domingo, 28 de septiembre de 2014

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-ANTHONY WONSEY

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-ANTHONY WONSEY
Concierto CARMEN LUNDY QUARTET TRIO:

- Carmen Lundy: Voz.
- Anthony Wonsey: Piano.
- Darryl Hall: Contrabajo.
- Ralph Peterson: Batería.

Jamboree Jazz Club.
6 Julio 2013

Anthony Wonsey © Photo by Joan Carles Abelenda

viernes, 26 de septiembre de 2014

CHICK COREA: Solo Piano, Klavier Festival 2014

CHICK COREA:
Solo Piano, Klavier Festival 2014

- Chick Corea: Piano.

DISC 1:
01. It Could Happen To You.
02. Deafinado.
03. Turn Out The Stars.
04. Very Early.
05. Work.
06. Pastime Paradise.
07. Mazurka in A-Moll, Op. 17 Nº4.
08. The Dormunt Choir.
09. Portrait #2-Vilnuis.
10. The Yellow Nimbus.

DISC 2:
01. Improvisation.
02. Improvisation II.
03. Children´s Song.
04. Armando´s Rhumba.

Live in Konzerthaus, Klavier Festival Ruhr, Dortmund, 21 May 2014.
2 CD 2014
BOOTLEG


Chick Corea,  Klavier Festival 2014 (CD Bootleg, 2014)

Hace poco tiempo en Jazz Recordings comentamos el último disco del pianista Chick Corea, Solo Piano-Portraits (Strech Records, 2014), una grabación que presentó junto a una gira que ofreció por diversas ciudades de Europa. Entre las ciudades escogidas se encontró la ciudad de Sant Cugat del Valles (Barcelona), una localidad que sirvió para que los aficionados pudiesen disfrutar del arte de este pianista en uno de los contextos en que menos se prodiga, es decir, el de piano solo.

La grabación que ahora se comenta (realizada en directo) forma parte de la mencionada gira europea y viene a demostrar y especialmente a constatar el sensacional creador de atmósferas y musicalidades que es Chick Corea. Este documento sonoro no es una grabación oficial sino una de las consideradas como bootleg; un tipo de grabaciones que en Jazz Recordings comentamos atendiendo “siempre” a su calidad musical y sonora. Este es el caso del concierto ofrecido por Chick Corea en Dortmund (Alemania), pues el mismo sirve de excelente testimonio para reconocer la excepcional forma creativa y musical en la que se mantiene esta leyenda del jazz.


Chick Corea,  Klavier Festival 2014 (Bootleg, 2014)

El repertorio se encuentra confeccionado en su mayoría con los mismos temas de la grabación oficial, temas de pianistas a los cuales Corea admira y profesa un gran respeto, entre ellos a Bill Evans (“Turn Out The Stars” y “Very Early”), a Stevie Wonder (“Pastime Paradise”), o al gran Thelonious Monk (“Work”). Aunque también hay algunas nuevas aportaciones como el tema de Antonio Carlos Jobim “Desafinado”, de Frederic Chopin la “Mazurca Op. 17 Nº4”, o el tema propio de Corea “Armando´s Rumba”.

El aficionado podrá comprobar que las versiones que reelabora de estos grandes pianistas tienen algo propio de Corea en su forma final, lo que demuestra lo excepcional músico que es a la hora de improvisar frases y sonoridades tan distintas y dispares. Prueba de ello es el tema que interpreta junto al público en “The Dortmund Choir”; una composición que se encuentra improvisada en su totalidad junto al público y donde Corea extrae muy buenos momentos de improvisación junto a ciertos aires latinos en la ejecución. El público alemán, a pesar de la fama que tiene de frío y poco expresivo, acompaña con dedicación y esmero al pianista en todo momento, lo que permite obtener una versión fresca y divertida y así mismo evidenciar que Corea es un experto en sacar petróleo de los elementos más sencillos y dispares a la hora de confeccionar una composición.

La grabación finaliza con dos improvisaciones junto a dos pianistas voluntarios del público y a una interpretación de pequeñas piezas procedentes de “Children´s Songs”. La brillantez de Corea en la ejecución de estas piezas deja claro de nuevo el arte de desarrollar y buscar ideas en los espacios más inauditos, así como sonoridades y texturas incluso haciendo reverberar las cuerdas del piano. Son veintitrés minutos de creación continua y sin igual que dejarán satisfecho a más de un aficionado. La velada finaliza con todo un clásico en el repertorio de Corea, el siempre reconocible “Armando´s Rumba”.

Un excepcional registro dentro de las grabaciones bootlegs tanto por la calidad musical como por la calidad sonora, que bien valdrá la pena buscar.

miércoles, 24 de septiembre de 2014

LIBRO: MÚSICA PARA LEER, Una historia natural del piano. De Mozart al Jazz Moderno

LIBRO: MÚSICA PARA LEER
Una historia natural del piano.
De Mozart al Jazz Moderno

Stuart Isacoff.
Traducción de MariPeyrou.
384 Páginas.
Publicado por Turner. Colección Música.
Idioma: Castellano.
Encuadernación: Rústica con solapas.
1ª edición, 2013.
ISBN: 978-84-7506-903-6
2013

ÍNDICE:

I.                     Un encuentro de tradiciones.
II.                   Nace el piano.
III.                  La primera superestrella del piano.
IV.                La fiebre del piano.
V.                  Intérpretes en la carretera.
VI.                Los cuatro sonidos.
VII.               Los inflamables.
VIII.             Los alquimistas
IX.                 Los rítmicos.
X.                   Los melodistas.
XI.                 Lo cultivado y lo silvestre.
XII.                Que vienen los rusos.
XIII.              Los alemanes y sus relaciones íntimas.
XIV.             Teclas del mundo.
XV.              A la vanguardia.
XVI.             Todo lo viejo vuelve a ser nuevo.
Apéndice. Notas adicionales.
Datos biográficos de los colaboradores.
Imágenes.
Notas sobre las fuentes.
Agradecimientos.

Una Historia natural del piano. De Mozart al Jazz Moderno, Stuart Isacoff (Turner, 2013)


Una historia natural del piano. De Mozart al jazz moderno se podría decir que es la condensación de la historia del piano en diversos capítulos. Todos ellos redactados para una lectura fácil y amena, el lector/aficionado podrá percibir en los mismos una escritura ágil que se encuentra dotada de continuos cambios de punto de vista y donde la inserción de pequeños artículos ilustrativos hace del relato y de la obra en su totalidad, un pequeño tratado sobre el piano que nunca aburre.

Prueba de la heterogeneidad y amplitud de miras con que es desarrollado el libro, el mismo se encuentra distribuido en diversos capítulos que engloban a los pianistas por categorías como son los inflamables, los alquimistas, los rítmicos y los melodistas. Dentro de estas categorías se podrá comprobar como Claude Debussy, Maurice Ravel o Alexander Scriabin se encuentran asociados juntos a músicos de la talla de Bill Evans, Duke Ellington o el gran Thelonious Monk, dentro de los músicos alquimistas. Stuart Isacoff llega a afirmar que Monk es un alquimista musical a pesar de que su mundo sonoro no se parece al de Debussy, pero en cambio embelesa de un modo similar, sobre todo por la sensación de suma extrañeza que transmite.

Especialmente sugestivo es el capítulo dedicado a los pianistas rítmicos y muy en concreto a la historia americana del piano desde los inicios del rag time. Isacoff hace un repaso interesante a figuras de la talla de Fats Waller, Willie “The Lion” Smith, James P. Johnson o al “toro” de Toledo (Ohio) Art Tatum.

El aficionado al piano y el aficionado en general podrán comprobar el recorrido que se lleva a cabo por la historia del piano clásico y el piano moderno del jazz. No puede faltar, como era de esperar, un capítulo específico y concreto a la escuela rusa que tan grandes pianistas a dado a lo largo de la historia del piano, pasando de Anton Rubinstein hasta Vladimir Ashkenazy, y citando a grandes creadores como fueron Rachmaninoff, Horowitz o el gran, inimitable y siempre especial Sviatoslav Richter. En este capítulo Isacoff asemeja tanto a Ashkenazy y Richter al considerar que aportaban una imagen más compleja y moderna de la tradición musical rusa. Ambos músicos eran contrarios a los excesos del estilo pianístico romántico y a su vez tenían un sentido de la independencia muy arraigado y un profundo dominio de la técnica. De Richter se señala su carácter esquivo, complejo y solitario, con una concepción pianística alejada de la comercialidad en que había caído la música. De Richter era famosas sus giras con su propio piano y su propio afinador, algo que daba a entender hasta que punto el nivel de exigencia era básico para su interpretación. O que en sus conciertos, en muchas ocasiones reinaba la más absoluta oscuridad, pues lo importante para Richter no era el intérprete, sino la música que llevaba a cabo ese intérprete. El repaso a la figura de Richter personalmente se me antoja excesivamente parca, teniendo en cuenta que este pianista ha sido un mito dentro de la interpretación pianística de todos los tiempos.

El libro así mismo también recoge las excentricidades y curiosidades de un “genio chiflado”, tal y como lo calificó el director de orquesta George Szell, un tal Glenn Gould. Sin duda alguna otro de los grandes nombres del piano, y que cuenta con una legión de fervientes seguidores.

Una historia natural del piano. De Mozart al jazz moderno es un libro que hará las delicias de los aficionados a la música clásica como a los seguidores del jazz a consecuencia de la cantidad de información, anécdotas y datos que servirán para hacerse una idea general del los pianistas que trata y de los estilos a los cuales se les adscriben. Todo ello por supuesto sin dejar de lado la historia y evolución del piano desde sus inicios. Un libro muy interesante y recomendable que dotará de unos conocimientos y de una información sumamente valiosa.

domingo, 21 de septiembre de 2014

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-JAUME VILASECA

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-JAUME VILASECA
Concierto JAUMA VILASECA TRIO:

- Jaume Vilaseca: Piano.
- Dick Them: Contrabajo.
- Ramón Díaz: Batería.

Jamboree Jazz Club.
28 Junio 2013


Jaume Vilaseca © Photo by Joan Carles Abelenda

jueves, 18 de septiembre de 2014

HAROLD LAND: Choma (Burn)

HAROLD LAND:
Choma (Burn)

- Harold Land: Saxo tenorn.
- Ndugu: Batería.
- Bill Henderson: Piano & piano eléctrico.
- Bobby Hutcherson: Vibrafono y marimbas.
- Harold Land, Jr.: Piano & piano eléctrico.
- Woody Theus: Batería.
- Reggie Jonson: Contrabajo

01. Choma (Burn).
02. Our Home.
03. Black Caucus.
04. Up and Down.

Originalmente grabado para el sello discográfico Mainstream, MRL 344 en 1971.

Boplicity Records.
CDBOPM 026
CD 2014. REEDICIÓN.


Harold Land, Choma (Burn) (Bobplicity Records, 2014)

Interesante y a la vez curiosa grabación esta reedición que comentamos del saxo tenorista americano Harold Land. En Jazz Recordings ya hemos comentado alguna grabación de este excelente músico, en concreto uno de sus mejores discos, The Fox.

La reedición que se comenta y publicada en el presente año, resulta chocante, o incluso se podría calificar de diferente a consecuencia de la sonoridad tan distinta a la que Harold Land nos tenía acostumbrados en sus grabaciones de los años 50 y 60 y muy en concreto por su presencia en el quinteto de Clifford Brown y Max Roach.

Choma (Burn) es fruto de la colaboración que llevaron a cabo el saxofonista Harold Land y el vibrafonista Bobby Hutcherson a finales de lo años 60 y principios de los 70. Una relación que trajo como resultado la publicación de diversos discos, algunos aparecidos a nombre de Land y otros a nombre de Hutcherson. Este que comentamos es el segundo que el saxofonista llevó a cabo para el sello discográfico Mainstream, y se trata de una producción escasamente corta en minutaje, tan solo treinta y cinco minutos, y configurado por cuatro temas de larga duración la mayoría de ellos.



Harold Land, Choma (Burn) (Mainstream Records, 1971)

La música que se puede percibir en este disco se encuentra influenciada por las sonoridades de los años 70, en donde la aparición de la fusión electrónica y las sonoridades de grupos como Miles Davis marcaron el inicio de esos años. “Black Caucus” es un claro exponente de lo señalado que junto a una exhuberancia sonora procedente de las percusiones y al sonido del vibráfono de Hutcherson nos retrotraen a la sonoridad de ciertos telefilms también de esa misma época. El tema que da nombre al disco participa de los elementos señalados pero así mismo de ingredientes de un hard-bop muy aguerrido y de ciertas aportaciones procedentes del movimiento free.

Las interpretaciones más canónicas, por decirlo de alguna forma, son los temas “Our Home” y “Up and Down” que con sus sonoridades a soul, funk y blues, todo ello aderezado con ciertos planteamiento de straight ahead jazz permitirán al aficionado disfrutar de las contribuciones solistas de Harold Land y Bobby Hutcherson, así como las contribuciones de Ndugu a la batería, la de Reggie Johnson al contrabajo y las del piano del hijo del saxofonista, Harold Land Jr.

Una interesante propuesta musical, que sin ser un disco imprescindible en la discografía de Harold Land, por el contrario nos permite comprobar su evolución y aportación musical al jazz.

martes, 16 de septiembre de 2014

ALBERT BOVER: ALBERT BOVER TRIO, Bilbon Biz-Bizian-Live in Bilbao

ALBERT BOVER:
ALBERT BOVER TRIO
Bilbon Biz-Bizian-Live in Bilbao

- Albert Bover: Piano.
- Masa Kamaguchi: Contrabajo.
- Jorge Rossy: Batería.

01. How Deep Is The Ocean.
02. Luiza.
03. 45´.
04. Verdad amarga.
05. Sis per vuit.
06. Nosferatu.
07. Raynald´s doubt.
08. The Wedding.

Grabado en directo el Conservatorio de Música Juan Crisóstomo Arriaga de Bilbao.

Moskito Rekords.
MR-0021302
CD + LP 2012

Albert Bover Trio, Bilbon Bizi-Bizian, Live in Bilbao (Moskito Rekords, 2012)


Hablar de Albert Bover es hacerlo sin lugar a dudas de uno de los mejores pianistas nacionales que existen en la actualidad. Siendo la anterior afirmación una obviedad, también lo es que el pianista catalán es uno de los músicos menos valorados de todos los tiempos en el jazz nacional. A pesar de ello, es  una circunstancia incontestable la excelsa calidad y profundos conocimientos musicales que Albert Bover ostenta tanto como músico, intérprete y compositor.

Aparecido en los años 80 junto a otros músicos que representaron la nueva ornada de jazzmen españoles (entre ellos señalar entre otros a Iñaki Salvador, Chano Domínguez, Perico Sambeat o Ramón Cardo), Bover ha sido reconocido por su excelente técnica, su sabiduría musical y sin lugar a dudas por su calidad interpretativa, a pesar del poco reconocimiento que ha tenido por parte de los aficionados.



Albert Bover © Photo by Joan Carles Abelenda

La grabación que comentamos es su más reciente aportación discográfica, algo a la que Bover por desgracia no se dedica en exceso. Para la misma ha contado con la colaboración de dos excepcionales músicos como son el contrabajista japonés afincado en Barcelona, Masa Kamaguchy y el baterista Jorge Rossy (ex baterista de Brad Mehldau) y toda una garantía de primer nivel en la sección rítmica.

El repertorio se encuentra confeccionado por una selección de standars y temas propios, comenzando con un tema con una fuerte tradición a sus espaldas, nada más y nada menos que el “How deep is the Ocean”, el cual es desarrollado con una técnica fluida y fantástica, en el tema es posible apreciar el oficio en la forma de exponer la melodía, un auténtico arquitecto de melodías e improvisaciones. Todo ello si cabe se puede comprobar de forma más clara en uno de los mejores temas del compacto, la interpretación del tema de Antonio Carlos Jobim, “Luiza”, en donde la sensibilidad y el lirismo son el hilo conductor expresivo pero ante todo momento exento de excesos ni afectismos gratuitos, lo que hace de la misma una versión extremadamente pulida y natural.

No hay que dejar de apuntar igualmente la preciosa versión del bolero de Consuelo Vázquez, “Verdad Amarga”, así como los temas originales del propio pianista como son “45´”, el vals “Six per vuit” o el tema dedicado al trompestista catalán Raynald Colom “Raynald´s doubt”, que vienen a demostrar el excelente compositor que es Bover, así como percibir como se desenvuelve pianísticamente en temas de mayor calado intepretativo y expresivo.

A este estupendo registro colaboran los dos músicos que acompañan al pianista catalán, muy especialmente el arte de Jorge Rossy que demuestra su sabiduría interpretativa con unas aportaciones ajustadas, precisas y sabias, y la del contrabajista Masa Kamaguchi, todo y que en determinados temas hace gala de un exceso interpretativo que no acaba de casar en su justa medida con algunas melodías y sonoridades. A pesar de ello el trío se desenvuelve a la perfección en todos los registros que aborda con una excelente compenetración interpretativa, lo que hace del compacto comentado una excelente grabación que no decepcionará a los aficionados.

Señalar para finalizar que la producción de esta grabación se compone de un compacto (con el doble de temas) y de un vinilo que se venden de forma unitaria y que hacen del mismo un producto para coleccionistas y fetichistas. Una excelente grabación de un gran músico que no debería de pasar desapercibida.

sábado, 13 de septiembre de 2014

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-DANNY GRISSETT

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-DANI GRISSETT
Concierto RAYNALD COLOM NYC QUINTET:

- Raynald Colom: Trompeta.
- Logan Richardson: Saxo alto.
- Danny Grissett: Piano.
- Michael Janisch: Bajo.
- Mario Gonzi: Batería.

Jamboree Jazz Club.
6 Junio Mayo 2013


Danny Grissett © Photo by Joan Carles Abelenda

miércoles, 10 de septiembre de 2014

FOTO: FREDDY COLE: Foto del concierto Jamboree (Barcelona)

FOTO: FREDDY COLE: Foto del concierto Jamboree (Barcelona).

- Freddy Cole: Piano y voz.
- Randy Napoleon: Guitarra.
- Elias Bailey: Contrabajo.
- Curtis Boyd: Batería.

Jamboree Jazz Club, Barcelona.
6 Agosto 2014


Freddy Cole © Photo by Joan Carles Abelenda

domingo, 7 de septiembre de 2014

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-MANOLO GUTIÉRREZ

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-MANOLO GUTIÉRREZ
Concierto MARCOS PIN, FACTOR E RESET:

- Marcos Pin: Guitarra.
- Javier Pereiro: Trompeta y fiscorno.
- José Luís Miranda: Trombón.
- Pablo Castaño: Saxo alto y flauta.
- Xosé Lois Míguelez: Saxo tenor.
- Toño Otero: Saxo tenor.
- Ton Risco: Vibráfono.
- Manolo Gutiérrez: Piano.
- Xacobe Martínez: Contrabajo.
- Max Gómez: Batería.

Jamboree Jazz Club.
31 Mayo 2013

Los pianistas del JAMBOREE-Manolo Gutiérrez © Photo by Joan Carles Abelenda

martes, 2 de septiembre de 2014

ARTÍCULO-PAOLO FRESU: EL SONIDO COMO EXCELENCIA

PAOLO FRESU: EL SONIDO COMO EXCELENCIA


Paolo Fresu © Photo by Joan Carles Abelenda

El trompetista, fiscornista, compositor y arreglista italiano Paolo Fresu (Berchidda, Cerdeña, 1961) es un de los músicos europeos con mayor prestigio dentro de su instrumento. Junto al también trompetista Enrico Rava es probablemente uno de los creadores italianos más respetados y admirados del viejo continente debido principalmente a su afán creativo e investigador, circunstancia esta que le ha permitido tener una dilatada y abultada discografía en una variedad de formatos, así como colaborar con algunos de los mejores jazzmen más acreditados tanto europeos como americanos.

En los últimos años Paolo Fresu ha publicado cinco discos con el título !50 anni suonnati y que han servido para celebrar el cincuenta aniversario de Paolo Fresu y de paso dejar constancia del proyecto que consistió en cincuenta conciertos en cincuenta lugares diferentes de Cerdeña y en cincuenta días consecutivos; en estos conciertos se involucraron amigos y músicos del trompetista procedentes de todo el mundo desde Stefano Bollani a Ornella Vanoni, de Uri Caine a Omar Sosa, o de Ludovico Einaudi a Sheila Jordan. Fruto de esos casi dos meses de música así mismo fue la publicación del libro In Sardegna, Un viaggo musicale (Feltrinelli, 2012), una especie de recopilación de historias, vivencias y momentos de todas esas actuaciones y de las cuales Paolo Fresu quiso dejar constancia escrita, así como el libro ilustrado del fotógrafo Gianfranco Mura, Paolo Fresu, 50 anni suonnati (Illiso, 2012).

Paolo Fresu, In Sardegna, Un Viaggio Musicale (Feltirnelli, 2012)

Tras la monumental celebración señalada, en el presente año se ha publicado el compacto Paolo Fresu Quintet ¡30! (Tuk Music, 2014) y con el que se celebran los treinta años de existencia de su afamado quinteto italiano conformado por el propio Paolo Fresu, Tino Tracanna a los saxos, Roberto Cipelli al piano, Attilio Zanchi al contrabajo y Ettore Fioravanti a la batería y percusión. Un conjunto que “es posiblemente uno de los más antiguos del jazz europeo, un grupo que ha tenido siempre a sus mismos integrantes y sin cambios desde su creación en 1984”. Una formación con una gran experiencia, “en la actualidad somos treinta años mayores, lo que no has permitido tocar en muchos países del mundo y llevar a cabo una importante discografía”. Esta grabación podría ser una especie de resumen de muchos años de música, pero así mismo y tal como señala el propio Fresu es “una grabación diferente, pues ella nos ha concedido la posibilidad de compartir nuestra música, una música que es muy democrática y colectiva, pues tiene temas de todos sus componentes, y se podría decir que incluye la historia de cada uno de ellos”. Una formación en donde se puede encontrar “mucha interacción y mucho respeto, pues todos estamos muy atentos a lo que hace cada uno”.

La publicación de Paolo Fresu Quintet ¡30! es todo un acontecimiento, principalmente por la longeva duración de una formación, circunstancia esta que no suele ocurrir con demasiada frecuencia en nuestros tiempos debido principalmente a los intereses comerciales de sus componentes, de las envidias que puedan surgir o de los egos mal repartidos e interpretados. Algo que no se ha producido en el grupo de Fresu y en donde “el factor humano ha sido la clave para la duración del grupo”. A cerca de ese factor humano Fresu puntualiza que “tuve mucha suerte a la hora de seleccionar a los músicos para el quinteto, pues ellos desde el inicio estaban interesados por la música y no por otras cosas que están fuera de la misma”. Un grupo al que el propio Fresu considera que “le queda recorrido musical y creativo por delante, siendo un claro ejemplo de ello nuestra última grabación; es muy diferente pues en la misma vuelvo a tocar con la electrónica ya que durante muchos años lo había hecho de forma acústica, y donde se puede percibir unos temas muy trabajados tanto a nivel compositivo como musical”. Además puntualiza de forma clara y contundente que “no nos reunimos para tocar por tocar, pues a parte de esta formación toco con otros grupos, si tocamos juntos es por que tenemos una motivación detrás de la música”.


Paolo Fresu © Photo by Joan Carles Abelenda

La expresividad musical del quinteto italiano de Paolo Fresu ha tenido siempre reflejo en un músico y una formación, en concreto en la figura de Miles Davis y específicamente en su famoso segundo quinteto. Aunque el propio trompetista italiano también ha manifestado en numerosas ocasiones una gran pasión por otro de los mejores trompetistas en la historia del jazz, Chet Baker. Músicos a lo cuales ha homenajeado en su discografía con grabaciones como Porgy and Bess (Il Manifesto, 2001) o Kind of Porgy & Bess (BMG, 2002) para Miles Davis y el Shades Of Chet (Via Venetto Jazz, 1999) en relación a Chet Baker.

Las características del sonido íntimo y recogido de Fresu unido a su gusto por la melodía altamente expresiva, el lirismo sin afectaciones y las inagotables ganas de exploraciones sonorosas, hacen entrever las influencias de los dos grandes trompetistas. Influencias que a pesar del paso del tiempo “se siguen manteniendo, pues si olvidamos el pasado no tenemos presente ni futuro. La historia del jazz es una mezcla de la contemporaneidad de la música y del pasado”. La influencia incluso llega a la admiración cuando Fresu afirma que “Chet Baker fue un gran poeta y un gran instrumentista, con una música y un sonido único. Mientras que Miles también fue un gran instrumentista pero a su vez un gran buscador, un músico que abrió muchas puertas que nos han servido a los músicos actuales para entrar y descubrir cosas nuevas. La idea de componer la música en el tiempo real, que es una idea que yo llevo a cabo con mi cuarteto Devil [otra ilustre formación de Fresu], es la filosofía del quinteto de Miles Davis con Wayne Shorter”. El quinteto de Miles Davis ha sido siempre un espejo para Fresu hasta el punto que “la idea original de mi quinteto era tocar como lo hacía el quinteto de Miles, en donde se puede pasar de un tema al otro en un tiempo real, lo que a la larga me permite cambiarlo todo de forma coherente”.


Paolo Fresu © Photo by Joan Carles Abelenda

Siendo el quinteto de Paolo Fresu una de las formaciones más importantes dentro de su larga carrera como músico, igualmente hay que apuntar el interés y la motivación para desarrollar su lenguaje en formaciones bien distintas como han sido el dúo, el trío, el cuarteto, en sexteto, incluso agrupaciones de mayor tamaño. Los conciertos que ha llevado a cabo Paolo Fresu en su gira de primavera por los diversos clubes españoles, la ha realizado en formato de dúo y acompañado por el pianista italiano Dino Rubino. Un formato que a lo largo de los años le ha llevado a colaborar y grabar con pianistas tan diversos como es el caso de Uri Caine o el de Omar Sosa. Esta formación le proporciona “libertad, sonido y espacio. Los formatos de dúo y trío son difíciles debido a que uno siempre tiene que estar en conexión con los músicos que tocas. Me gusta mucho tocar con formaciones pequeñas por que uno tiene más espacio”. Pero como pasa en muchas circunstancias de la vida siempre hay problemas y en el caso de Fresu “es difícil poder encontrar compañeros de viaje para compartir un lenguaje musical determinado”.

Las personalidades de cada “compañero de viaje” hacen que cada dúo con pianista sea totalmente distinto, lo que conlleva por definición una búsqueda distinta y por tanto también, un resultado distinto. Ello le ha posibilitado tocar con una larga lista de pianistas, “Uri Caine tiene una forma muy diferente en su forma de interpretar, mientras que por el contrario de Dino Rubino lo que me gusta es que toca el piano de la misma forma que toca la trompeta (Rubino fue alumno mío de trompeta, combinaba trompeta y piano, pero acabó tocando el piano); toca el piano de una forma muy melódica. Por el contrario Omar Sosa toca la música del mundo, mientras que en cambio Dado Moroni toca mucho jazz. Lo importante con el piano es que cada pianista es un mundo completamente diferente, lo que me obliga a relacionarme con esos mundos tan distintos”.

La lista de pianistas con los que ha colaborado Paolo Fresu es considerable, entre ellos a parte de los ya comentados se pueden citar a Alain Jean Marie, Stefano Bollani o Michel Graillier, aunque su gusto por relacionarse con otros mundos musicales hacen que su lista se encuentre inacabada. Fresu manifiesta su gusto por tocar con algunos pianistas en concreto como son, “Keith Jarrett o los pianistas escandinavos como Jon Balke o Bugge Wesseltoft. El mundo esta lleno de pianistas increíbles, y por tanto cada uno tiene su idea del piano. El piano es como una orquesta, al ser un instrumento polifónico y polirrítmico cada pianista puede ser completamente diferente uno del otro. Esto no pasa con un instrumento como la trompeta que es muy parecido, todo y que el sonido de Miles o Chet Baker, o de Lee Morgan y un largo etcétera de trompetistas todos son diferentes, pero la final el sonido de la trompeta es su sonido. Por contrario, el sonido del piano es distinto por que tiene otras cosas y a eso se le añade que cada músico por tanto tiene su propio mundo”.


Paolo Fresu © Photo by Joan Carles Abelenda

A parte de esta formación comentada de dúo y piano, Fresu ha establecido relaciones musicales con numerosas y diversas agrupaciones, “cada grupo es diferente, aunque intento ser igual en cada una de ellas. Lo que se puede compartir con cada uno de los músicos diferentes que me encuentro es la idea del sonido. Si el sonido es muy distinto el proyecto no funciona. No puedes cambiar tu sonido, por la sencilla razón que tu sonido es tu cara, es tu idea. Con cualquier grupo que toco mi personalidad es mi sonido. Es como lo que ocurrió con Miles en los años 80 y 90. Cuando Miles empezó a tocar junto a guitarras eléctricas y muchos instrumentistas, se le criticó que lo que tocaba no era jazz. El sonido de Miles era siempre el mismo sonido. La idea del sonido de los años 80 y 90 era la misma idea de sonido con la que tocaba en los años 50. Lo único que ocurrió es que cambió la cornisa, pero la idea del sonido nunca la cambió”.

Relacionado con esta idea de sonido que Fresu señala, sus inquietudes musicales y sus innovaciones expresivas le han permitido desarrollar unas sonoridades diferentes que le provienen de campos tan distintos como son el terreno vocal o las sonoridades provenientes de la música culta. En concreto de proyectos como los que llevó en el primer caso para el sello discográfico de Manfred Eicher, Místico Mediterraneo (ECM, 2011) y en el segundo caso con su participación con el cuarteto de cuerdas Alborada, Think (Blue Note, 2009). “Estas participaciones me han permitido tener un registro completamente diferente. Cuando toco con Místico Mediterráneo es otra voz, es el encuentro de tres instrumentos de viento; la trompeta, el bandoneón y la voz. Mientras que con el cuarteto de cuerdas es algo también completamente distinto. Me encanta tanto el repertorio de música clásica como contemporánea, así como la música barroca”. Este interés por investigar nuevas sonoridades le ha proporcionado un elevado número de actuaciones en directo con el cuarteto Alborada, a consecuencia de la fascinación que le produce la polifonía de los miembros del cuarteto de cuerda.


Paolo Fresu © Photo by Joan Carles Abelenda

En relación con esta idea del sonido y de las sonoridades, Fresu ha tenido la posibilidad en su carrera discográfica de grabar en el sello discográfico ECM Records y en donde su lema habla por si solo “el sonido más bello después del silencio”. El primer disco con el mencionado sello fue junto a Ralph Tower, Chiaroscuro (ECM, 2010) y estuvo producido por Manfred Eicher, mientras que su segunda colaboración, Místico Mediterraneo (ECM, 2011), la grabación fue realizada en Italia y sin la presencia del afamado productor. En relación a Eicher el trompetista italiano señala que “me gusta como piensa en relación a la música, tiene una idea de música muy personal e interesante. Además con su presencia el puede sugerir cosas nuevas durante una grabación. Nosotros los músicos tenemos una idea de música, pero cuando Eicher está detrás del vidrio en una grabación siempre pueden surgir cosas. Además tiene una concepción clara del sonido que quiere conseguir”.

Paolo Fresu movido por sus ansias creativas en el año 2010 crea su propio sello discográfico, Tuk Music, un proyecto que tiene como idea principal el “de compartir música con otros músicos y de ayudar a músicos jóvenes para entrar dentro de la música. La idea de la creación del sello discográfico es servir de instrumento para explicar la música. La idea no es solo hacer un disco, sino que lo importante es poner algo más detrás de ese disco. Cada músico tiene una libertad total para hacer lo que crea necesario”. Sin duda alguna Tuk Music es un laboratorio discográfico que sirve a Fresu para dar salida a sus propios proyectos musicales, pero principalmente para ayudar a otros talentosos músicos tanto italianos como europeos.

Ante esta nueva puerta de libertad creativa que le proporciona Tuk Music y vista su larga y extensa trayectoria musical el aficionado se preguntará que reto musical le queda por llevar a cabo a Paolo Fresu, algo que el músico italiano tiene claro a nivel de exigencia musical, en concreto “el de tocar mejor; pues si toco mejor con mi persona, toco mejor con los otros músicos con los que me relaciono”.


Paolo Fresu © Photo by Joan Carles Abelenda

Además en relación a la música Fresu que interpreta tiene claro que la misma “es un instrumento muy válido para cambiar el mundo, tanto a nivel social, político y económico. La música es un instrumento increíble de economía. Incluso en Italia ha habido algún ministro que ha llegado a afirmar que de la cultura no se come. Cosa que no es verdad, por la sencilla razón que con esa afirmación quiere decir que no se tiene necesidad de hacer cultura. Y es todo lo contrario, ya que la cultura tiene respuestas sobre las personas, ya que sirve para hacer pensar y para mover a nivel económico. Del tema económico se habla mucho, mientras que de la cabeza o el pensamiento no se habla nada, pero los dos juntos son la llave para leer la crisis en que está inmersa la sociedad actual”.

Estas últimas afirmaciones nos permiten comprobar la importancia de la música en la vida social y económica de la sociedad, algo a lo que Paolo Fresu ha contribuido a lo largo de los años, y que esperamos que siga contribuyendo.

NOTA: El presente artículo se redactó para la revista Más Jazz.

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