mezquida al piano y David Xirgu a la batería). Este grupo, con un bagaje musical forjado a lo largo de los años (tanto de actuaciones en directo como de grabaciones discográficas, con el presente compacto que vamos a comentar existen publicadas otras tres grabaciones, Colorista -FSNT, 2004-, Danza Imprevista -FSNT, 2007 y Berenice -FSNT, 2010-), ha sabido plasmar una cohesión rica en ideas y músicas, en donde la contrabajista ha sabido expresar todas sus inquietudes como intérprete, pero así mismo y de forma primordial como compositora.


Giulia Valle Group, sesión de grabación en el club Jamboree (Barcelona) en 2012 del compacto Live © Photo by Joan Carles Abelenda

Live es la culminación lógica desde la creación del grupo hace casi diez años, al suponer una especie de resumen musical de algunas de las composiciones que han ido apareciendo en la discografía del grupo. Y no hay nada mejor que para ello que hacer un concierto en directo (en unos de los históricos clubes de jazz nacionales, el Jamboree de Barcelona) de reafirmación del grupo como entidad musical y creativa, así como de sus componentes.

La escucha del compacto no dejará indiferente a ningún aficionado y permitirá comprobar la excelente energía, intensidad interpretativa y cohesión musical entre todos sus integrantes así como la asombrosa fluidez que destila la interpretación de los temas desarrollados, todos ellos compuestos y arreglados por la propia Giulia Valle.

La música que genera el Giulia Valle Group transita por momentos de un exuberante ardor y fuerza interpretativa en temas como “Drama´n´bass”, “Xuxi” o “Labrerinto”, con otros momentos más reflexivos y líricos, lo que demuestra el carácter extremadamente flexible de la formación. Este carácter lírico es posible apreciarlo por ejemplo en temas como “Libélulas”, “Berenice” o “Un sueño”, en este último (uno de los puntos fuertes del compacto) es posible disfrutar del bellísimo sólo que desarrolla Giulia Valle mientras que es acompañada por un colchón sonoro lleno de sensibilidad y buen gusto por parte de todos los músicos.

Pero si hay un rasgo que define a este grupo por encima de todos es el de la energía que desprende en sus interpretaciones, todo ello encabezado por los dos saxofonistas de la formación, con un Martí Serra altamente fogoso y poderoso (estupendas sus intervenciones con el saxo soprano) y un Gorka Benítez igual de imaginativo y generoso en sus aportaciones pero en contraposición con una sonoridad más “canalla” y “corrosiva”. Es esta contraposición de sonoridades y coloridos una de las bazas en la interpretación de los temas del compacto, una circunstancia que si cabe es expandida con el uso de la flauta por parte de Gorka Benítez. A todo ello hay que añadir las contribuciones de una de las jóvenes promesas del teclado, Marco Mezquida, que tanto al piano como en el piano eléctrico se muestra igual de contundente a nivel sonoro pero así mismo melódico, lírico y muy empático en su acompañamiento; y el siempre inteligente baterismo de David Xirgu, sonoro en los parches pero nunca excesivo ni violento, sino con un drive justo y comedido.


Giulia Valle, sesión de grabación en el club Jamboree (Barcelona) en 2012 del compacto Live © Photo by Joan Carles Abelenda

De Giulia Valle no sólo hay que resaltar su estupendo carácter interpretativo, con un sonido muy vigoroso y por momentos penetrante, sino también la faceta compositiva, que como se podrá comprobar presenta partituras llenas de matices, profundas y por instantes complicadas, desplegando en algunos momentos una belleza y una fuerza emocional digna de ser deleitada.

Un excepcional disco que sin duda alguna no debería de pasar desapercibido por los aficionados, a tenor del excelente grupo que detenta y dirige una de las más brillantes intérpretes de nuestro panorama musical.


lunes, 23 de septiembre de 2013

FOTO: LARRY CORYELL & MARK WHITFIELD QUARTET: Fotos del concierto Jamboree (Barcelona)

FOTO: LARRY CORYELL & MARK WHITFIELD QUARTET: Fotos del concierto Jamboree (Barcelona).

- Larry Coryell: Guitarra.
- Mark Withfield: Guitarra.
- Phil Wilkinson: Hammond B3.
- Esteve Pi: Batería.

Jamboree Jazz Club, Barcelona.
14 Septiembre 2013


Larry Coryell © Photo by Joan Carles Abelenda

Larry Coryell & Mark Whifield Quartet © Photo by Joan Carles Abelenda

Mark Whifield © Photo by Joan Carles Abelenda

viernes, 20 de septiembre de 2013

BILL EVANS: Solo Piano at Carnegie Hall 1973-78

BILL EVANS:
Solo Piano at Carnegie Hall 1973-78

- Bill Evans: Piano.
Grabado en directo en el Carnegie Hall, Nueva York.
[1-4] 7 de Julio de 1973.
[5-9] 28 de Junio de 1978.

- Bill Evans: Piano.
- Eddie Gomez: Contrabajo.
- Marty Morell: Batería.
Homewood” TV show, Chicago, 4 de Noviembre de 1970.
[10–15] bonus tracks publicados por primera vez en CD.

01. Introduction By Billy Taylor 1:34
02. I Loves You Porgy 4:53
03. Hullo Bolinas 4:02
04. But Beautiful 3:46
05. You Must Believe In Spring 5:59
06. You Don’t Know What Love Is 3:34
07. B Minor Waltz 3:25
08. All Of You 3:58
09. Reflections In D 6:47
10. Very Early 4:18 (*)
11. So What 6:17 (*)
12. Waltz For Debby 4:43 (*)
13. Like Someone In Love 4:44 (*)
14. Someday My Prince Will Come 4:31 (*)
15. Five (Theme) 2:00 (*)
(*) Bonus tracks

Todos los temas no publicados previamente.
Inédito.
Valmont Records.
VR 51697051
CD 2013

Bill Evans, Solo Piano at Carnegie Hall 1973-78 (Valmont Records, 2013)


La figura de uno de los pianistas más importantes e influyentes en la historia del jazz no ha dejado de crecer desde su muerte en el año 1980. En los últimos años, el mercado discográfico se ha visto inundado de grabaciones inéditas que han proporcionado más elementos musicales a cerca de sus actuaciones en directo. Algunas de ellas han sido comentadas en el blog de forma bastante extendida debido al enorme interés que las mismas han provocado.

El compacto que se comenta tiene su importancia al presentar dos grabaciones de Bill Evans a piano solo completamente inéditas hasta la fecha y llevadas a cabo en el Carnegie Hall de Nueva York en 1973 y 1978 (apuntar para los aficionados completistas que queda por aparecer todavía un concierto del mismo escenario a piano solo con fecha de 30 de Junio de 1974 y que consta de cuatro temas), y una tercera grabación que ve la luz por primera vez en formato de compacto en formación de trío (junto a Eddie Gomez y Marty Morell), anteriormente esta grabación había aparecido en un LP que se encuentra completamente descatalogado en la actualidad y referenciado como Bill Evans, Homewood (Red Bird RB-101-).

Las grabaciones del Carnegie Hall a piano solo presentan un gran interés en la discografía del pianista a consecuencia que el mismo no fue un formato que practicase de forma asidua a lo largo de su carrera musical. Su primer disco en solitario data de 1968 con el título de Bill Evans Alone, para volver a esta fórmula en 1975 con el LP Bill Evans Alone (Again). Todo ello sin olvidar los discos Conversations Wiht Myself publicado en 1963 y New Conversations de 1978, un experimento excepcional que se servía de la técnica de los estudios de grabación y consistía en grabarse y regrabarse haciendo que existiese un diálogo con varios pianos a la vez.

Los conciertos del Carnegie Hall son de una extrema brevedad, catorce minutos el primero y veintitrés el segundo, a consecuencia que el pianista actuaba en un programa junto a otros músicos invitados. El primero de ellos y todo lo escueto del mismo deja alguna perla como el tema de Steve Swallow “Hullo Bolinas”, en donde la belleza y extremada sensibilidad de Evans se puede apreciar a lo largo de la interpretación, todo ello acompañado por un magistral lección a la hora de combinar la ejecución con ambos manos. Los otros dos temas que interpreta forman parte del acervo musical de Evans, entre ellos el extraordinario y bellísimo “I Loves You Porgy”.

En el segundo concierto del Carnegie Hall el propio Evans se dirige al publico e introduce los temas, en la presentación llega a señalar que: “He tocado aquí un par de veces anteriormente y no he tenido la posibilidad de disfrutar del piano sin amplificar. Voy a intentar tocar sin amplificación, por tanto… vamos a ver que pasa”. Producto de todo ello es una aportación de cinco temas en donde Evans hace gala de sus mejores cualidades como intérprete en el uso de la armonía, la técnica, la delicadeza y el buen gusto interpretativo, así como un uso inteligente de las interacciones entre sonido y el silencio, todo ello acompañado con un swing arrebatador y difícilmente explicable.

El concierto comienza con una extensa versión de "You Must Believe in Spring", una pieza ejecutada de forma muy reflexiva en su inicio pero con una construcción tanto musical como sentimental de gran sonoridad. Interesante es así mismo la versión que lleva a cabo de "You Don't Know What Love Is", pero personalmente encuentro la interpretación del tema de Cole Porter “All Of You” una de las piezas importantes de la velada, por la arquitectura sonora en que como construye el tema Evans. El concierto finaliza con una reflexiva y delicada versión que en según que momentos adopta tintes impresionistas en su desarrollo del tema de Duke Ellington "Reflections in D" perteneciente al disco de 1978 New Conversations.

Los aficionados a Bill Evans así mismo disfrutarán del material que como bonus se incluye en el presente compacto, se trata de una grabación que en la actualidad es de imposible localización y que en formato cedé aparece publicado por primera vez. Se trata de la actuación que el Bill Evans Trío (junto a Eddie Gomez al contrabajo y Marty Morell a la batería) llevó a cabo en un estudio de televisión en Chicago en 1970, anteriormente este documento sonoro había aparecido en un LP del sello discográfico Red Bird (actualmente descatalogado). La actuación tiene algunas interesantes versiones de “So What”, el clásico tema “Waltz For Debby”, así como una deliciosa versión de “Someday My Prince Will Come”.

Un disco para los amantes de Bill Evans.

martes, 17 de septiembre de 2013

MILES DAVIS-NORTH SEA JAZZ LEGENDARY CONCERTS: Miles Davis

MILES DAVIS-NORTH SEA JAZZ LEGENDARY CONCERTS::
Miles Davis

Músicos:
- Miles Davis: Trompeta.
- John Scofield: Guitarra eléctrica.
- Darryl Jones: Bajo eléctrico.
- Robert Irving III: Teclados.
- Bog Berg: Saxos.
- Steve Thornton: Percusión.
- Vicent Wilburn Jr.: Batería.

CD:
01. Street Scenes.
02. Star People.
03. Maze.
04. Human Nature.
05. Something´s On Your Mind.
06. Time After Time.
07. Ms. Morrisine.
08. Code M.D.

Grabado el 1985 en el Tuinpaviljoen, The Hague, The Netherlands.

DVD:
01. Street Scenes.
02. Star People.
03. Maze.
04. Human Nature.
05. Something´s On Your Mind.
06. Time After Time.
07. Ms. Morrisine.
08. Code M.D.
09. Pacific Express.
10. Medley: Katia/Jean-Pierre/You´re Under Arrest/Then There Were None.

Grabado el 1985 en el Tuinpaviljoen, The Hague, The Netherlands..

Bob City.
BCCD13.006
1 CD & 1 DVD
2013

North Sea Jazz, Legendary Concerts, Miles Davis (Bob City, 2013)

Al igual que ocurre con otro ilustre músico, el pianista Bill Evans, no para de salir material de todo tipo del trompetista Miles Davis (incluido libros tal como hace poco se comentó en el blog, el interesante volumen titulado Miles Davis:The Complete Illustrated History -VoyageurPress, 2013-) . Ya me he referido en alguna ocasión en el blog con respecto a este tema, que incluso el propio Davis llegó avanzar en su excepcional autobiografía la circunstancia que tras su muerte no dejarían de publicar una cantidad ingente de material sonoro. Palabras proféticas que se han llevado a la práctica, y circunstancia que se seguirá produciendo por mucho de tiempo. Prueba de ello es la próxima publicación para el mes de Noviembre de este mismo año por parte del sello Columbia/Legacy de Miles Davis: The Original Mono Recodings, una caja de nueve compactos que comprende los primeros discos que el trompetista editó en el sello Columbia en sonido monoaural durante los años 1956 a 1961. Algunos de los elepés de esta caja son ediciones raras que no han aparecido en ninguna otra colección de Miles Davis anteriormente y que no han estado disponibles para los coleccionistas durante muchos años. Sin duda alguna una pieza de coleccionista para los fans y completistas de la discografía del genial trompetista.

Dentro de esta línea de material de difícil o de imposible localización se circunscribe el compacto que ahora se comenta en relación al concierto que Miles Davis y su grupo llevaron a cabo en el año 1985 en el Tuinpaviljoen (La Haya) en Holanda, y del cual no aparece la fecha de la misma en la información que acompaña al compacto, circunstancia esta criticable pues se debería de haber hecho constar como tal a efectos documentales. A este respecto señalar que la web oficial del macro festival North Sea Jazz Festival en la La Haya, data este concierto el sábado 13 de Julio de 1985; la misma fecha aparece en otras fuentes consultadas respecto al mismo y que por circunstancias apuntadas no se mencionan en la carpetilla del compacto. Este concierto parece ser que no ha estado difundido y distribuido en exceso dentro de los canales de las grabaciones bootlegs, lo que permitirá a los aficionados en esta ocasión hacerse con la misma de una forma completamente asequible y de forma oficial.

El año 1985 fue un año convulso en la vida de Miles Davis no sólo musicalmente hablando sino también a nivel personal, la relación que mantenía con Cicely Tyson se fue degradando a medida que pasaba el tiempo, llegando incluso a los malos tratos por parte de Miles. En el momento del concierto en La Haya, Davis se encontraba concentrado en el desarrollo de un nuevo repertorio que provenía de discos como Decoy, Star People y de You´re Under Arrest del cual aparece más de la mitad del mismo en este concierto. Esta última grabación en su momento supuso un extraordinario impacto por dos motivos, el primero por la portada del disco, en donde Miles Davis aparece armado con una metralleta, calado con un gorro y vestido de cuero negro y en una posición más que amenazante, y en segundo lugar porque popularizo dos temas pop desde su particular punto de vista, el tema “Human Nature” de Michael Jackson y el “Time After Time” de Cindy Lauper. El versionar estos temas le supusieron algunos “palos” a nivel de crítica musical, algo a lo que Davis estaba más que acostumbrado.

Pero lo principal es que Miles Davis por esos años no estaba excesivamente por la música que desarrollaba, así lo explica en su autobiografía al señalar que, “entre 1984 y 1986 hice mis usuales giras por todo el mundo. Nada nuevo en lo que a esto respecta, sólo grandes cantidades de música interpretada en lugares que entonces ya había visto muchas, muchas veces, por lo cual visitar tales lugares no constituía para mí ninguna novedad. La emoción se había perdido. Todo se convierte en rutina, y lo único que te impulsa a continuar es la música. Si la música tiene categoría, todo lo demás mejora y resulta más fácil soportarlo. Si no es así, bueno, las cosas pueden hacerse bastante duras, pues una gira larga termina siendo fatigosa y aburrida(DAVIS, Miles & TROUPE; Quincy, Miles, La Autobiografía; Gubern, Jordi (trad.). 1ª edición Barcelona: Ediciones B, 1991, pag. 367 y 368, ISBN 84-406-1975-8).


Quincy Troupe & Miles Davis, La Autobiografía: Miles (Ediciones B, 1991)

La música que suena en esta grabación procede de los tres elepés anteriormente apuntados, y contiene una banda que había tenido cambios significativos e importantes en sus filas, entre ellos señalar la presencia del excelente saxofonista Bob Berg que reemplazo la figura del también saxofonista Bill Evans, la guitarra de John Scofield, la percusión de Steve Thornton que ocupó el lugar de Mino Cinelu, y por último, el sobrino de Miles Davis, Vincent Wilburn Jr. que sustituyó la vacante que dejó en la batería la marcha de Al Foster. En esta banda también hay que apuntar la importante presencia de Darryl Jones en el bajo eléctrico (músico que acabo más tarde en la banda del cantante Sting), un instrumento que tuvo un papel muy protagonista en la última época de Miles Davis.

La música es interpretada de forma muy generosa, sonora y enérgica en las aportaciones solistas, es el caso de Bob Berg (extraordinarias sus interpretaciones) así como por el sonido por momentos incisivo y persistente de la batería de Vicent Wilburn Jr. y por descontado el bajo eléctrico de Darryl Jones, que en más de un momento se erige en el protagonista en algunos de los temas. Ante todo este plantel de músicos se encuentra el “jefe” que canaliza toda la música y dirige al grupo, Miles Davis, con un sonido a veces muy contenido y bello como en los temas “Human Nature” y “Time After Time” (en este último sin excesivas improvisaciones y manteniéndose muy fiel a la melodía), mientras que en otros momentos más corrosivo e irreverente como en el tema con ciertos tintes rockeros y funkeros de “Code M.D.” Siendo la última época de Miles Davis un período musicalmente muy criticado, el mismo contiene momentos y aportaciones interesantes, como el presente concierto, que sin ser imprescindible para una discoteca, no deja de abundar en su extraordinaria figura.

Por lo que se refiere a la toma de sonido señalar que la misma se encuentra excesivamente tratada en la zona de graves, con la sensación de estar algunos instrumentos demasiado cerca y otros más alejados, lo que hace por momentos su escucha un poco molesta aunque ello no desvirtúa en ningún caso el concierto en su conjunto.

Para acabar apuntar que la presente edición lleva incluida un DVD con el concierto grabado para su visionado con los mismos temas que el compacto de audio y en donde el aficionado podrá disfrutar de todo lo comentado así como comprobar la insólita manía de Miles Davis de tocar de espaldas al público, o tocar unos teclados eléctricos mientras mastica chicle, así como presenciar como se movía continuamente por todo el escenario. Un documento que más de un aficionado agradecerá una vez más, pues nunca hay demasiado Miles Davis para muchos acérrimos seguidores. Este DVD contiene la mala práctica de muchas ediciones de incluir temas adicionales (en concreto dos) que no aparecen junto al compacto de audio que les acompaña.

Existió la leyenda y la frase con respecto a Charlie Parker de “Bird Lives” (Bird vive), sin duda alguna Miles Davis también vive, y está muy vivo entre nosotros.

sábado, 14 de septiembre de 2013

CHICK COREA & NICOLAS ECONOMOU: On two pianos

CHICK COREA & NICOLAS ECONOMOU:
On two pianos

- Chick Corea: Piano.
- Nicolas Economou: Piano.

Chick Corea & Nicolas Economou:
Suite (improvisation) 26:19
01. Prelude 01:50
02. Ballade 02:24
03. Toccata 02:08
04. Humoresque 01:09
05. Invention 02:05
06. Fugue 01:20
07. Aria and Ostinato 07:15
08. Waltz 03:35
09. Inside The Piano 04:33

Béla Bartók:
Seven Pieces from Mikrokosmos 07:23
10. Bulgarian Rhythm 01:06
11. Chord Study 01:13
12. Perpetuum mobile 0:50
13. Short Canon and its Inversion 0:44
14. New Hungarian Folksong 0:58
15. Ostinato 02:42

Chick Corea:
16. Homecoming 9:13
17. Duets for two pianos in three parts 10:04

Chick Corea & Nicolas Economou:
18. Invention (Improvisation) 5:24

Grabado en directo el 24 de Junio de 1982 en Münich en Amerika-Haus en el Müncher Klaviersommer.
Deutsche Grammophon.
479 0011
CD 2011

Chick Corea & Nicolas Economou, One two pianos (Deutsche Grammophon, 2011)

Hablar de Chick Corea es hacerlo de una de las figuras vivas del jazz de todos los tiempos, en concreto de un músico camaleónico en el sentido más amplio del término que ha desarrollado estilos tan distintos y dispares como la música clásica, el post-bop, el avantgarde, el jazz contemporáneo, e
l jazz instrumental, la mal llamada fusión e incluso la world músic. Ello le ha permitido ensamblar un sinfín de heterogéneos y diferentes proyectos musicales a lo largo de su fructífera carrera musical, muchos de los cuales han quedado registrados en un elevado número de grabaciones. Chick Corea se encuentra al lado de los grandes creadores del piano en el jazz, estando considerado como uno de los más interesentes estilistas y alquimistas del sonido de todos los tiempos.

Chick Corea se encuentra de actualidad a raíz de la publicación de su más reciente proyecto musical, The Vigil (Stretch Records, 2013), una súper banda que este pasado verano estuvo presentado material de esta grabación, así como la publicación en exclusiva para el mercado japonés de un triple compacto con grabaciones en directo llevadas a cabo entre 2010 y 2012 en Japón y Europa con Christian McBride al contrabajo y Brian Blade a la batería, Trilogy (Stretch Records Japón, 2013).

El compacto que se comenta, On two pianos, es una buena prueba del arte camaleónico y multidisciplinar que ha caracterizado la extensa carrera musical de Corea. La presente grabación recoge el concierto que llevaron a cabo Chick Corea y el pianista de música clásica, el chipriota Nicolas Economou, en el año 1982 a lo largo del Festival de verano de piano que se llevó a cabo en la ciudad de Munich. Esta colaboración musical tuvo como idea seminal un encuentro previo que ambos músicos llevaron a cabo en la casa de Los Ángeles de Chick Corea. Ese encuentro propició algunas ideas y composiciones musicales que finalmente decidieron desarrollar en un concierto público en 1981, para repetir la experiencia al año siguiente, concierto que fue pertinente grabado y que propició su publicación en formato de LP en el año 1983 por el afamado sello discográfico de música clásica alemán, Deutsche Grammophon. La presente edición que se comenta (también realizada por el mismo sello discográfico), es la primera vez que publica el referido concierto en formato de CD.


Chick Corea & Nicolas Economou, One two pianos (Deutsche Grammophon, LP 1983)

El programa estuvo conformado por dos temas improvisados cuya autoría es de los propios pianistas, dos composiciones expresamente escritas para el concierto por Chick Corea y diversas piezas del universo musical “Mikrokosmos” de Bela Bartok. A lo largo de todos estos temas es posible apreciar la variedad y la heterogeneidad tanto musical como estilística de Corea, así como las aportaciones musicales de su acompañante. Comenzando por la “Suite” de nueve fragmentos y por la pieza “Invention”, hay que señalar que siendo la improvisación el leit motiv musical de las mismas a su vez es posible apreciar ciertos elementos interpretativos provenientes de formas compositivas clásicas como es la fuga, en concreto en los inicios de cada fragmento, lo que posibilita un diálogo repleto de intercambios entre ambos pianistas para continuar y finalizar con desarrollos por momentos muy abiertos así como altamente vigorosos a nivel sonoro, utilizando para ello recursos muy diversos como por ejemplo el golpeo del piano con las manos.

Por el contrario las dos composiciones de Chick Corea, “Homecoming” y “Duet for Two Pianos”, todo y ser escritas para la ocasión presentan en su desarrollo esa extraordinaria tensión que proviene de la interpretación y enfrentamiento de partes escritas y parte libres que se ejecutan y se entremezclan en muchas ocasiones sin solución de continuidad. Especialmente interesante es la interpretación de “Duet for Two Pianos”, en concreto por el uso del ritmo como base interpretativa todo ello unido por elementos interpretativos variados, como ciertos compases y figuras flamencas.

El compacto así mismo contiene la interpretación de seis piezas pertenecientes al universo tan particular del compositor y pianista húngaro Bela Bartok, “Mikrokosmos”. La esencia de Bartok y su forma tan particular de entender la música a base de ritmos palpitantes e irregulares y de complicadas progresiones armónicas, son especialmente ideales para la interpretación de Corea y Economou, que desarrollan la música en esta ocasión para dos pianos con ciertos elementos improvisatorios y de libertad, así como con una concepción armónica y sonora importante.

En definitiva un extraordinario compacto para seguir conociendo las ideas musicales de una de las pocas leyendas del jazz que quedan vivas y a tenor por las novedades comentadas, bien activo en cuanto a nuevas propuestas musicales.

jueves, 12 de septiembre de 2013

FOTO: GABRIEL AMARGANT QUINTET: Fotos del concierto Nits d´Estiu a La Pedrera (Barcelona).

FOTO: GABRIEL AMARGANT QUINTET: Fotos del concierto Nits d´Estiu a La Pedrera (Barcelona).

- Gabriel Amargant: Saxo tenor, saxo soprano y clarinete.
- Miguel Serna: Contrabajo.
- Adrià Pla: Guitarra.
- Marco Mezquida: Piano.
- Gonzalo del Val: Batería.

Nits d´Estiu a La Pedrera, Barcelona.
6 Septiembre 2013


Gabriel Amargant © Photo by Joan Carles Abelenda


Gabriel Amargant © Photo by Joan Carles Abelenda
Gabriel Amargant © Photo by Joan Carles Abelenda

martes, 10 de septiembre de 2013

MICHAEL BATES-SAMUEL BLASER QUINTET: One from none

MICHAEL BATES-SAMUEL BLASER QUINTET:
One from none

- Michael Blake: Saxo.
- Samuel Blaser: Trombón.
- Russ Lossing: Piano y Rhodes.
- Michael Bates: Contrabajo.
- Jeff Davis: Batería.

01. One From None (Bates) 9:11
02. Van Gogh (Bates) 7:14
03. Dogfish (Bates) 8:10
04. Recurring Dream (Blaser) 6:01
05. Balance (Bates) 6:42
06. Uncertain Salvo (Bates) 6:09
07. Rising Moon (Blaser) 9:47
08. It Began to Get Dark 5:17

Fresh Sound New Talent.
FSNT 414
CD 2012

Michael Bates & Samuel Blaser Quintet, One fiom none (Fresh Sound New Talent, 2012)

Interesante y fresca propuesta la que se deriva de la grabación coliderada por el contrabajista Michael Bates y el trombonista Samuel Blaser. Estos dos músicos que por problemas de agenda no han visto realizado el presente proyecto hasta su final grabación en el año 2011, nos brindan una sesión con una armonía muy definida a consecuencia del sonido tan particularmente grave del trombón, que junto con el resto de músicos de la formación nos ofrecen una mezcla de diferentes estilos, y en donde triunfa el jazz creativo salpicado con notas eléctricas y planteamientos que rozan las fronteras de la libre improvisación.

Bates y Baser que son los responsables en su casi totalidad de las composiciones del compacto proponen un repertorio en donde la creatividad y la complicidad musical se destila por cada uno de los temas interpretados. Esta circunstancia viene propiciada en la medida que la mayoría de músicos que participan en esta sesión se conocen como consecuencia de haber contribuido entre si en otros proyectos musicales.

El resultado musical de One from none permitirá comprobar la textura y la musicalidad tan diferenciada entre las improvisaciones del saxo de Michael Blake, las aportaciones del trombón de Samuel Blaser y las contribuciones del rhodes de Russ Lossing, que añaden una sonoridad añeja y de otra época que casa a la perfección con el resultado musical obtenido. Es el resultado de esta conjunción de interpretaciones y la multiplicidad direccional de sonoridades el fuerte de la grabación comentada, en donde los momentos eléctricos son alternados con improvisaciones procedentes de la libre improvisación, con líneas de moderna creatividad, y todo ello conjuntado con formas más clásicas de composición.

El compacto y la música que se desprende del mismo harán las delicias de más de un aficionado, que a buen seguro deberá de someterlo a sucesivas escuchas para poder extraer y disfrutar de la intensa y fructífera conexión entre todos ellos los componentes de la formación. Una propuesta para descubrir.

viernes, 6 de septiembre de 2013

OPUS 5: Pentasonic

OPUS 5:
Pentasonic

- Seamus Blake: Saxo tenor y soprano.
- Alex Sipiagin: Trompeta y fiscorno.
- David Kikoski: Piano y fender rhodes.
- Boris Kozlov: Contrabajo.
- Donald Edwards: Batería.

01. The Saboteur 6:28
02. Videlles Dreams 7:46
03. Sign of Life 8:12
04. Ducktones 8:14
05. Little Dancer 8:48
06. Three Days of Maybe 5:47
07. Danny 9:05
08. Red Clay 7:29
09. Charlie´s Wig 3:25

Criss Cross Jazz
712474 135127
CD 2012

Opus 5, Pentatonic (Criss Cross Jazz, 2012)

Recientemente se ha tenido la posibilidad de ver y escuchar en Barcelona esta extraordinaria banda de músicos surgidos de la escena jazzística de Nueva York. Opus 5 esta conformada por cinco intérpretes que han tocado juntos en numerosas sesiones mientras a la par que cada uno de ellos detentaba sus propios grupos o formaba parte de otras formaciones. La conjunción de estos músicos propició que finalmente grabaran sus propias ideas musicales en el sello discográfico holandés Criss Cross dando a la luz por ahora a dos discos, Introducing Opus 5 en el año 2011 y el que ahora se comenta.

Opus 5 en el Jamboree de Barcelona:


Seamus Blake © Photo by Joan Carles Abelenda
Alex Sipiagin © Photo by Joan Carles Abelenda

David Kikoski © Photo by Joan Carles Abelenda

Boris Zozlov © Photo by Joan Carles Abelenda

Donald Edwards © Photo by Joan Carles Abelenda

Siguiendo las líneas musicales de su anterior grabación, Pentasonic demuestra a través de siete composiciones originales de los miembros del grupo los magníficos planteamientos en los que se basan a nivel musical. Muestra de ello y como carta de presentación del grupo es el primer tema desarrollado en el compacto, “The Saboteur”, o las composiciones “Ducktones” y “Three Days of Maybe”, en donde es posible apreciar una sección rítmica poderosa y aguerrida que es secundada con las aportaciones solistas en primera línea de Alex Sipiagin y Seamus Blake tanto al saxo tenor como soprano.

Apuntar que existiendo un extraordinario espacio para el lucimiento interpretativo de los instrumentos de viento a lo largo de compacto, algo obvio debido a las digamos condiciones solistas que detentan Sipiagin y Balke, no es por ello menos reseñable las aportaciones de los componentes de la sección rítmica. Tanto David Kikoski como Boris Kozlov y Donald Edwards demuestran no sólo ser unos sublimes compositores de algunos de los temas del compacto, sino igualmente brillantes intérpretes con aportaciones solistas sugestivas de fuerte calado musical. En temas como por ejemplo “Little Dancer” es posible apreciar interesantes contribuciones solistas de David Kikoski en el fender rhodes o al piano en el tema “Danny”, o así mismo del contrabajista Boris Kozlov en la versión que se lleva a cabo del tema de Freddie Hubbard “Red Clay”.

Todo lo comentado hace de Opus 5 un grupo orgánico y cooperativo tanto en la composición como en los desarrollos musicales, en donde despliegan un jazz moderno, creativo y de altos vuelos, lo que redunda en una reciprocidad llena de empatía tanto en los discursos musicales como en sus ideas y que hace de este grupo uno de los más atractivos de la escena jazzística actual, y que los aficionados no deberían de dejar pasar.

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