JAZZ Recordings

PHILIP CATHERINE: Summer Night

2012-02-25T07:48:00.000-08:00

PHILIP CATHERINE:

Summer Night

- Philip Catherine: Guitarra.

- Philippe Aerts: Contrabajo.

- Joost Van Schaik: Batería.

- Bert Joris: Trompera y fiscorno.

01.- Tiger Groove.

02.- Letter from my Mother.

03.- Summer Night.

04.- Francis Delight.

05.- Birth of Janet.

06.- Janet.

07.- Time After Time.

08.- Laura.

09.- If I Should Lose You.

10.- Round About Midnight.

11.- All Throught the Day.

12.- Le Jardin de Madi.

13.- Gilles et Mirona.

Grabado en Paris, días 1 y 2 de Junio 2002

DREYFUS JAZZ

FDM 36637-2 (Sony Music) 2002

Se puede calificar de estupendo, el disco de uno de los guitarristas más activos en la actualidad, Philip Catherine, para ello ha contado con la participación de algunos de los mejores músicos europeos que hay en la actualidad.

El trabajo se encuentra planteado desde dos formaciones: una formación en trío y otra en cuarteto, para esta última Catherine ha incluido la sugerente y bella trompeta de Bert Joris. Así mismo señalar que el compacto esta claramente diferenciado en dos partes, una a cargo de temas originales del propio guitarrista y otra de standards. En ambas secciones nos encontramos con un Catherine vigoroso y potente, con momentos muy eléctricos, como en el tema que inicia el compacto “Tiger Groove”, (con claras reminiscencias a la guitarra de John Scofield), utilizando en otros momentos efectos distorsionadores que proporcionan unos temas solventes e interesantes en todo momento. En otras composiciones encontramos a un Catherine rítmico y muy armónico, especialmente en el tratamiento de los standards, un claro ejemplo son los temas “Time After Time” y sobre todo “Laura”, en donde su sonido brillante y limpio proporciona una lectura preciosa del conocido tema. En las composiciones originales de Catherine por el contrario nos encontramos, con una guitarra dotada de una honda hermosura y muy efectista, de buen gusto y con mucho swing, el tema “Birth of Janet” y “Janet” son sencillamente espectaculares, sobre todo, por la presentación de los temas y por el sentido rítmico que los envuelve. La aportación de los músicos que acompañan a Catherine es excelente y precisa en todo momento, destacando el elegante sonido de la trompeta de Bert Joris; todo ello hace que los músicos superen con facilidad todos los planteamientos que Catherine expone a lo largo del presente compacto.

Estamos sin duda, ante un fino y exquisito trabajo de guitarra, en donde sobrevuela en todo momento la presencia de un músico al cual Catherine le debe mucho, y que es Django Reinhardt. Se trata de un compacto imprescindible para todo buen amante de la guitarra.

BSO: Chico & Rita de Bebo Valdés y otros compositores

2012-02-25T07:44:00.000-08:00

BSO: Chico & Rita de Bebo Valdés y otros compositores.

Músicos diversos especificados en la carpetilla del compacto.

01. Cachao creador del mambo.

02. Blues For Andre (Bebo's Blues).

03. Bésame mucho.

04. Con poco coco.

05. Ebony Concerto (Allegro Moderato).

06. Persecución.

07. Celia.

08. Paran pan pan.

09. Sabor a mí.

10. Ay que mala e.

11. Sabor a mí (instrumental).

12. A Mayra (desamor and coda).

13. A Mayra (descarga).

14. A Mayra (sad walk).

15. Chico's Dream –Medley.

16. Ecuación.

17. Tin tin deo.

18. Chano Pozo.

19. Nocturno en Batanga.

20. Nocturno en Batanga (suite cubana).

21. Love For Sale.

22. Love For Sale Reprise.

23. A Mayra (Lily).

24. Stardust.

25. A Mayra (Lily instrumental).

26. Vanguard Strings.

27. Mambo Herd.

28. Deportación.

29. Lily - con Estrella Morente.

30. La bella cubana.

CD Calle54 Records

Sony Music

2011

Portada y contraportada de Chico & Rita (Calle54 Records-Sony Music, 2011)

La película animada Chico & Rita de Fernando Trueba en estrecha colaboración con el dibujante Javier Mariscal, se encuentra en estos días de enhorabuena al ser nominada para la edición número 84 de los Oscar en la categoría de mejor film animado. La calidad del filme ya ha sido premiada en nuestro país en la reciente ceremonia de los Premios Gaudí 2012 al obtener el premio al mejor film de animación y a la mejor música original, compuesta por Bebo Valdés.

La película es una historia de amor entre un pianista cubano, Chico Valdés (inspirado en Bebo Valdés) y la cantante Rita La Belle. Así mismo es una película sobre las relaciones personales, el amor y el desamor, sobre músicos, sobre La Habana y su música y de cómo como influenció sobre la ciudad y sus habitantes, sobre el jazz de los años 40, sobre el “bebop” que se hacía en Nueva York, pero muy especialmente es un canto a la música cubana y latina. La película desprende música en todos sus fotogramas, comienza con hip-hop en La Habana para llevarnos a un viaje sentimental y musical que nos transporta a espacios emblemáticos como el Tropicana en La Habana, a la Sala Pleyel en París o al Radio City Music Hall y el legendario Village Vanguard en Nueva York. Escenarios míticos en los que aparecen la Orquesta de Woody Herman, Chano Pozo, Charlie Parker, Dizzie Gillespie, Thelonious Monk o Tito Puente. Todo este mundo musical trufa la relación sentimental entre Chico y Rita rodeada por otras historias paralelas, desde el asesinato de Chano Pozo, pasando por la deportación y la revolución cubana.

La banda sonora de la película fue compuesta a la vez que se redactaba el guión, ya que parece ser que se deseaba que la música a utilizar en la cinta concordara con las imágenes que estaban pasando en el film. De sobras es conocido el gran amor que profesa Trueba por el jazz, que ya quedó plasmada en la estupenda película sobre figuras del jazz latino, Calle 54 (2000), entre ellos figuraban nombres tan importantes como Paquito D´Rivera, Eliane Elías, la aportación de Chano Domínguez (fusionando como pocos saben flamenco y latín jazz), la Fort Apache Band, Michel Camilo, Gato Barbieri, Tito Puente, Chucho Valdés, Chico O´Farrill, Bebo Valdés, Cachao y Patato.

Cartel de la película Chico & Rita

Valdés grabó la banda sonora de la película Chido & Rita con 92 años, y entre los músicos que participaron hay todo un elenco de primerísimas figuras, entre ellas citar a Estrella Morente que interpreta el tema central de la película, "Lily" junto al trío de Bebo Valdés (Andy González al contrabajo y Steve Berrios a la batería). Otros músicos que aparecen en la película son Idania Valdés (como Rita), Freddy Cole (interpretando a Nat King Cole), Jimmy Heath (como Ben Webster), Michael Phillip Mossman (como Dizzy Gillespie), Amadito Valdés del Buenavista Social Club (como Tito Puente), Germán Velasco (como Charlie Parker), Yaroldi Abreu (como Chano Pozo) o Pedrito Martínez (como Miguelito Valdés). El listado es sencillamente terrorífico.

En Chico & Rita hay composiciones de Bebo Valdés como “Cachao creador del mambo”, “Blues for Andre (Bebo's Blues)”, “Con poco coco”, “A Mayra”, “Ecuación”, “Nocturno en Batanga”, o “Lily” el tema central de la banda sonora. Junto a estos temas, aparecen otros firmados por autores de gran prestigio como Consuelo Velasquez y su inmortal “Bésame mucho”, de Igor Stravinsky el “Allegro Moderato de su Ebony Concerto”, de Bud Powell “Celia”, de Álvaro Carrillo todo un clásico como “Sabor a mí”, de Leonard Bernstein “On the Town”, de George e Ira Gerswhin “Fascinating Rhythm”, de Herman Hupfeld “As Time Goes By”, de Chano Pozo otro clásico, “Tin Tin Deo”, de Cole Porter “Love For Sale” o “Stardust” de Hoagy Carmichael. Las músicas y arreglos adicionales son a cargo de un maestro de la trompeta, Michael P. Mossman.

Con todos los elementos señalados era difícil que no saliese una banda sonora placentera y deleitable de principio a fin. Una banda sonora que hará las delicias tanto de los apasionados a la música cuba y latina, como a los amantes de la buena música.

ART PEPPER: Art Pepper-Unreleased Art Vol. VI-Blues for the Fisherman (Ronnie Scott's 1980)

2012-02-14T14:41:00.001-08:00

ART PEPPER:

Art Pepper-Unreleased Art Vol. VI-Blues for the Fisherman (Ronnie Scott's 1980)

- Art Pepper: Saxo alto.

- Milcho Leviev: Piano.

- Tony Dumas: Contrabajo.

- Carl Burnett: Batería.

Grabado por Mole Jazz live at Ronnie Scott’s Club London, Junio 27& 28, 1980.

CD 1:

01. BLUES FOR BLANCHE - 9:51

02. TALK: INTROS / CAT PEOPLE 1:39

03. OPHELIA - 11:06

04. TALK: THANK YOU FOR COMMING - 0:27

05. MAKE A LIST - 16:40

06. TALK: MAKE A LIST - 0:13

07. SAD A LITTLE BIT - 7:16

08. TALK. CLARINET - 0:17

09. ANTHOPOLOGY - 6:26

10. RED CAR - 12:08

11. BLUES FOR BOULD - 13:52

CD 2:

01. UNTITLED #34 -11:20

02. TALK: WEIRD NOISE - 0:44

03. A SONG FOR RICHARD - 13:32

04. TALK: RHYTHM-A-NING INTRO - 0:25

05. RHYTHM-A-NING - 9:32

06. TALK: RITA SAN INTRO - 0:19

07. RITA SAN FALSE START - 050

08. RITA SAN - 6:42

09. WHAT’S NEW? - 7:59

10. I’LL REMEMBER APRIL - 12:46

11. TALK: GOOD NIGHT - 043

CD 3:

01. TRUE BLUES - 11:13

02. TALK: BAND & OPHELIA INTRO - 2:32

03. OPHELIA - 10:43

04. MAKE A LIST - 14:57

05. STARDUST- 8:06

06. TALK: 3 OUT 4; RED CAR FALSE STAR -3:08

07. RED CAR - 12:30

08. TALK: ABOUT STRAIGHT LIFE - 0:41

09. STRAIGHT LIFE - 7:00

CD 4:

01. UNTITLED #34 - 11:41

02. TALK: REMINISCING - 1:47

03. THE TRIP - 12:38

04. TALK: ACCIDENT PRONE - 0:18

05. I’LL REMEMBER APRIL - 11:48

06. TALK: GOODBYE INTRO - 0:25

07. GOODBYE - 11:11

08. IN A MELLOW TONE - 6:20

09. TALK: CLARINET, PLAY THE BLUES - 0:43

10. BLUES FOR THE FISHERMAN + TALK: I LOVE YOU ALL - 13:02

4 CD Widow´s Taste.

2011

Porta y contraporta de Art Pepper, Unreleased art Vol. VI-Blues for The Fisherman (4 CD-Widow´s Taste, 2011)

En una entrada anterior ya me referí al buen número de grabaciones inéditas que a lo largo de los últimos años han ido apareciendo en el mercado discográfico del saxofonista Art Pepper. La principal responsable de esta circunstancia ha sido su viuda, Laurie Pepper, que desde la muerte de su marido en el año 1982 se ha encargo de descubrir, rescatar y dar a conocer a través del sello discográfico que creó en el año 2006, Widow´s Taste Records, de un buen número de grabaciones de Art Pepper (algunas de las mismas constaban en ediciones piratas –bootlegs- con escasa calidad sonora y con información errónea a cerca de las mismas). Widow´s Taste Records hasta la fecha ha publicado material inédito de Art Pepper en diversos volúmenes: Unreleased Art, Vol. I-The Complete Abashiri Concert: November 22, 1981; Unreleased Art, Vol. II-The Last Concert: May 30, 1982 Kool Jazz Festival Kennedy Center, Washington D.C.; Unreleased Art, Vol. III-The Croydon Concert: May 14, 1981; The Art History Project: Unreleased Art Vol. IV-The Croydon Concert, May 14, 1091; y Unreleased Art, Vol. V-Stuttgart May 25, 1981.

La serie se incrementó el año pasado con la publicación del Vol. VI, Blues for the Fisherman-Unreleased Art Pepper VI-Complete Live at Ronnie´s Scott Club, una caja de 4 compactos en donde se recogen las grabaciones al completo que Pepper y su grupo llevaron a cabo en el legendario club de Londres, Ronnie´s Scott durante los días 27 y 28 de Junio de 1980. Con anterioridad a la publicación de estas grabaciones por parte de Laurie Pepper, el sello discográfico británico Pure Pleasure, editó (también en 2011) con el nombre de The Complete Art Pepper at Ronnie Scott´s Club, London June 1980, una caja de 7 vinilos de 180 gramos con calidad audíofila en edición limitada de las citadas grabaciones. Me remito a la correspondiente entrada que llevé a cabo en el blog en relación a estas grabaciones en LP por lo que hace referencia a los datos y circunstancias en que se produjeron y que conllevaron la imposibilidad por problemas contractuales que las grabaciones salieran a nombre de Art Pepper.

Logotipo de la casa discográfica Mole Jazz Records.

Por lo que se refiere a la edición del sello discográfico de Laurie Pepper en cedé (circunstancia esta que muchos aficionados agradecerán, debido a que la edición en LP restringía su compra debido al formato del mismo), apuntar que las grabaciones se encuentran transferidas directamente de las cintas originales de grabación (llevadas a cabo en su momento por los propietarios de la tienda de discos Mole Jazz en Londres) y remasterizadas para la edición en compacto. Ello hace que la toma de sonido sea perfecta y no nos encontremos ante un producto de escasa calidad, como ocurre en muchas grabaciones piratas, sino todo lo contrario, un sonido claro y brillante que permite disfrutar de todos los instrumentos en sus matices y armonías. Por lo que se refiere a la música, es un auténtico privilegio la posibilidad de escuchar nuevas grabaciones de unos de los mejores (y más atormentados) saxofonistas altos de todos tiempos. Las grabaciones en el Ronnie Scott´s de Londres se registraron en las dos últimas noches del mes de Junio de 1980 entre sesión de grabación del disco con el pianista Pete Jolly, Strike Up The Band (Atlas, 1980) y la de Sonny Stitt en High Groovin' (Atlas, 1980) –apuntar que en todas las grabaciones para el sello discográfico audiófilo japonés Atlas, Pepper se encuentra en perfecta forma musical-. Blues for the Fisherman se une a otras dos grabaciones en directo importantes en la vida artística de Pepper, las sesiones en el Village Vanguard de Nueva York, The Complete Village Vanguard Sessions (Contemporany, 1977) y las sesiones en Maiden Voyage del 13 al 15 de agosto de 1981, publicadas en Roadgame: The Maiden Voyage Sessions, Volume 1 (Galaxy, 1981), Art Lives: The Maiden Voyage Sessions, Volume 2 (Galaxy, 1981), APQ: The Maiden Voyage Sessions, Volume 3 (Galaxy, 1981) y Arthur's Blues (Original Jazz Classics, 1981).

Por lo que se refiere a los cuatro pases de que constó las actuaciones en Londres en 1980 nos encontramos a un Art Pepper a gusto, bromista y confortable con la audiencia (las tomas incluyen fragmentos hablados entre tema y tema por parte del saxofonista), y por momentos nervioso al referirse que se encontraba presionado por las grabaciones que se iban a llevar a cabo para la confección del disco para Mole Jazz Records. Musicalmente hablando, Pepper se presenta muy lírico por momentos, lúcido, rico y con su característico sonido agudo con rápidas líneas melódicas muy al estilo Charlie Parker y principalmente con una claridad de ideas bulliciosas y fascinantes. A todo ello contribuyeron la sección rítmica, muy especialmente Tony Dumas al contrabajo y Carl Burnett a la batería (según palabras del propio Pepper, su baterista preferido). Más discutible es la aportación de Milcho Leviev, que no en todas sus contribuciones se encuentra en la misma onda que el resto del grupo, todo y ello algunos de sus solos son realmente fantásticos, muy suculentos y deleitables como el que lleva a cabo en el tema de composición propia “Sad a Little Bit”.

El repertorio de estos cuatros compactos se encuentra conformado por temas post be-bop; estándares como “Stardust” con un Art Pepper extremadamente lírico y sensual, “What´s New?”, o un “Anthopology” de Chalie Parker antológico; algunos temas latinos; unos cuantos temas de blues, una de las especialidades del saxofonista (como en con el que inicia la grabación “Blues For Blanche” una agradable composición a medio tiempo, o “Blues For Bould”, “True Blues” o el tema que cierra el cuatro compacto y que da título a la presente grabación “Blues For The Fisherman”), o temas que pertenecían a la discografía de Pepper como el maravilloso “Ophelia” (en esta ocasión en dos versiones, la del primer pase del día 27 y la del también primer pase del día 28, dos excelentes y sensuales aportaciones) o un “Straight Life” (el tema fetiche de Pepper) tocado a velocidad de vértigo, que de algún modo viene a resumir lo que fue su vida, una carrera hacia delante a todo correr y tremendamente extrema. Un tema que viene a confirmar lo que en su autobiografía, Straight Life, dejó escrito: "Solo una existencia extrema puede producir gran arte", sin lugar a dudas, esta afirmación queda reflejado en la versión que se comenta.

A modo de conclusión respecto a estas grabaciones hay que señalar que no cabe otro remedio que recomendar de forma efusiva las mismas. No todos los días es posible escuchar material “ciertamente” inédito de Art Pepper, los aficionados al saxofonista (que son muchos) apreciarán estos compactos. Sirvan estas lineas para dar las gracias a la viuda del saxofonista por el enorme esfuerzo de recuperar material sonoro de uno de los músicos más increíbles de la historia del jazz.

LIBRO: MÚSICA PARA LEER: NINA SIMONE-La vida a muerte de Nina Simone

2012-02-09T10:23:00.000-08:00

NINA SIMONE

La vida a muerte de Nina Simone

David Brun-Lambert

372 Páginas.

Publicado por Global Rhythm Press. Colección Biorritmos.

Noviembre 2011.

Portada del libro, La vida a muerte de Nina Simone (Global Rhythm, 2011)

Global Rhythm acaba de publicar un interesante libro sobre Nina Simone por parte de David Brun-Lambert. David Brun-Lambert trabajó varios años como periodista para Radio Nova y en la actualidad interviene desde París en diversos programas de la radio suiza. También colabora en varias revistas culturales. Es autor con Laurent Garnier del libro Electroshock (Global Rhythm Press, 2005).

Algunas opiniones con respecto a este libro son las siguientes:

«Su arte destilaba una fuerza creadora sobrehumana, inasequible al desaliento.»
Washington Post

«La mejor cantante del siglo XX.»
Elton John

«Esmerada atención a los detalles […], espléndidas evocaciones.»
Mojo

«Una vida sombrosa y un relato extraordinario.»
Record Collector

«Moriré a los setenta porque después sólo hay dolor»; y, en efecto, a esa edad se apagó en el sur de Francia la turbulenta vida de una mujer que conoció la gloria y la humillación, la dicha, la violencia y, desde luego, también el dolor.

Nacida en el Sur norteamericano cuando arreciaba la Gran Depresión, Eunice Waymon fue una niña prodigio que soñaba con ser la primera gran concertista negra de música clásica, pero un exquisito conservatorio neoyorquino le cerró las puertas (tal vez, como ella pensaba, por el color de su piel): ese rechazo la condujo en 1954 hasta el piano de un garito donde empezó a interpretar lo que su devotísima madre llamaba «música del diablo» y nosotros conocemos como jazz. Para encubrir tan singular pecado adoptó entonces un nuevo nombre que rendía homenaje a su admirada Simone Signoret. Así vino al mundo Nina Simone.

Después llegarían los vaivenes entre el cielo y el infierno, los amores ardientes y los maridos abyectos, las sonoras protestas y las rabias calladas, los comportamientos erráticos, los exilios y las reacciones paranoicas… Fue un mito, pero también una bruja africana engañada y rota que nunca agachó la cabeza, ni siquiera cuando el personaje que había construido se desmoronaba poco a poco, combate tras combate. De Carolina del Norte a Nueva York, de Barbados a Liberia, de Ginebra a Ámsterdam, de Aix-en-Provence a Carry-le-Rouet, la existencia de Nina Simone fue una larga búsqueda de la serenidad que nunca le sería otorgada.

Esta obra es un intento de comprender las muchas paradojas de aquella sacerdotisa que con voz desgarrada cantaba “Please Don’t Let Me Be Misunderstood». Y lo consigue.

STEFANO BOLLANI: Big Band!

2012-02-02T10:57:00.000-08:00

STEFANO BOLLANI:

Big Band!

1.- Storta va 10:56

Stefano Bollani (autor); Stefano Bollani (p); Peter Bolte (salto); Ingolf Burkhardy (tr); NDR Bigband Ensemble; Gary Lysne (director) y Gary Lysne (arr).

2.- Elena e il suo violino 8:19

Stefano Bollani (autor); Stefano Bollani (p); Christof Lauer (ts); NDR Bigband Ensemble; Gary Lysne (director) y Gary Lysne (arr).

3.- Il barbone di Siviglia 11:16

Stefano Bollani (autor); Stefano Bollani (p); Marcio Doctor (perc); NDR Bigband Ensemble; Gary Lysne (director) y Gary Lysne (arr).

4.- La Sicilia 6:44

Stefano Bollani (autor); Stefano Bollani (p); NDR Bigband Ensemble; Gary Lysne (director) y Gary Lysne (arr).

5.- Quando la morte verrà a prendermi 16:55

Stefano Bollani (autor); Stefano Bollani (p); Lutz Büchner (clar); Jeff Ballard (bat); Christof Lauer (ts); NDR Bigband Ensemble; Gary Lysne (director) y Gary Lysne (arr).

Grabado en directo en Hamburgo los días 10 y 11 de Junio de 2010.

CD Verve. 2011

Stefano Bollani, Big Band! (Verve, 2011)

El pianista Stefano Bollani es hoy por hoy uno de los músicos europeos más importantes del momento. Su actividad en los últimos meses es sencillamente frenética pues ha tocado a dúo con Chick Corea, con quien ha publicado el compacto Orvieto (ECM Records, 2011); en solitario; con su trío danés; así mismo con su quinteto italiano —I Visionari—; también ha interpretando su música en formato de big band con la NDR Bigband de Hamburgo (con su correspondiente grabación que ahora comentamos), y finalmente ha tocado la música de George Gershwin con la Gewandhaus de Leipzig. Uno de los más recientes discos que ha llevado a cabo Stefano Bollani es en el que participa como solista con la big band de la NDR (una de las mejores agrupaciones en este formato). Esta grabación ha supuesto para Bollani el estreno en el sello discográfico Verve así como su primera grabación en formato orquestal. El responsable de los arreglos –un tema siempre a tener en cuenta- es del músico noruego Geir Lysne, y se compone de tan solo cinco temas, ya presentes en la discografía del pianista, lo que le ha obligado a reaprender e interpretar de nuevo estas composiciones.

El resultado de la grabación denota toda la música que lleva dentro de si Bollani, en concreto la enorme diversidad de géneros musicales que desarrolla a través de los disparejos grupos que ostenta. Eclecticismo y heterogeneidad son el sello de identidad de este músico, prueba de ello es que todos los temas que interpreta son propios y perfectamente conocidos. Temas como “Storta Va” basado en ciertas influencias de la gran tradición orquestal y elementos latinos con el añadido de suculentas aportaciones solistas tanto de Peter Bolte e Ingolf Burkhardy como de Bollani; “Elena e Il Suo Violino” una balada con fuerte calado emocional; “Il Barbone Di Siviglia” una apoteosis interpretativa con excelentes contribuciones por parte de Bollani; “La Sicilia” un tema que juega con ciertos parámetros minimalistas tanto por parte del solista como de la big band o el tema que cierra el compacto “Quando la morte verrà a prendermi”, una composición de más de dieciséis minutos de duración donde NDR Bigband resplandece en toda su extensión en base a la repetición de un mismo leitmotiv de forma brillante y elegante.

La presente grabación viene a confirmar a Bollani como uno de los mejores pianistas del momento y viene a demostrar como crece a nivel musical, lo que hará al aficionado estar bien atento a sus próximos proyectos.

LIBRO: MÚSICA PARA LEER: Le Nouveau Dictionnaire Du Jazz

2012-01-29T08:26:00.000-08:00

Le nouveau dictionnaire du jazz.

Le nouveau dictionnaire du jazz

Philippe Carles.

Andre Clergeat.

Jean Louis Comoli.

Edición francesa.

Bouquins, Editor Robert Laffont.

Paris, 2011.

1457 páginas.

Le Nouveau Dictionnarie Du Jazz

Los aficionados al jazz ya tienen a su disposición (en su edición francesa) "Le nouveau dictionnaire du jazz". Una de las obras de consulta jazzística más imprescindible que se ha dado en Europa a lo largo de los años. El nuevo diccionario se encuentra dirigido por tres ilustres personalidades:

- Jean-Louis Comolli, junto con Philippe Carles es autor de libro Free Jazz/Poder Negro, así mismo es cineasta y autor de varias películas cuya música es de Michel Portal, Martial Solal, Louis Sclavis, Jaume André o Jimmy Giuffre.

- Philippe Carles es periodista, asociado (y redactor jefe) desde 1964 a una de las más afamadas revistas de jazz no sólo de Francia sino de todo el orbe jazzístico, Jazz Magazine (en la actualidad Jazz Magazine/JazzMan), así mismo fue productor de France Musique entre los años 1971 a 2008.

- Clergeat Andrew, es co-fundador del Hot Club de la Universidad en 1948, y de la Academia de Jazz en 1954, así mismo es productor de programas en Radio France y en la RAI.

La primera edición de este diccionario a cargo de idénticos autores y en la misma colección, data de 1988 e incluyó fotografías en el interior. La reedición de 1994 no incluyó ninguna fotografía en el interior, sino la fotografía de un saxo tenor en la portada, constando de 1.400 páginas. La edición de 2011 tampoco tiene fotografías en el interior, pero ofrece una fotografía de Miles Davis en la portada. Desde su edición original todo ha aumentado, precio, número de páginas y el número de artículos (3200). La presente edición se encuentra en orden alfabético: músicos, estilos, instrumentos, lugares e incluso compañías discográficas y se encuentra escrito por expertos franceses que, además de tratar el jazz más americano, lugar de nacimiento y hogar de la música, el jazz europeo esse encuentra erfectamente representado en este libro, circunstancia que no se da en otra obras, muy en concreto en las americanas, que en más de una ocasión obvían toda mención al jazz europeo de forma expresa.

Diccionario del Jazz, edición española.

La misma obra de Philippe Carles, Andre Clergeat y Jean Louis Comoli puesta al día en España (con el título de Diccionario del Jazz) fue publicada por la editorial Anaya y mario muchnik en la colección Milhojas en el año 1995, constando un total de casi 1400 páginas. Este es sin duda alguna uno de los libros más documentado y minucioso que se ha escrito en castellano sobre el género musical del Jazz. Su titulo es simple y breve: Diccionario de Jazz. En la foto de la cubierta se puede apreciar al gran Louis Armstrong, vestido de smokin y con pajarita roja, tocando la trompeta. La traducción del francés estuvo dirigida por unos críticos más importantes del estado español, Carlos Sampayo y con la aportación de Federico González. Así mismo la labor de traducción del texto original correspondió a Andrés Ehrenhaus, Aurora Fernández de Villavicencio, Matilde Fernández de Villavicencio y Victoria Llorente. El Diccionario del Jazz fue redactado bajo la dirección de Philippe Carles, André Clergeat y Jean-Louis Comolli, con la colaboración de Philippe Baudoin para las definiciones musicales y con la participación de un buen número de expertos en la materia, tanto francés como europeos. Las aportaciones a la edición española fueron llevados a cabo por Federico González y Carlos Sampayo. Además, en cada uno de los artículos se recoge las iniciales del colaborador que lo ha redactado. Cada artículo que encontremos en el diccionario va a ser lo más completo posible, esto es, va a incluir todos los datos biográficos e históricos precisos, así como un comentario estilístico y una selección de grabaciones ejemplares. Un libro imprescindible para el aficionado al Jazz y que en la actuliadad se encuentra totalmente descatalogado. Esperemos que la reciente publicación de la nueva edición francesa sirva de excusa para la publicación de una "futurible" edición en castellano.

BRAD MEHLDAU TRIO: House on Hill

2012-01-26T10:20:00.000-08:00

BRAD MEHLDAU TRIO:

House on Hill

- Brad Mehldau: Piano.

- Larry Grenadier: Contrabajo.

- Jorge Rossy: batería.

1.- August Ending.

2.- House On Hill.

3.- Bealtine.

4.- Boomer.

5.- Backyard.

6.- Fear And Trembling.

7.- Embers.

8.- Happy Tune.

9.- Waiting For Eden.

CD Nonesuch Records.

2006

Brad Mehldau Trio, House on Hill (Nonesuch Records, 2006)

Durante diez años el trío de Brad Mehldau se encontró conformado por Larry Grenadier y Jorge Rossy. La formación fue remodelada con la incorporación del baterista Jeff Ballard en lugar del batería catalán, lo que comportó la aparición de un nuevo disco con esta formación (Day is Done), y la correspondiente gira de promoción. El cambio de batería provocó un profundo debate sobre si era preferible Jorge Rossy a Jeff Ballard, y sobre el tipo de aportación musical que cada músico proporcionaba tanto al resto de mienbros de la formación como al propio pianista.

Parece ser, y decimos, “parece ser”, pues son de difícil explicación tanto estética como musical –por supuesto que no mercantiles–, las razones de la publicación del presente trabajo, dado que el pianista americano tiene en la actualidad una formación a trío estable y consolidada. House on Hill resultan ser las grabaciones finales del anterior trío de Mehldau (con Grenadier y Rossy), aunque mucho me temo que, a lo largo de los años aparecerán más grabaciones de este trío para grata satisfacción del departamento contable de la casa discográfica. Mehldau se encuentra en la actualidad con el desarrollo de un nuevo trío totalmente distinto al anterior; la única razón explicable de la aparición de este compacto, no es otra que comercial, y volverá a reabrir el “eterno” debate de la conveniencia del tipo de batería que Mehldau necesita, pero permitirá a los seguidores del pianista comprobar la labor creadora de su anterior trío. Las grabaciones de House on Hill fueron realizadas entre 2002 y 2004, y en ellas es posible apreciar la técnica tan particular y perfectamente reconocible de Mehldau, así como la etiqueta de músico original que se ha ido grageando con el tiempo, además de brillante instrumentista.

La música de esta grabación permite comprobar la dualidad interpretativa de que hace gala Mehldau, la frontera entre dos mundos, el clásico y el del jazz, pero todo ello repleto de trazos pop-rock. Asimismo es posible apreciar a un músico que despliega una extensa paleta sonora, explotando y ayudado de una notable independencia de manos (con una mano izquierda prodigiosa), poniendo toda esta técnica al servicio de un talento improvisatorio inigualable. Tan sólo hay que escuchar las invenciones sonoras que lleva a cabo Mehldau, las rupturas rítmico-armónicas que desarrolla, o la repetición obsesiva de acordes (con consecuencias sonoras importantes), en todo su discurso musical.

El aficionado deberá de estar atento a la música que desarrolla no sólo el pianista sino también la sección rítmica, dada la densidad sonora a la que se encuentra sometido, y que hará que pueda apreciar una música muy elaborada, extraordinariamente dinámica y rica, y a veces enigmática, que no le decepcionará.

En definitiva, la posibilidad de escuchar de nuevo al anterior trío de Mehldau, y ante todo, la posibilidad de disfrutar por parte de los aficionados del “arte” del pianista norteamericano.

ARTÍCULO-Brad Mehldau: El acróbata de notas

2012-01-20T14:38:00.000-08:00

Con motivo de la reciente publicación por parte del sello discográfico Nonesuch Records de The Art Of The Trio. Recordings 1996-2001, Brad Mehldau Trio (BOX 7CD), me ha parecido oportuno divulgar diversos artículos aparecidos en Tomajazz y Más Jazz a cerca de la figura del pianista americano Brad Mehldau, que darán a conocer algunos datos sobre su carrera y planteamientos musicales.

BRAD MEHLDAU: EL ACRÓBATA DE NOTAS

Brad Mehldau, uno de los pianistas más importantes de la joven generación de músicos americanos, acaba de publicar en el presente año 2004 un nuevo disco. La publicación de un nuevo trabajo por parte de Mehldau, constituye siempre una gran noticia para todos los aficionados al piano y en especial para los seguidores del pianista. Pero la gran novedad del reciente trabajo publicado por Mehldau para el sello Nonesuch “Live in Tokyo”, radica en que se trata de una grabación a piano solo y además en riguroso directo.

A pesar de tener una nutrida y variada discografía, principalmente en trío con el bajista Larry Grenadier y nuestro más internacional músico, el batería Jorge Rossy, así como un buen número de grabaciones como acompañante en diversas formaciones y en concreto a dúo, la aparición de “Live in Tokio”, nos proporciona la posibilidad de escuchar a Brad Mehldau a piano solo. El único trabajo en solitario en la discografía de Mehldau que se le conocía hasta la fecha databa del año 1999, el extraordinario cedé “Elegiac Cycle”. Demasiados años entre una y otra grabación, para uno de los pianistas actuales con mejor potencial y recursos para enfrentarse a la siempre árdua y difícil tarea de sentarse completamente solo ante el piano.

La escucha de las dos grabaciones nos permite reflexionar sobre las mismas y tender puntos de conexión entre estas y las grabaciones de trío. Una audición de ambas grabaciones en solitario, nos proporciona un punto de conexión ineludible: Brad Mehldau es un romántico. El pianista afirmó este carácter de una forma categórica en las notas que acompañaban en la carpetilla del cedé “Elegiac Cycle”, al afirmar de forma textual “A menudo recuerdo una conversación con mi amigo Evan. El me habló de un viejo profesor suyo que mantenía que el Romanticismo nunca ha muerto, que algo como el punk-rock fue una natural progresión de la romántica idea del artista, con su habilidad para expresarse él mismo independientemente” (1). Para acabar señalando más adelante “por que yo soy probablemente un desesperado romántico”. Pero el término romántico o romanticismo (2) Mehldau no lo utiliza en el sentido “ñoño” del término, sino con un carácter sentimental y emotivo.

Brad Mehldau (Foto de Carmen Llussà)

Sin duda alguna, su primer trabajo en solitario, “Elegiac Cycle”, es un manifiesto a favor del romanticismo, a favor del sentimiento y de la afectividad, todo ello expresado a través de pensamientos elegíacos, en donde las composiciones expresan en determinados momentos un sentimiento de dolor y melancolía (3), pero así mismo es la búsqueda de una nueva concepción. La aparición de esté trabajo conllevó uno de los discos a piano solo más introspectivos y de una mayor búsqueda sonora y de concepción musical desde la aparición de los famosos conciertos en solitario de Keith Jarrett.

En “Elegiac Cycle”, todo es importante, y cuando me refiero a todo, la referencia no es sólo a la música que se encuentra contenida en el trabajo, sino que también es muy importante, las notas de la carpetilla del compacto, en donde Mehldau (ya anteriormente lo había llevado cabo en otros trabajos) realiza un manifiesto de intenciones y reflexiones personales con determinadas materias (musicales, literarias o conceptuales). En este primer trabajo en solitario, el romanticismo toma una vital importancia, hasta el punto que musicalmente hay una intensa búsqueda de nuevos medios expresivos, con una especial subordinación de la forma a la idea. Es un trabajo intelectual, pero a la vez intenso, emotivo, sentimental y con una concepción y calidad de ideas que provienen de diversas fuentes y diversos campos.

Este romanticismo, va unido a la idea de la influencia de la música clásica en el trabajo de Brad Mehldau. En las notas de su primer proyecto en solitario cita de forma clara a Beethoven, Brahms y Schumann, y sin citarlo expresamente hace una clara alusión a Chopin.

En el tema “Bard” (el título es un juego con la letras que forman su nombre) hay una clara evocación musical a los preludios de F. Chopin, siendo el tema parco en duración, escasamente tres minutos. Mientras que temas como “Resignation” o “Elegy for William Burroughs and Allen Ginsberg” demuestran el sentimiento melancólico y a la vez sentimental que tiene el trabajo de Mehldau.

La utilización de elementos o material clásico se hace evidente en formas como son el contrapunto (4) y la fuga (5), estilos que son ampliamente desarrollados a lo largo del cedé.

Brad Mehldau (Foto de Carmen Llussà)

En “Elegiac Cycle”, todos los temas son originales de Mehldau y en ellos, encontramos aspectos que ya anteriormente habían sido desarrollados con su trío. Citar como características un punto de vista musical profundo en sus interpretaciones; un estilo a la hora de interpretar particular e instintivo; concepción y desarrollo de ideas simples y repetitivas a lo largo de la interpretación que son cambiadas y reelaboradas (ello provoca que toque una nota o sucesión de notas con una mano para acto seguido improvisar con total libertad con la otra mano, lo que lleva como resultado final una conjunción de ideas que según el tono de la composición pueden resultar románticas o cargadas de melancolía), visión introspectiva y romántica y una técnica de independencia de manos, más propia de pianista clásico que de un músico de jazz, lo que conlleva una técnica virtuosa y preciosista como pocas veces puestas de manifiesto por un pianista de jazz (a excepción de Keith Jarrett). Algunas de estas cualidades son llevadas hasta sus últimos extremos en el desarrollo del trabajo. “Elegiac Cycle” es un trabajo que se debe disfrutar de principio a fin y no sólo por los aficionados al jazz, sino por cualquier aficionado a la música, en su concepción más amplia.

Tras “Elegiac Cycle”, Mehldau publica más trabajos con su trío, hasta que en el presente año 2004, y tras un cambio de discográfica, publica su segundo disco en solitario, y esta vez además en directo: “Solo piano Live in Tokio”

En estos casi cinco años de diferencia entre un trabajo y otro, muchas cosas han sucedido en la carrera artística de Mehldau. “Live In Tokio” supone una confirmación del estilo desarrollado por Mehldau en sus trabajos con el trío y muy especialmente del trabajo de “Elegiac Cycle”. De entrada y por cuestiones desconocidas, en Japón se ha editado la versión japonesa del mismo concierto, pero con el añadido de siete temas más y que conforman un doble CD, grabación que los coleccionistas y completistas de Mehldau harán bien en buscar(6).

“Live in Tokio” recoge el concierto ofrecido por Mehldau en el Sumida Triphony Hall en Tokio, el 15 de Febrero de 2003 y sin duda, participa de las ideas desarrolladas en el trabajo “Elegiac Cycle”, pero presenta novedades, al utilizar un sinfín de texturas sonoras desplegadas a lo largo de todos los registros del piano (utilizando incluso los pedales).

A Mehldau la crítica le ha comparado desde un principio de forma constante y repetida, con uno de los más grandes pianistas de todos los tiempos, Bill Evans, y concretamente con su trío. Esta circunstancia ha sido el detonante de algún comentario por parte de Mehldau, “La constante comparación de este trío con el de Bill Evans, por parte de los críticos, ha sido una espina que tengo clavada. Recuerdo haber escuchado su música sólo un poco, cuando yo tenía 13 ó 14 años, durante unos cuantos meses. No estoy diciendo que crecí fuera de el. No estoy tampoco, devaluando la estatura dentro del jazz de Bill Evans. Pero junto con Lennie Tristano y Paul Bley, ambos de quienes yo nunca he escuchado nada, hay algunos que señalan su influencia en mí… Cuando estás intentando crear algo personal, es frustrante ser catalogado sin ningún tipo de explicación. El problema con una buena parte de los escritos sobre jazz es que van por detrás de la música”(7)

Brad Mehldau (Foto de Carmen Llussà)

Mehldau siempre se ha sentido incómodo con estas comparaciones por parte de la crítica especializada. Pero hay que preguntarse, ¿como es posible que un músico en la actualidad se pueda abstraer de toda la gran tradición del piano americano en el jazz, desde Bud Powell, Bill Evans, McCoy Tyner o Keith Jarrett, tan sólo por citar algunos nombres? La respuesta es fácil y sencilla: es imposible. A pesar de las comparaciones y reconociendo que Mehldau quiera desarrollar una concepción diferente del trío o de su forma de interpretar en el piano, la influencia de Bill Evans es evidente, en especial en los momentos en que se desarrolla la melodía y en el sentimiento que ello conlleva.

Tras un escucha detallada de “Live in Tokio”, se puede apreciar el estilo de Mehldau que ya conocemos, su estilo romántico, su sensibilidad al piano y su independencia de manos. Pero además, encontramos nuevos rasgos en su forma de interpretar, y algunos de ellos provenientes de otro de los grandes maestros del piano, Keith Jarrett. Podemos apreciar que una de las cualidades más sobresalientes en Mehldau es la de desarrollar numerosas ideas en un mismo momento (todas ellas autónomas e independientes), que permiten a Mehldau encontrar tanta riqueza en tan poco espacio musical, lo que convierte cada tema en un ir y venir de ideas constante (en ocasiones de forma abrumadora y salvaje), y que permiten su tratamiento hasta agotar las posibilidades en improvisaciones de mayor calado, pero sin cansar al oyente en momento alguno, pues el resultado final de todo es siempre nuevo. Así mismo, se puede apreciar en algunos temas un gusto por la construcción y deconstrucción de estructuras obsesivas y con una fuerte “bipolarización de estados anímicos” que le permiten desarrollar y pasar de los momentos más arrebatadores e improvisadores a los momentos más profundos e intimistas y todo ello con una calidad de ideas, difícil de igualar y que conforman un todo orgánico en la interpretación. Pero a Mehldau no le interesan esas ideas, sino su resultado en la interpretación y su resultado final en la composición e improvisación.

En este trabajo Mehldau no sólo interpreta standards provenientes de la gran tradición americana, de Cole Porter, George Gershwin, o Thelonius Monk; sino que también desarrolla lo que se puede llamar los “nuevos standards”, provenientes de la cultura contemporánea y pop, y en concreto temas de Nick Drake o el tema de Radiohead "Paranoid Android", quien tras veinte minutos de ejecución realiza una pequeña obra maestra al piano.

En “Live in Tokio” asistimos a un proceso de creación en toda su extensión, y en donde Mehldau despliega elementos que fueron desarrollados por Keith Jarrett, en conciertos como el de Lausana, Bremen, Colonia o Paris, y en concreto la forma intimista de comenzar los temas, con un pequeña insinuación de notas; las largas exploraciones sonoras y tímbricas que desarrolla, o la conjunción de momentos percusivos y harmoniosos con momentos más reflexivos e intimistas. Todo ello hace que Mehldau haya bebido de unas fuentes pianísticas cercanas en el tiempo, y que se sirva de ellas para desarrollar una concepción de piano personal.

“Live in Tokio” supone un paso más en la brillante carrera del pianista norte-americano Brad Mehldau y nos recuerda que nos encontramos ante un auténtico maestro del piano y por ello ante un verdadero acróbata de notas.

Notas:

1 - El Diccionario de la Música, realizado por Manuel Valls Soriana, Alianza Editorial, 1979, describe al Contrapunto como “… al régimen que ordena el desarrollo simultáneo de varias voces de una composición que conservan su independencia, pero están vinculadas al conjunto”.

2 - El Romanticismo fue un movimiento artístico e intelectual que predominó en Europa durante la primera mitad del siglo XIX, caracterizado fundamentalmente por su reacción al academicismo reinante, el gusto por los ambientes exóticos y por la exaltación del individualismo.

3 - La Elegía, son composiciones poéticas del genero lírico que expresan planteamientos dolorosos y sentimientos melancólicos.

4 - El Diccionario de la Música, realizado por Manuel Valls Soriana, Alianza Editorial, 1979, describe al Contrapunto como “… al régimen que ordena el desarrollo simultáneo de varias voces de una composición que conservan su independencia, pero están vinculadas al conjunto”.

5 - El Diccionario de la Música, realizado por Manuel Valls Soriana, Alianza Editorial, 1979, describe la Fuga como “Forma esencialmente contrapuntística basada en el principio que consiste en la presencia sucesiva de un tema a cargo de las diversas voces que intervienen en la composición”

6 - Se incluyen siete temas inéditos que no aparecen en la versión occidental, citar entre ellos 50 Ways To leave Your Lover, My Herat Stood Still, Roses Blue, C Tune, Walks Tune o Alfie.

7 - Extracto de las notas del CD de Brad Mehldau “Art of Trio 4, Back At the Vanguard”, Warner Bros 1999.

BRAD MEHLDAU TRIO: The Art Of The Trio, Recordings 1996-2001

2012-01-17T09:47:00.000-08:00

BRAD MEHLDAU TRIO:

The Art Of The Trio. Recordings 1996-2001

Músicos:

- Brad Mehldau: Piano.

- Larry Grenadier: Contrabajo.

- Jorge Rossy: Batería.

Disk: 1

01.- Blame It On My Youth (Album Version)

02.- I Didn't Know What Time It Was (Album Version)

03.- Ron's Place (Album Version)

04.- Blackbird (Album Version)

05.- Lament For Linus (Album Version-Art Of The Trio I)

06.- Mignon's Song (Album Version)

07.- I Fall In Love Too Easily (Album Version)

08.- Lucid (Album Version)

09.- Nobody Else But Me (Album Version)

Disk: 2

01.- It's Alright With Me (Live) (Album Version)

02.- Young And Foolish (Live) (Album Version)

03.- Monk's Dream (Live) (Album Version)

04.- The Way You Look Tonight (Live) (Album Version)

05.- Moon River (Live) (Album Version)

06.- Countdown (Live) (Album Version)

Disk: 3

01.- Song-Song (Album Version)

02.- Unrequited (Album Version)

03.- Bewitched, Bothered And Bewildered (Album Version)

04.- Exit Music (For A Film) (Album Version)

05.- At A Loss (Album Version)

06.- Convalescent (Album Version)

07.- For All We Know (Album Version)

08.- River Man (Album Version)

09.- Young At Heart (Album Version)

10.- Sehnsucht (Album Version)

Disk: 4

01.- All The Things You Are (Live) (Album Version)

02.- Sehnsucht (Live) (Album Version)

03.- Nice Pass (Live) (Album Version)

04.- Solar (Live) (Album Version)

05.- London Blues (Live) (Album Version)

06.- I'll Be Seeing You (Live) (Album Version)

07.- Exit Music (For A Film) (Live) (Album Version)

Disk: 5

01.- The More I See You (Live) (Album Version)

02.- Dream's Monk (Live) (Album Version)

03.- The Folks Who Live On The Hill (Live) (Album Version)

04.- Alone Together (Live) (Album Version)

05.- It Might As Well Be Spring (Live) (Album Version)

06.- Cry Me A River (Live) (Album Version)

07.- River Man (Live) (Album Version)

Disk: 6

01.- Quit (Live) (Album Version)

02.- Secret Love (Live) (Album Version)

03.- Sublation (Live) (Album Version)

04.- Resignation (Live) (Album Version)

05.- Long Ago And Far Away (Live) (Album Version)

06.- How Long Has This Been Going On (Live) (Album Version)

Disk: 7

01.- London Blues

02.- Unrequited

03.- Ron's Place

04.- In The Wee Small Hours

05.- Lament For Linus

Nonesuch Records, 2011

7 CD Boxset.

Brad Mehldau Trio: The Art Of The Trio. Recordings: 1996-2001, 7 CD Box (Nonesuch, 2011)

El sello discográfico Nonesuch Records acaba de publicar la más reciente “novedad” del pianista norte-americano Brad Mehldau. Se trata de una caja integrada por 7 compactos en donde se incluyen las grabaciones en su momento tituladas con el nombre de “The Art Of The Trio” (el arte del trío) y publicadas originalmente para la compañía Warner Bros. entre los años 1996 y 2001 (un período extremadamente prolífico para Mehldau). Las presentes grabaciones fueron llevadas por el que se le puede denominar el “primer trío” del pianista norte-americano, compuesto por Larry Grenadier al contrabajo y Jorge Rossy a la batería. La presente caja se completa el con el añadido de un último disco (el número siete) conformado por grabaciones inéditas del trío llevadas a cabo en el mítico club de jazz de Nueva York, Village Vanguard, durante los años 1997, 1999 y 2001.

En 1988 Brad Mehldau se mudó a Nueva York desde su natal Connecticut, estudiando en la New School de la ciudad y tocando en diferentes combos, incluyendo una temporada en el cuarteto de Joshua Redman (llegando a participar en la grabación del disco Moodswing -Warner Bros., 1994-) antes de convertirse en líder de su propio grupo. Su trío realizó giras por todo el mundo durante más de 10 años y llevó acabo ocho grabaciones de estudio, incluyendo las del “Art Of The Trio” en cinco discos. Adicionalmente tanto Grenadier como Rossy participaron en las grabaciones, Introducción Brad Mehldau y Largo. En las notas y comentarios que acompañan a la presente caja, el pianista Ethan Iverson apunta que: "Brad Mehldau, Larry Grenadier y Jorge Rossy formaron uno de los tríos piano-contrabajo-batería, más importantes de los años 1990 ... la música contenida en esta caja es original. Sólo podía ser realizada por este grupo".

Mehldau era uno de los músicos jóvenes que en la década de los años noventa despuntaba como más fuerza y creatividad, pero fue con la publicación del disco Art Of The Trio, Volume One (Warner Bros., 1997) que Mehldau se puso en la órbita del jazz. Esta grabación supuso la confirmación de su “primer” trío (formación que ya aparecía en el disco Introducción Brad Mehldau), así como la presentación del mismo bajo el pretencioso título del “arte del trío”. Un título tan explícito e importante no podía pasar por alto, y más teniendo en cuenta la gran tradición que a lo largo de toda la historia del jazz existe en el formato piano-contrabajo-batería. Mehldau era consciente a la hora de titular esta grabación de las comparaciones que ello le iba a ocasionar, tanto con pianistas pasados como Bill Evans como presentes como Paul Bley y muy especialmente Keith Jarrett. En esta primera grabación (de riguroso estudio) es posible encontrar cuatro temas compuestos por el propio pianista, así como diferentes standards entre ellos dos temas de los Beatles. En este primer volumen podemos apreciar claras influencias tanto de Evans como de Jarrett, a parte de poder vislumbrar el que será su estilo pianístico a lo largo de los años con la presentación de ideas muy melodiosas y por momentos arriesgadas. Art Of The Trio, Volume Two: Live At The Village Vanguard (Warner Bros., 1998) es la segunda grabación de la serie pero esta vez en directo, en el legendario club de Nueva York, Village Vanguard. Al contrario que en el volumen primero, en esta ocasión no hay ningún tema de autoria propia sino versiones de standards todos ellos con un minutaje extenso y con una extraordinaria habilidad para improvisar y para utilizar ambas manos (más propia de un pianista de música clásica que de jazz) tanto en la construcción de sus solos (por momentos complicados y muy elaborados), como en la labor de acompañamiento de Grenadier y Rossy. Claro ejemplo de ello es la extraordinaria y “acelerada” versión que lleva a cabo del tema de Coltrane “Countdown”, en donde el trío funciona como una máquina de precisión a todos los niveles.

El tercer proyecto de este “arte del trío” lo constituyó el Art Of The Trio, Volume Three: Songs (Warner Bros., 1998). Otra sesión de estudio al igual que la del volumen primero pero en esta ocasión es posible apreciar una música mucho más avanzada y moderna como consecuencia de la introducción de temas provenientes de músicos más actuales y cercanos como Nick Drake (“River Man”) o de grupos como Radiohead -“Exit Music (for a Film)”-. Este volumen también contiene temas escritos de Mehldau, pero con un gusto decantado a influencias provenientes de la música culta europea, una faceta que con el tiempo ha explotado a nivel musical para diferentes intereses tanto a nivel improvisatorio jazzístico como incursiones en proyectos de profundo calado “clásico”. El volumen tercero del “arte del trío” es la última de las grabaciones que se graban en estudio, el resto Art Of The Trio, Volume Four: Back AT The Vaguard (Warner Bros., 1999) y Art Of The Trio, Volume Five: Progression (Warner Bros., 2001), son totalmente en directo de nuevo en Village Vanguard. Con el volumen cuarto nos encontramos a un músico extraordinariamente maduro y muy avanzado a su generación de compañeros músicos. El trío de Mehldau así mismo se encuentra aposentado musicalmente y en donde interpretan abundante musical original del pianista (resaltar el fantástico tema “London Blues”), reversiones de standards, así como la interpretación del tema de Miles Davis “Solar”. Por último, el volumen quinto de la serie y en compacto doble (personalmente para mi uno de los mejores) son unas grabaciones que confirman al trío como unidad creativa, con momentos de gran complejidad armónica y lírica (deliciosa la interpretación del tema “Alone Together” y muy especialmente la versión de “Cry Me A River” por la tensión emotiva e interpretativa que se lleva a cabo, así como en el exquisito acompañamiento del grupo). Estas grabaciones contiene una fantástica y brillante versión del tema de Nick Drake “River Man” (una versión mucho más larga que la llevada a cabo en el Vol. 3 de la serie). Con la interpretación de los temas que lleva a cabo, Mehldau demuestra un detalle importante, y es que puede extraer la esencia de una composición y convertirla en jazz, sin importar los orígenes de la misma. Los dos compactos que conforman el volumen quinto son realmente excepcionales y no sería exagerado calificar a los mismos como las mejores grabaciones de este trío.

Para finalizar señalar que, la presente caja se completa el con el añadido de un último disco (el número siete) conformado por grabaciones inéditas del trío en el Village Vanguard de Nueva York durante los años 1997, 1999 y 2001 (lo que hace pensar que todavía queda bastante material inédito de este trío, y que se encuentra confirmado con el enorme número de grabaciones que existen en formato bootleg de esta formación). Este compacto a modo de “bonus” con una duración de casi cuarenta y cuatro minutos de duración nos proporcionan más información musical en la creación del que fue el “primer trío” de Brad Mehldau, en contraposición a su “segundo trío”, en donde el baterista Jeff Ballard sustituyo a Jorge Rossy tras dejar al grupo. Este “segundo trío” es sin duda alguna totalmente diferente, pues Ballard es un baterista muy torrencial, enérgico y dinámico, característica que influyó de forma muy especial tanto en la faceta tanto interpretativa como sonora del trío de Mehldau, pero esto sin duda alguna… es otra historia. Los aficionados que no se hayan echo con las grabaciones que se comentan ahora tienen la oportunidad de llevarlo a cabo a un precio sensiblemente más bajo y con una presentación muy atractiva, por el contrario a los completistas de Mehldau nos les tocará otro remedio que su adquisición si quieren completar su discoteca, debido a la inclusión de material completamente inédito.

Jazz Magazine/Jazzman Mejores discos año 2011-CHOC

2011-12-29T04:58:00.000-08:00

Jazz Magazine/Jazzman Diciembre 2011

Mejores discos año 2011-CHOC

Como cada año y para el último mes del año en curso, la prestigiosa revista francesa Jazz Magazine/Jazzman lleva a cabo la elección de los mejores discos que se han publicado. Para el presente año 2011 es posible apreciar una selección bastante ecléctica y con algunos nombres no muy conocidos que los aficionados harán bien de recordar como por ejemplo el trompetista norte-americano Ambrose Akimmusire, un disco que sorprenderá tanto por el estilo desarrollado a lo largo de toda la grabación como por las interpretaciones llevadas a cabo por todo el grupo; grabación recomendable. También señalar el vocalista Gregory Porter, con una voz tremendamente personal en su forma de cantar.

Dentro de los nombres confirmados apuntar los excelentes trabajos de Bill Frisell, Joe Lovano, John Scofield y especialmente reseñable el compacto de Richie Beirach, una delicia para los amantes del piano que no deben de dejar pasar. También comentar el disco de Lee Konitz, Brad Mehldau, Charlie Haden y Paul Motian, Live at Birland. Este compacto fue reseñado en su momento en el blog, y me remito a los comentarios llevados a cabo en mi crítica; sirva el presente recordatorio para recomendar la excelente aportación musical del recientemente fallecido Paul Motian.

Por último apuntar la excelente reedición Mosaic de Henry Threadgill y la “revelación” (todo y las grabaciones que ya tenía en el sello discográfico Plus Loin Music y Nocturne) de Tigran Hamasyan, con un disco en donde técnica y originalidad interpretativa son las banderas que ensalza el pianista armenio.

KEITH JARRETT: Rio

2011-12-20T12:25:00.000-08:00

KEITH JARRETT: Rio

- Keith Jarrett: Piano.

Grabado en directo el 9 de Abril de 2011.

Theatro Municipal, Rio de Janeiro.

ECM Records, 2011

2 CD

ECM 2198/99 277 6645

CD 1:

Partes I-VI

1.- 8:40

2.- 6:52

3.- 6:00

4.- 4:13

5.- 6:25

6.- 7:00

CD 2:

Partes VII-XV

1.- 7:28

2.- 4:58

3.- 5:02

4.- 5:01

5.- 3:20

6.- 6:09

7.- 7:03

8.- 5:40

9.- 6:34

Keith Jarrett, Rio (ECM Records, 2011)

Los detractores de Keith Jarrett no están de enhorabuena con la más reciente grabación del pianista norteamericano. Se ha criticado durante muchos años a Keith Jarrett, llegándose en más de una ocasión a menoscabar la importancia del pianista americano, en concreto acusándole de ser un mero intérprete de standards o temas populares, así como el eterno debate si Jarrett se repite a si mismo ante la gran cantidad de grabaciones en directo que han aparecido a lo largo de los últimos años. La discografía de Jarrett es suficientemente apabullante para desbaratar las opiniones señaladas, y prueba de ello es su más reciente grabación (por supuesto, en riguroso directo), Rio.

Parece ser que Keith Jarrett al día siguiente de haber ofrecido el concierto objeto del presente disco llamó a Manfred Eicher (alma mater del sello discográfico ECM) para señalarle que diese prioridad a la publicación del concierto ofrecido en Rio de Janeiro y que pospusiese los discos que tenía planeados llevar a cabo (es conocido que Eicher graba todos los conciertos a piano solo que lleva a cabo Jarrett). Tal era el convencimiento del pianista con respecto a la calidad musical en su interpretación, que la escucha del mismo supondrá para los aficionados una inusitada bocanada de aire fresco. En Rio es perceptible reconocer maneras y planteamientos previsibles y conocidos por parte del pianista, pero así mismo a un Keith Jarrett altamente creativo, empático y por supuesto muy musical. En el primer compacto es posible apreciar a un músico muy ecléctico, con partes muy diferentes y diferenciadas que van tomando un tono más melódico a medida que avanza el concierto y que son objeto del segundo compacto y que sin duda alguna es la esencia del planteamiento musical de Jarrett

En la Parte I e inicio del concierto Jarrett plantea un discurso musical espeso a base de frases entrecortadas, muy sonoras y percusivas repletas de energía y de unas ricas armonías que proporcionan una fuerza emotiva al alcance de muy pocos músicos. Este ímpetu interpretativo permite pasar a un pasaje de enorme delicadeza en la Parte II lleno de ternura y de melancolía, en donde Jarrett sabe desenvolverse con enorme soltura; al igual ocurre con la Parte IV, una pequeña delicia de tan sólo cuatro minutos de duración. El Jarrett más previsible e identificable lo podemos encontrar en la Parte III, un tema con fuerte calado tradicional o en la Parte V, donde se percibe una gran concentración musical alejada de sus famosas y extensas improvisaciones. Concentración que obligará al aficionado a estar atento a algunas de las piezas de corta duración principalmente por la calidad del discurso emitido.

Por lo que respecta al segundo compacto el mismo destila grandes dosis de melodía combinado con diversos estilos interpretativos como por ejemplo el de temática procedente de raíces popular ejecutado con una preciosidad e intimismo sobrecogedor (Parte 7), o claras reminiscencias a la música culta (Parte 12), o disonancias sonoras de fuerte calado improvisatorio (Parte 10) pasando por piezas con claro sabor a gospel, un estilo que Jarrett gusta de presentar en muchos de sus conciertos (Parte 14), hasta temas de una belleza insondable.

Tras la enfermedad de fatiga crónica que llevó a Jarrett ya hace unos años a suspender su actividad pianística, los conciertos a piano solo que ha ido ofreciendo con el tiempo presentan un discurso musical distinto al de sus conciertos de largas improvisaciones. Ahora es posible apreciar (y disfrutar) a un pianista más concentrado a nivel musical, no por ello exento de complejidad interpretativa. Rio es la posibilidad de seguir disfrutando de uno de los mayores creadores en su instrumento de todos los tiempos, y que tengamos la posibilidad de hacerlo por muchos años.

ARTÍCULO-Paul Motian: Un músico sin límites

2011-12-10T14:02:00.000-08:00

Con motivo del reciente fallecimiento del baterista Paul Motian (22 de Noviembre de 2011) me ha parecido oportuno recuperar un artículo de fondo que llevé a cabo para la revista Más Jazz que servirá para dar un perfil de la estatura musical del mismo.

PAUL MOTIAN: UN MÚSICO SIN LÍMITES

El nombre de Paul Motian, proporciona a cualquier aficionado al jazz, el conocimiento y ante todo el convencimiento, de que nos encontramos ante uno de los mejores bateristas y compositores de todos los tiempos. La relación de músicos con los que ha participado y ha compartido tanto en estudios de grabación como clubes de jazz, hacen entender la importancia de este músico cuya actividad musical sigue siendo extraordinariamente activa, en concreto en los clubes de jazz en Nueva York, (actualmente se encuentra retirado de giras internacionales), así como de la participación en innumerables grabaciones, tanto de líder, como acompañante “de lujo” en proyectos diversos, entre otros, de Enrico Rava, Enrico Pieranunzi o Bobo Stenson.

La trayectoria de Motian, vista a través del tiempo, demuestra que nos encontramos delante de uno de los bateristas más prolíficos, un percusionista extraordinario (maestro consumado en el uso de las escobillas) y arquetipo de musicalidad, melodía y sensualidad; pero ante todo, comunicador, interlocutor y colaborador incansable, especialmente de pianistas creadores e innovadores (la nómina de participaciones es de vértigo, como por ejemplo, Bill Evans, Thelonious Monk, Paul Bley, Keith Jarrett, Martial Solal, Bobo Stenson o Enrico Pieranunzi), o de formaciones, en donde la búsqueda sonora es premisa primordial de trabajo, como la conexión del trío sin piano, formado por la guitarra de Bill Frisell y el saxo tenor de Joe Lovano.

Artículo, Paul Motian:Un músico sin límites (Revista Más Jazz), foto de Carmen Llussà

La formación musical de Paul Motian (que en sus inicios empezó tocando la guitarra, aunque rápidamente cambió a la batería), es completa y nutrida, pero toma carta de naturaleza cuando tras su paso por el servicio militar se instala en Nueva York en el año 1954/1995, esta ciudad era punto de referencia para los músicos de jazz, y permite a Motian acompañar a George Wallington y George Russell, tocar con las big bands de Oscar Pettiford y Tony Scott, Lennie Tristano, Warne Marsh o Eddie Costa. Asimismo, participa en algunas actuaciones y jam sessions con Coleman Hawkins, Thelonious Monk o Billie Holliday. En el año 1959, Paul Motian empieza su relación musical con Bill Evans, del que llega a ser su baterista estable, (pianista al que ya acompañó en el año 1956 en su primera grabación “New Jazz Conceptions”, y cuya publicación causó una gran repercusión por los nuevos planteamientos musicales presentados por un muy joven músico de veinte siete años). La asociación con Evans, proporcionará a Motian su primera gran aventura musical de relevancia, ya que junto a la presencia del contrabajista Scott LaFaro, se instauran las bases para las relaciones modernas del trío, piano, contrabajo y batería. Evans, LaFaro y Motian alcanzan un nivel de interacción hasta ese momento desconocidas, en donde cada instrumentista se concibe como líder e impulsor de ideas y sonidos, en donde se dialoga de igual a igual, abandonando los instrumentos la faceta de mero acompañante y con un rol como meta a obtener: la interacción musical de cada miembro del grupo. Es en este combo, donde Paul Motian forjará los cimientos de su estilo, y por el cual es reconocido tanto estética como musicalmente: sutileza, sensualidad, pero especialmente un gusto por la melodía, así como por las texturas aeróbicas de tambores y platos. Esta formación elaboró diversas grabaciones para el sello discográfico Riverside, entre ellas los conciertos ofrecidos en el club Village Vanguard en Junio de 1961, y que sirven de perfecto ejemplo de la extraordinaria calidad musical del trío, (recientemente se han publicado en su totalidad, en una caja de tres compactos a nombre de Bill Evans The Complete Live at Village Vanguard 1961). Estas grabaciones son imprescindibles para cualquier buen aficionado al jazz, y una de las obras cumbres del jazz en trío en formación de piano, contrabajo y batería.

Tras la trágica muerte del contrabajista Scott LaFaro, la unidad musical establecida por Bill Evans cambia por completo y Motian se mantiene en el trío, pero buscará nuevos retos musicales junto a otro extraordinario pianista, Paul Bley. Anteriormente a este encuentro, el baterista participa en la actuación en directo en Newport del año 1963 del pianista francés Martial Solal, y el contrabajista Teddy Kotick (por aquella época la sección rítmica de Evans). En esta grabación (bastante desconocida por los aficionados, y reeditada en el año 2000 por el sello discográfico RCA Victor), se puede apreciar la maestría de Motian al servicio de la asombrosa concepción musical de Martial Solal, en donde se interpretan principalmente standards y algún tema propio del pianista, todo ello con un estilo muy europeo y personal del líder.

La colaboración de Paul Motian con Paul Bley en 1963 (no superior al año), se podría apuntar como la evolución natural tras su paso por el trío de Evans. Por esos años Bley se encontraba en plena búsqueda libertaria y sonora del trío acústico (piano, contrabajo y batería). Al igual que en la formación de Evans (y por ello se podría considerar a ambos músicos como los padres del trío moderno), el diálogo de los tres componentes del grupo de Bley (incluyendo al contrabajista Gary Peacock) se aleja de las convenciones de acompañante, para convertirse en un diálogo a tres voces con personalidad propia en cada uno de ellos. Estos parámetros de libertad, de exploración y de ciertas dosis de flexibilidad armónica, son las condiciones perfectas para la manera de expresarse musicalmente Motian, que no sólo despliega los conceptos musicales aportados en el grupo de Evans, (y que van a suponer un paso adelante en el desarrollo del formato de trío), sino que le proporciona las dosis de libertad y de estimulación necesarias para su labor creativa. Este trío acomete diversas grabaciones entre 1963 y 1964, hasta su reencuentro en el año 1997 en el sello discográfico alemán ECM, con el trabajo titulado Not Two, Not One. Un disco dominado por composiciones de Paul Bley y Gary Peacock, donde se presentan diversas concepciones musicales, en función de las combinaciones estilísticas utilizas (trío, dúo o solo), con una música desarrollada por ciertos parámetros provenientes del free y de la espontaneidad e intensidad creadora, que permiten apreciar las dosis de maestría de estos tres músicos.

Paul Motian (Foto de Carmen Llussà)

Tras su breve, pero fructífero paso por el trío de Paul Bley, Motian junto a Charlie Haden, participa en el nacimiento del primer trío de Keith Jarrett. Esta formación, por desgracia muy poco valorada, incluso entre los seguidores de Jarrett, cuenta con interesantísimas grabaciones como Life Between The Exit Signs (1967), un trabajo ecléctico mezcla de desarrollos free y libre improvisación (con una extraordinaria aportación sonora de Motian), con otros temas con un estilo más directo y emocional; Restoration Ruin y Somewhere Before (1968), éste último basado en los mismos parámetros, pero con un regusto a ciertas influencias rock y ecos de los cuartetos de Charles Lloyd; o las grabaciones para el sello Atlantic como The Mourning of a Star (1971); un disco que permite comprobar la evolución estilística de Jarrett, y donde el interés de éste por ciertas músicas de la World Music, permiten a Motian explotar nuevas sonoridades y ritmos, que junto con la sutileza, musicalidad y melodía que ostenta el baterista, le confieren a su música una paleta sonora amplia, llena de colorido y armonía, que servirá de base para el posterior grupo de Keith Jarrett, al cual también pertenecerá Motian, y que es una de las formaciones más reputadas del pianista de Pennsylvania: el cuarteto americano, con Jarrett, Haden, Motian y la incorporación de Dewey Redman (otro discípulo de la escuela de Ornette Coleman, al igual que Charlie Haden), hasta llegar a su conversión definitiva en quinteto. Esta formación graba en abundancia tanto para el sello Atlantic, como para Impulse Records, y será el caldo de cultivo para la experimentación, en donde estilos tan diferentes como el pos-bop, y el avant-garde tienen perfecta cabida, pero donde la concepción de la batería como instrumento para Motian, avanza de forma inexorable, principalmente por la influencia de baterías como Elvin Jones (especialmente a nivel rítmico), Sunny Murray (a través del dinamismo interpretativo), Milford Graves (en cuanto a la simbiosis entre músico e instrumento), y por supuesto la influencia de Billy Higgins, uno de los “magos” de la batería moderna.

Tras su adscripción al grupo de Jarrett, Paul Motian potencia sus dotes de músico freelance, lo que le proporciona la oportunidad de trabajar con excelentes músicos, y pertenecer al grupo de Carla Bley y Charlie Haden, la “Liberation Music Ensemble”.

A principios de los años setenta, Motian comienza su carrera discográfica como líder y graba Conception Vessel para el sello alemán ECM, un disco ecléctico y que sirve al músico americano para desarrollar los diversos estilos musicales que habían conformado hasta ese momento su espectro musical. En esta discográfica llega a grabar otros cinco discos, muchos ellos con músicos y amigos con los que había participado, entre ellos Keith Jarrett. Estos seis discos en ECM, con motivo del setenta y cinco aniversario del músico americano, fueron reeditados por el sello discográfico de Manfred Eicher, aunque en la actualidad son de muy difícil localización y adquisición.

La discografía de Motian tanto oficial como “no oficial” (para los más acérrimos coleccionistas) es apabullante, con agrupaciones para todos los gustos, en quinteto, en cuarteto y muy especialmente en trío. Alguna de estas formaciones ostentan un caché creativo e interpretativo que se puede calificar de insuperable, desplegando un jazz avanzado y muy contemporáneo.A pesar de la importante asociación con pianistas a lo largo de su dilatada carrera musical, en los años 70 Paul Motian prescinde de manera intencionada del piano en numerosas grabaciones. Una de las formaciones en donde se excluye este instrumento y sin lugar a dudas, una de las más interesantes a nivel musical (pero ante todo creativa), es la protagonizada junto al guitarrista Bill Frisell y el saxo tenor Joe Lovano, grupo que ha marcado una importante estética musical, gracias a las innumerables grabaciones existentes. Los más de veinte años de colaboración entre estos músicos, ha conllevado una reciprocidad entre los mismos en donde la creación de espacios y de sonoridades han producido una música rica, llena de frescura, con construcciones de melodías y atmósferas en donde Motian se mueve como “pez en el agua” que con su sabiduría percusiva, tanto en los platos como en los tambores, produce momentos aeróbicos de textura y de belleza tanto melódica como rítmica ya sean dentro de la forma o de la libertad, propios de un gran maestro. Esta formación, posibilita al aficionado la oportunidad de disfrutar de uno de los mejores tríos sin piano, que hay en la actualidad y a un grupo contemporáneo enamorado del sonido, con la habilidad para demostrar la máxima expresión del jazz. En ECM existe la más reciente grabación de este grupo I Have the Room Above Her, una pequeña joya, pero de enormes proporciones.

Otra de las formaciones que cabe resaltar de Paul Motian, fue la que instauró para recrear los estándares de Broadway. La serie “On Broadway” (que en la actualidad consta de cuatro volúmenes), que sirvió para ampliar el trío conformado por Bill Frisell y Joe Lovano, con la incorporación de un viejo conocido (Charlie Haden), de una leyenda del saxo alto (Lee Konitz), de una extraordinaria cantante (Rebecca Martin) o la incorporación de una de la jóvenes voces al saxo tenor con más calidad en el panorama actual (Chris Potter). Esta serie de grabaciones, permite comprobar el gusto por la melodía en el planteamiento y ejecución de los estándares, pero principalmente en la forma como son reinventados, así como el colorido que es proyectado en la interpretación de los mismos, con un delicado balance entre libertad y estructura formal. Un proyecto que Motian mantiene abierto y que va a permitir nuevas grabaciones, y ante todo, va a conceder al baterista seguir con nuevos retos musicales, para presentarnos su tributo a la gran tradición del jazz.

El grupo “Electric Bebop Band” es otra de las interesantes formaciones de Motian, y de alguna forma, supone una vuelta de tuerca a los planteamientos musicales del baterista americano. Comenzando por la creación de un grupo voluminoso, con dos guitarras, dos saxos, bajo eléctrico y batería, y que con el tiempo se amplió con una guitarra y un percusionista adicional, (que se contrapone con lo que en su momento se entendía por un grupo de be-bop), hasta por el tratamiento eléctrico y enérgico de los temas, en donde la participación de jóvenes intérpretes de indiscutible calidad como Chris Potter, Chris Cheek, Kurt Rosenwinkel o Joshua Redman, son el punto ecléctico y diferenciado de estas grabaciones, que obligan a Motian a que aporte unos planteamientos rítmicos que son parte elemental en estos proyectos. La más reciente grabación de este grupo se encuentra en el sello ECM, Garden of Eden, y demuestra la extraordinaria musicalidad y conjunción de todos los componentes del combo.

Ilustración de Paul Motian (Copyright de Jorge López de Guereñu)

Al lado de su extensa discografía como líder, tenemos que señalar la no menos prolífica como acompañante de innumerables proyectos, y que indican que Motian sigue al servicio de cualquier proyecto interesante que le proporcione la posibilidad de aportar musicalmente su experiencia, y ante todo su particular visión musical. Cabe señalar las grabaciones con Marilyn Crispell, Nothing Ever Was Anyway. The Music of Annette Peacock (ECM, 1997), Amaryllis (ECM, 2001), y Storyteller (ECM, 2004). Estas grabaciones nos permiten apreciar a un Motian en su formación preferida, en trío, y donde los planteamientos minimalistas y etéreos de las grabaciones, proporcionan una intensa riqueza por parte de los músicos, especialmente en la grabaciones Crispell, Gary Peacock y Paul Motian (las de los años 1997 y 2001). De estas dos, hay que destacar como gran obra musical, (que ha sido reconocida como una de las mejores grabaciones del sello discográfico ECM), Nothing Ever Was Anyway. The Music of Annette Peacock, en donde la concentración musical, la interacción entre los músicos, y la utilización de exiguas notas en el proceso creativo, proporcionan una música para disfrutar sin prisa, pero sin pausa. De Amaryllis hay que destacar la interpretación del tema “Conception Vessel” (proveniente del álbum de debut en ECM de Motian en 1973), y que sirve para comparar la interpretación que Keith Jarrett hizo en su momento de este tema, en contraposición con la versión de Crispell, y con una aportación rítmica por parte de Motian, espectacular y diferente.

Otros proyectos interesantes, dignos de mención son los que llevó cabo con su viejo amigo Paul Bley. Junto a la ya comentada grabación Not Two, Not One (ECM 1997), hay otras interesantes referencias como The Paul Bley Quarte (ECM, 1988), un disco en donde Motian coincide de nuevo con Bill Frisell con el añadido de John Surman, y donde se percibe una música bella y prototipo del sello alemán.

Para aquellos aficionados que deseen una visión amplia de su paso por el sello discográfico de Manfred Eicher, hay recomendar el trabajo Selected Recordings XVI (ECM, 2004), dentro de la serie “:Rarum”, y que permite apreciar una selección de temas provenientes de su trabajo en ECM, y que sirven de introducción para aquellos que se acercan por primera vez a la música de Paul Motian.

Para finalizar, me gustaría citar las participaciones de Motian en dos estupendas grabaciones que figura como líder Joe Lovano para el sello discográfico Blue Note, y en concreto I´m All for You (Blue Note, 2004) y Joyous Encounter (Blue Note, 2005). La escucha de estos dos trabajos permite afirmar que nos encontramos ante un grupo de músicos excepcional, con Joe Lovano, Hank Jones, George Mraz y el mismo Motian, y con una música confeccionada a base estándares, de temas del propio Lovano y de Hank Jones, o de Thelonious Monk, D. Gillespie, John Coltrane. La música que es desarrollada presenta unos parámetros estilísticos muy formales, con un Joe Lovano y un Hank Jones muy creativos, tanto en su participación en el grupo como en el desarrollo de sus correspondientes solos, pero es en el acompañamiento de Motian donde las grabaciones tienen su punto distintivo. Dentro de estos parámetros formales, es posible apreciar la diversidad interpretativa del baterista a la hora de proyectar una gran diversidad de ideas, utilizando en determinados temas un ritmo desplazado, combinado con una interpretación muy abierta y abstracta, lo que confiere a la música un tratamiento completamente personal y reconocible, tanto en los platos como en los tambores, lo que conlleva un ritmo original en los temas y que sirve de perfecto soporte para el resto de músicos. Estas grabaciones evidencian a un Paul Motian altamente creativo, muy pendiente tanto del ritmo como del acompañamiento y con un caudal de ideas portentosas.

Pero Paul Motian con independencia de la edad que ostenta, sigue demostrando que se encuentra en una gran forma creativa, y que seguirá proporcionando nuevas vías de expresión, un claro de ejemplo de ello es la nueva y reciente grabación aparecida en el mercado discográfico de Bill Frisell, junto al contrabajista Ron Carter y el propio Motian. La formación en trío conformada por guitarra, contrabajo y batería, es toda una manifestación de intenciones, y una nueva oportunidad, para disfrutar del arte de uno de los bateristas más importantes de toda la historia del jazz.

AGRADECIMIENTOS: Dar las gracias por la colaboración de Jorge López de Guereñu al ceder la ilustración de Paul Motian para acompañar el presente texto y a las fotos de Carmen Llussà.

PAUL MOTIAN: Conception Vessel

2011-12-06T14:17:00.000-08:00

PAUL MOTIAN: Conception Vessel

ECM Records, 1973

ECM Records, 2008

1.- Georgian Bay.

Paul Motian: Percusión, Charlie Haden: Contrabajo y Sam Brown: Guitarra.

2.- Ch´I Energy.

Paul Motian: Percusión.

3.- Rebica.

Paul Motian: Percusión, Charlie Haden: Contrabajo y Sam Brown: Guitarra.

4.- Conception Vessel.

Paul Motian: Percusión y Keith Jarrett: Piano.

5.- American Indian: Song Of Sitting Bull

Paul Motian: Percusión y Keith Jarrett: Flauta.

6.- Inspiration From A Vietnamese Lullaby

Paul Motian: Percusión, Charlie Haden: Contrabajo, Leroy Jenkins: Violin y Becky Friend: Flauta.

Paul Motian, Conception Vessel (ECM Records)

La presente entrada sirve de homenaje tras el conocimiento de la desaparición de uno de los pocos músicos que se le podía poner en la actualidad la etiqueta de “monstruo del jazz”; el baterista Paul Motian. La importancia y el curriculum musical de Motian es lo suficientemente importante para dedicarle un sentido homenaje a través de la primera grabación que realizó como líder en el sello discográfico de Manfred Eicher, ECM Records, y que dentro de la colección Touchstones fue reeditada en 2008, disco que por aquellas fechas era de muy difícil localización para los aficionados.

Motian empezó tocando la guitarra pero al poco tiempo la abandona por la batería. Desde muy pequeño se fue aficionando a diversas músicas hasta que finalmente descubre el jazz en el colegio. Es tras su licenciamiento en el servicio militar que da rienda suelta a su sueños como músico, para ello se instala en Nueva York donde empieza a tocar de forma asidua con grandes músicos, acompaña a George Wallington, a la orquesta de Jerry Wald (donde traba amistad con Bill Evans en 1956), toca y graba con George Russell, con las Big Bands de Oscar Pettiford y Tony Scott en 1957. También colabora con Lennie Tristano, Warne Marsh y el tándem compuesto por Al Cohn-Zoot Sims en 1957. Por aquellas fechas tiene la posibilidad de participar en actuaciones y jam sessions con algunos de los nombre más relevantes del jazz como eran, Coleman Hawkins, Thelonious Monk y Billie Holliday.

El año 1959 resulta ser crucial en su carrera como músico al convertirse de forma estable en el baterista de Bill Evans (al que ya había acompañado en la grabación en su primer disco como líder en 1956, New Jazz Conceptions). La pertenencia al grupo de Evans supuso toda una aventura musical que duró un total de seis años, principalmente porque Evans puso las bases de lo que sería el desarrollo moderno del trío-piano-contrabajo, trío entendido como una unidad creativa sin el predominio de ningún instrumento y en donde cada músico tiene un papel equivalente dentro de esa unidad. Muestra de ello fueron las grabaciones en 1961 en el Village Vanguard acompañado por el propio Paul Motian y el contrabajista Scott LaFaro, auténticas obras maestras que ilustran su concepto de trío, una conversación a tres, una conversación de igual a igual. Este trío se ve truncado por la muerte accidental de Scott LaFaro, a quien le sucederán Chuck Israels y más tarde Gary Peacock.

La lista de los músicos con los que ha tocado y grabado es de una envergadura tan impresionante que representan por si solos a la historia del jazz, señalar entre ellos a Paul Bley o el mismísimo Martial Solal, con quien grabaría uno de los mejores conciertos del Festival de Newport; también que se asocia con Albert Ayler, Pharoah Sanders o Don Cherry. Otro de los momentos culminantes en la carrera musical de Paul Motian es la participación en la creación junto a Charlie Haden en el primer trío de Keith Jarrett en 1968, formación que más adelante pasa a convertirse en cuarteto con la presencia del saxofonista Dewey Redman, conocido como el “cuarteto americano” de Jarrett. Por estas fechas inicia su trayectoria como líder gracias a la mano del productor alemán Manfred Eicher con quien grabará un buen número de discos, entre ellos el que comentaremos, del año 1973, Conception Vessel. Su formato predilecto tras abandonar a Jarrett es el trío, por ello lleva a cabo de forma estable una formación con Charles Brackeen y David Izenzon, este último reemplazado por Arild Andersen y, en 1979, por Jean-François Jenny-Clark, uno de los mejores contrabajistas que ha dado el viejo continente europeo. Otras de sus formaciones predilectas es el quinteto y para ello reúne a un grupo formado por Joe Lovano, Jim Pepper, Bill Frisell y Ed Schuller. Motian así mismo ha formado parte de casi todas las combinaciones de la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden.

Motian es sin duda alguna más que un baterista un excepcional percusionista, un modelo de musicalidad y un interlocutor privilegiado de pianistas. Su participación en la evolución de la batería es crucial, pues ha defendido siempre una extrema delicadeza en su instrumento, teniendo como fin último la melodía y como utopía tocar jazz por sobre la titularidad de los instrumentos solistas y obviar toda función de acompañamiento, expandiendo el ritmo y el discurso musical en torno a los silencios, el gesto contenido en los golpes y la emotividad y el refinamiento como parte de su ideario.

Muchas de las cualidades señaladas arriba se pueden apreciar en el presente disco que comentamos, Conception Vessel. Una grabación con un contenido ecléctico (muy propio del sello discográfico ECM) que sirvió al músico americano para desarrollar los diversos estilos musicales que habían conformado hasta ese momento su espectro musical, y con la presencia de diversas formaciones en el desarrollo de los temas. Dos de las composiciones del compacto se encuentran interpretadas a trío por Motian a la batería, Charlie Haden al contrabajo y San Brown a la guitarra, “Georgian Bay” y “Rebica”. Formación atípica sin piano que interpreta estos temas con ciertos parámetros indecisos en sus planteamientos pero que crecen en intensidad musical a lo largo de la interpretación. “Rebica” despliega trazos de libre improvisación, dosis de belleza y momentos de fiereza interpretativa; especial atención merece la aportación de Sam Brown. Otros dos temas, “Conception Vessel” y “American Indian: Song Of Sitting Bull” son ejecutados a dúo por Paul Motian y Keith Jarrett. Señalar de ellos el título que da nombre al disco, con un Jarrett muy abstracto y repleto de texturas secundado por un excelente Motian muy activo en los platos. El tema “American Indian: Song Of Sitting Bull” permite apreciar la ejecución a la flauta de Jarrett, en un planteamiento completamente tribal. El compacto finaliza con un tema en cuarteto, “Inspiration From A Vietnamese Lullaby”, de extraordinario vigor y ferocidad interpretativa por parte de los cuatro músicos que lo interpretan, y que depara excelentes momentos tanto improvisatorios como sonoros, muy especialmente gracias a las aportaciones provenientes al violín de Leroy Jenkis.

Una extraordinaria grabación que nos permite llevar a cabo un pequeño homenaje a la figura de uno de los mejores bateristas del jazz recientemente fallecido.

BRAD MEHLDAU, KEVIN HAYS & PATRICK ZIMMERLI: Modern Music

2011-12-01T01:30:00.000-08:00

BRAD MEHLDAU, KEVIN HAYS & PATRICK ZIMMERLI

Modern Music

Brad Mehldau (p), Kevin Hays (p).

1.- Crazy Quilt.

2.- Unrequited (B. Mehldau)

3.- Generatrix.

4.- Celtic Folk Melody.

5.- Excerpt from Music For 18 Musicians (S. Reich).

6.- Lonely Woman (O. Coleman).

7.- Modern Music.

8.- Elegia (K. Hays).

9.- Excerpt from String Quartet Nº 5 (P.Glass).

Nonesuch Records, 2011

7559-79644-9

BRAD MEHLDAU, KEVIN HAYS & PATRICK ZIMMERLI, Modern Music (CD Nonesuch Records, 2011)

La creatividad musical de Brad Mehldau parece ser que no tiene límites. Su más reciente novedad discográfica así lo atestigua, al firmar junto a su amigo pianista Kevin Hays y la colaboración de Patrick Zimmerli una grabación con una fuerte carga intelectual y musical. Mehldau en los últimos años ha potenciado las grabaciones y actuaciones en formato de dúo de forma muy significativa, señalar en cuanto a las primeras las llevada a cabo por ejemplo con Renée Flemning, Anne Sofie Von Otter o Pat Metheny, y por lo que respecta a la segunda reseñar sus giras a dúo con el saxofonista Joshua Redman, o su más reciente aparición en la sala del Wigmore Hall de Londres con el mandolinista Chris Tile. Los proyectos a dúo de Mehldau presentan una fuerte carga musical pero muy especialmente intelectual, para ello aprovecha el encuentro personal en la distancia corta con su otro interlocutor par dar rienda suelta a una creatividad y una complicidad interpretativa que sirven para explorar mundos musicales alejados del punto de vista estrictamente jazzístico.

La presente grabación es la primera que se tiene conocimiento de la colaboración de Mehldau con otro pianista y de entrada hace pensar si su pianismo en alguna forma podía ensombrecer el trabajo de Kevin Hays. La escucha del compacto permite afirmar de forma categórica que estamos ante una extraordinaria sesión, todo un banquete musical gracias a las composiciones de Patrick Zimmerli, de los propios pianistas y de compositores norte-americanos del movimiento minimalista, Steve Reich y Philip Glass, así como la famosa composición de Ornette Coleman “Lonely Woman”. La música interpretada a lo largo de todo el compacto permite comprobar la superlativa compenetración de ambos músicos, así como el profundo, abierto y empático diálogo musical que se consigue, como en el tema que da nombre a la grabación “Modern Music”, un torrente de música, en donde rezuman líneas improvisatorias entremezcladas, todo ello aderezado con una sonoridades profundas y percusivas; o el tema de Zimmerli “Celtic Folk Melody”, una composición a base de silencios, de notas repercutidas, sensualidad exacerbada y en el que determinadas partes se encuentran construidas sobre ostinatos a la más pura tradición minimalista. Mehldau contribuye al proyecto con la autoria de su conocida obra “Unrequited”, en una interpretación al característico estilo Mehldau con sonoridades enraizadas en la música clásica.

El tema más melódico y lírico de la presente grabación proviene de la mano de Kevin Hays “Elegía”, lirismo e improvisación permiten ofrecer una ejecución muy efectista y con una potente carga emocional. Los puntos fuertes de la grabación provienen de la soberbia ejecución del tema “Lonely Woman”, una interpretación enigmática desarrollada a base de acordes, ostinatos perturbadores y todo ello acompañado con una elaboración del famoso tema muy poco ortodoxa; una auténtica delicia de más de seis minutos de duración. También reseñar por último los temas procedentes de compositores de la escuela minimalista, Reich y Glass. Del primero interpretan un fragmento de “Music For 18 Musicians” y en donde la obsesión interpretativa y sonora confiere a la música la proyección del ideario musical del minimalismo en toda su extensión. Al igual ocurre en el fragmento que interpretan del cuarteto de cuerda Nº 5 de Philip Glass, en el cual la belleza interpretativa y la sensualidad en la ejecución de la obra nos retrotraen al Glass más pianístico y conocido.

Una extraordinaria grabación que nos permite disfrutar de nuevo de la maravillosa capacidad de Mehldau de enfrentarse a nuevos mundos musicales alejados de su faceta jazzística. Excepcional.

BRAD MEHLDAU & RENÉE FLEMING: Love Sublime

2011-11-17T13:25:00.000-08:00

BRAD MEHLDAU & RENÉE FLEMING

Love Sublime

- Brad Mehldau: Piano.

- Renée Fleming: Voz.

Songs from The Book of Hours: Love Poems to God

Brad Mehldau/Letras de Rainer Maria Rilke

1. Your first Word was Light 5:28

2. The hour is striking so close above me 5:09

3. I Love the dark hours of my being 4:35

4. I Love you, gentlest of Ways 7:02

5. No one lives his life 2:36

6. His caring is a nightmare to us 2:31

7. Extinguish my eyes, I´ll go on seeing you 6:13

Songs from The Blue Estuaries

Brad Mehldau/Letras de Louise Bogan

8. Tear in Sleep 2:31

9. Memory 3:25

10. A Tale 4:28

11. Love Sublime 4:20

Música compuesta por Brad Mehldau.

Grabado los días 10 y 11 de Enero 2006 en Nueva York.

Nonesuch Records.

7559-79952-2

Love Sublime, Brad Mehldau and Renée Fleming (Nonesuch Records)

Interesante por no decir espectacular, el disco publicado Brad Mehldau junto a la soprano americana Renée Fleming. Hay que afirmar de inicio que la escucha de este disco no resultará fácil a los seguidores del pianista americano, y a buen seguro, que más de un seguidor de Mehldau se encontrará cuanto menos, sorprendido y desubicado, así como abrumado por la faceta creativa del talentoso pianista.

Es conocida la afición de Mehldau por los proyectos en dúo, y que poco a poco ha proporcionado algunas grabaciones en su discografía, especialmente como acompañante, como por ejemplo con el contrabajista Derek Oleszkiewicz (Like A Dream, Crytogramophoe 2004), con el saxofonista Joel Frahm (Don´t Explain, Palmettto Records 2004), así como a nivel vocal en el trabajo con su mujer Fleurine (Close for Enough Love, Emarcy 2000), así como las grabaciones con Pat Metheny o Anne Sophie Von Otter.

Para la presente grabación Mehldau ha preparado un repertorio musical y vocal que se puede encuadrar dentro de la estética clásica y contemporánea. Clásica por el planteamiento musical utilizado de piano y voz, y que de alguna manera rememora la forma musical del “lied” alemán. El término “lied” hace referencia a un tipo de canción en habla alemana que floreció y tuvo su auge en el Romanticismo del siglo XIX y que se proyectó en la primera mitad del siglo XX. Dos fueron los factores que contribuyeron al éxito del lied, por una parte el apogeo y protagonismo del piano en esa época, y por otra, el auge que alcanzó la poesía. Fueron especialmente los compositores alemanes y austriacos los que encontraron en la poesía alemana una fuente de inspiración para crear canciones, que sirvieron para expresar líricamente el significado de los textos poéticos, con exquisiteces tanto idílicas, melódicas como armónicas. Y contemporánea, por el tratamiento (a veces poco accesible) del piano, más cerca de la línea de la Segunda Escuela de Viena (en donde tuvieron un papel fundamental, Arnold Schönberg, Alban Berg y Antón Webern), aunque con un trabajo mucho más enfocado al uso de la tonalidad que a la utilización de diferentes y cambiantes acordes a que nos tiene acostumbrado Mehldau.

Ante este planteamiento, el grueso de la presente grabación se encuentra conformado por unas canciones basadas en los poemas del poeta alemán Rainer Maria Rilke “The Book of Hours: Love Poems to God”, acompañados de la música compuesta por el propio Mehldau. Junto a estas canciones, nos encontramos con el añadido de otras tres, basadas en los poemas del escritor americano Louise Bogan “The Blue Estuaries”, para finalizar con un tema escrito por la mujer de Mehldau, Fleurine, y que da título al trabajo.

Son en los poemas de Rainer Maria Rilke, donde se puede apreciar la parte más rica y creativa de este proyecto, (y de quien ya utilizó material para su primer disco a piano sólo Elegiac Cycle), en donde podemos apreciar, momentos minimalistas y con una fuerte carga religiosa como en el tema “Your First Word Was Light”, circunstancia esta producida por la interpretación a base de acordes del piano de Mehldau junto a una interpretación oscura y desoladora de la soprano Renée Fleming, que confieren una lectura un tanto lúgubre y tortuosa, pero muy interesante. También es posible apreciar al Mehldau más reconocible a nivel rítmico armónico en el tema “I Love The Dark Hours Of My Being”, al más claro estilo del tema de Nick Darke “Things Behind The Sun”, o por el contrario influencias claramente expresionistas que permiten a Renée Fleming interpretaciones con una fuerte carga emocional, profundas, llenas de sentimiento y con una dicción por momentos cristalina. Por lo que se refiere a la ejecución pianista de Mehldau, apuntar que nos demuestra una técnica deslumbrante, desprovista de los planteamientos jazzísticos que se le conocen, lleno de tonalidades o de acordes, que demuestran una composición por momentos muy estructurada, no por ello desprovista de ciertos momentos melódicos o rítmicos, pero con un evidente contraste entre la simplicidad melódica y la expansión interpretativa.

El trabajo discográfico se cierra con el tema más convencional de todos los que son interpretados (“Love Sublime”), y por ello más reconocible del estilo pianístico de Mehldau, con una musicalidad bella y provocativa, y con ciertas dosis de improvisación.

Señalar por último que, la pulsión creativa de Mehldau va más allá de la música creada o interpretada, y por tanto el arte u obra artística que trata de desplegar es resultado de un estado de riesgo al alcance de muy pocos artistas en la actualidad, y que demuestra de una forma clara que se encuentra en un estadio creativo muy diferente al de otros músicos.

TONY FRUSCELLA & BREW MOORE Quintet

2011-11-13T12:02:00.000-08:00

TONY FRUSCELLA & BREW MOORE Quintet

The 1954 Unissued Atlantic Session

The Tony Fruscella & Brew Moore Quintet:

Tony Fruscella (tr), Brew Moore (st), Bill Triglia (p), Teddy Kotick (cb) y Bill Heine (bat).

Grabado en Nueva York, 22 Marzo 1954.

Stan Getz Quintet:

Tony Fruscella (tr), Stan Getz (st), John Williams (p), Bill Anthony (cb) y Frank Isola (bat).

Grabado en Nueva York, 31 Enero 1955.

01. Blues Medium 2:50

02. Minor Blues 3:09

03. Bill Triglia’s Original 5:07

04. Slow Blues 6:42

05. Brew’s Nightmare 2:59

06. Fast Blues 2:40

07. Blues Medium II 4:05

08. Minor Blues II 3:06

09. Bill Triglia’s Original II 2:58

10. Brew's Nightmare II 3:04

11. Fast Blues II 4:50

12. Blues Medium III 4:07

13. Blue Bells (Sunkel) 7:13

14. Round-Up Time (Sunkel) 7:11

Fresh Sound Records, 2011

FSR-CD 660

TONY FRUSCELLA & BREW MOORE Quintet

La biografía del trompetista Tony Fruscella encarna a la perfección la figura tan típica en el jazz de músico maldito con una historia personal sórdida y cargada de vicisitudes: problemas familiares (se crió en un orfanato), consumo desmesurado de alcohol así como de estupefacientes, enfermedades, muerte prematura y olvido de su figura musical.

La presente grabación concede la posibilidad de disfrutar del arte de un intérprete que estuvo tocado por la genialidad creadora de los grandes artistas, todo y ser uno de los músicos más minusvalorado en toda la historia del jazz. La importación de la sesión liderada por Tony Fruscella y Brew Moore radica en que la misma fue grabada para el sello discográfico Atlantic (liderado en esos años por los hermanos Ertegun) pero nunca fue publicada de forma oficial, lo que concede toda su importancia a la sesión y más en concreto para un músico como Fruscella que a lo largo de su carrera profesional tan solo publicó un disco de forma oficial.

Tony Fruscella & Brew Moore Quintet, The 1954 Unissued Atlantic Session, permite comprobar algunas de las principales señas de identidad en la interpretación de Fruscella así como percibir su inclinación por las baladas, los tiempos lentos o las melodías sentimentales y serenas como en los temas “Slow Blues” o “Brew´s Nighmare”, aunque también se ejecutan temas con un sonoridad más penetrante y aguda. Todo ello se encuentra perfectamente secundado por el saxo tenor de Brew Moore, en la línea de la escuela más tradicional interpretativa del saxo tenor, lleno de sensualidad y swing. La pareja de solistas es secunda por una sección rítmica donde sobresalen los solos de Bill Triglia al piano y el excelente acompañamiento de Teddy Kotick al contrabajo.

La grabación se completa con dos temas grabados en el año 1955 cuando el trompetista formó parte del quinteto liderado por el saxofonista Stan Getz (uno de los momentos culminantes en la carrera musical de Fruscella) y que nos concede la ocasión de disfrutar de dos sonoridades bellas y cristalinas muy especialmente la de Getz, lo que hace corroborar el apodo con que se le conocía, “The Sound” (el sonido).

Un estupendo disco que es mérito del trabajo y la labor investigadora del “alma mater” del sello discográfico de Fresh Sound Records, Jordi Pujol i Baulenas.

THE COMPLETE STANLEY DANCE FELSTED 'mainstream Jazz' RECORDINGS 1958-1959 (9-cd Box Set)

2011-11-07T16:48:00.000-08:00

THE COMPLETE STANLEY DANCE FELSTED "Mainstream Jazz" RECORDINGS 1958-1959 (9-cd Box Set):

Músicos:

Rex Stewart, Earl Hines-Cozy Cole, Buster Bailey, Buddy Tate, Coleman Hawkins, Dicky Wells, Budd Johnson, Billy Strayhorn y Dicky Wells.

Volume 1 - Rex Stewart

01. Tillie’s Twist (Stewart-Edwin) 4:39

02. Pretty Ditty (Stewart-Cary) 6:26

03. Tell Me More (Stewart-Edwin) 8:28

04. Trade Winds (Stewart-Cary) 7:22

05. My Kind of Gal (Stewart-Goodman) 5:11

06. Blue Echo (Stewart-Cary) 7:41

Originally issued as Felsted SJA 2001

"Rendezvous With Rex"

Volume 2 - Earl Hines / Cozy Cole

01. Brussels’ Hustle (Hines) 7:59

02. Oooh! (Hines) 5:03

03. Backroom at the Villa d’Este (Hines) 6:49

04. Caravan (Tizol-Ellington) 9:58

05. Phatz’ Blues (Morris-Thompson) 5:16

06. Margie (Davis-Conrad-Robinson) 4:26

Originally issued as Felsted SJA 2002

"Earl's Backroom And Cozy's Caravan"

Volume 3 - Buster Bailey

01. Bear Wallow (Bailey-Vance) 7:22

02. Hatton Avenue

Gayoso Street

(Bailey-Vance) 4:08

03. Sunday Parade (Bailey-Vance) 5:31

04. Beale Street

Blues (Handy) 4:08

05. Memphis Blues (Handy) 2:36

06. Chickasaw Bluff (Bailey) 6:08

07. Hot Water Bayou (Bailey) 4:22

Originally issued as Felsted SJA 2003

"All About Memphis"

Volume 4 - Buddy Tate

01. Bottle It (Hall) 6:00

02. Walk That Walk (Wells) 8:32

03. Miss Sadie Brown (Robinson) 5:57

04. Moon Eyes (Tate) 7:38

05. Rockin’ Steve (Clayton) 7:00

06. Rompin’ with Buck (Tate) 5:22

Originally issued as Felsted SJA 2004

"Swinging Like... Tate!"

Volume 5 - Coleman Hawkins

01. Bird of Prey Blues (Hawkins) 11:13

02. My One and Only Love (Mellin-Wood) 7:21

03. Vignette (Jones) 4:25

04. Ooh-Wee Miss G.P.! (Hawkins) 3:55

05. You’ve Changed (Carey-Fischer) 7:39

06. Get Set (Jones) 4:53

Originally issued as Felsted SJA 2005

"The High And Mighty Hawk"

Volume 6 - Dicky Wells

01. Bones for the King (Wells) 6:36

Dedicated to the late Tommy Dorsey

02. Sweet Daddy Spo-de-o (Wells) 7:26

03. You Took My Heart (Hall) 6:01

04. Hello Smack! (Tate) 6:20

Dedicated to the late Fletcher Henderson

05. Come and Get It (Wells) 8:04

06. Stan’s Dance (Clayton) 6:35

Originally issued as Felsted SJA 2006

"Bones for the King"

Volume 7 - Budd Johnson

01. Foggy Nights (Johnson) 5:37

02. Leave Room in Your Heart for Me

(Johnson-Dobson) 7:16

03. Destination Blues (Johnson) 5:19

04. À La Mode (Johnson) 7:31

05. Used Blues (Johnson) 7:05

06. Blues by Five (Johnson) 6:06

Bonus Track:

07. Foggy Nights (Johnson) 5:54 (Mono Version)

Originally issued as Felsted SJA 2007

"Blues à la Mode"

Volume 8 - Billy Strayhorn

01. Cue’s Blue Now (Hodges-Strayhorn) 10:03

02. Gone with the Wind (Magidson-Wrubel) 4:16

03. Cherry (Redman-Gilbert) 5:51

04. Watch Your Cue (Hodges-Strayhorn) 3:07

05. You Brought a New Kind of Love to Me

(Fain-Kahal-Norman) 7:20

06. When I Dream of You (Hines-Carpenter) 3:31

07. Rose Room (Williams-Hickman) 6:02

Originally issued as Felsted SJA 2008

"Cue for Saxophone"

Volume 9 - Dicky Wells

01. Blue Moon (Rodgers) 3:38

02. Air Lift (Hall) 6:32

03. It’s All Over Now (White) 3:55

04. Wine-O Junction (Wells) 5:29

05. Heavy Duty (Wells) 6:31

06. Short,Tall, Fat, Small (Wells) 6:24

07. Girl Hunt (Wells) 6:20

Originally issued as Felsted SJA 2009

"Trombone Four-in-Hand"

Personnel on CD 1:

Tracks #1,3,5: Rex Stewart (cnt, vcl on #5), George Stevenson (tb), Haywood Henry (cl, bs), George Kelly (ts), Willie 'The Lion' Smith (p on #1 & 3), Dick Cary (p on #5), Leonard Gaskin (b), Arthur Trappier (d).

Recorded in New York City, on January 28, 1958.

Tracks #2,4,6: Rex Stewart (cnt), Hilton Jefferson (as, cl), Garvin Bushell (bassoon, cl), Dick Cary (p), Everett Barksdale (g), Joe Benjamin (b), Mickey Sheen (d).

Recorded in New York City, on January 31, 1958.

Personnel on CD 2:

Tracks #1-3: Earl Hines Quartet

Curtis Lowe (ts, bs), Earl Hines (p), Charles Oden (b), Earl Watkins(d).

Recorded in San Francisco, on February 3, 1958.

Tracks #4-6: Cozy Cole Septet

Lou Jones (tp), Walter 'Phatz' Morris (tb, hmca on #5), Boe McCain (ts), Reuben Jay 'June' Cole (p), Dickie Thompson (g, vcl), Peter Compo (b), Cozy Cole (d).

Recorded in New York City, on February 7, 1958.

Personnel on CD 3:

Tracks #1,3,6: The Septet

Herman Autrey (tp), Buster Bailey (cl), Vic Dickenson (tb), Hilton Jefferson (as), Red Richards (p), Gene Ramey (b), Jimmy Crawford (d).

Recorded in New York City, on February 27, 1958.

Tracks #2,4,5,7: The Quartet

Buster Bailey (cl), Red Richards (p), Gene Ramey (b), Jimmy Crawford (d).

Recorded in New York City, on February 13, 1958.

Personnel on CD 4:

Tracks #1-3: Pat Jenkins (tp), Eli Robinson (tb), Ben Richardson (as, cl), Buddy Tate (ts, cl), Skip Hall (p), Evrett Barksdale (g), Joe Benjamin (b), Herbie Lovelle (d). The Strollers [Jenkins, Richardson, Robinson & Tate] (vcl on #2).

Recorded in New York City, on February 26, 1958.

Tracks #4-6: Buck Clayton (tp), Dicky Wells (tb), Earl Warren (as, bs), Buddy Tate (ts), Skip Hall (p), Lord Westbrook (g), Aaron Bell (b), Jo Jones (d).

Recorded in New York City, on February 12, 1958.

Personnel on CD 5:

Buck Clayton (tp), Coleman Hawkins (ts), Hank Jones (p), Ray Brown (b), Mickey Sheen (d).

Recorded in New York City, February 18 & 19, 1958.

Personnel on CD 6:

Tracks #1-3: Dicky Wells, Vic Dickenson, Benny Morton & George Matthews (tb), Skip Hall (p), Major Holley (b), Jo Jones (d).

Recorded in New York City, on February 3, 1958.

Tracks #4-6: Buck Clayton (tp), Dicky Wells (tb), Rudy Rutherford (cl, bs), Buddy Tate (ts, bs), Skip Hall (p), Everett Barksdale (g), Major Holley (b), Jo Jones (d).

Recorded in New York City, on February 4, 1958.

Personnel on CD 7:

Tracks #1,3,5,7: The Septet

Charlie Savers (ts), Vic Dickenson (tb), Budd Johnson (ts), Al Sears (bs), Bert Keyes (p, org), Joe Benjamin (b), Jo Jones (d).

Recorded in New York City, on February 11, 1958.

Tracks #2,4,6: The Quintet

Charlie Savers (ts), Budd Johnson (ts), Ray Bryant (p), Joe Benjamin (b), Jo Jones (d).

Recorded in New York City, on February 14, 1958.

Personnel on CD 8:

Harold 'Shorty' Baker (tp), Quentin Jackson (tb, except on #6), Russell Procope (cl, except on #6), Johnny Hodges [Originally credited as Cue Porter] (as), Billy Strayhorn (p), Al Hall (b), Oliver Jackson (d).

Recorded in New York City, on April 14, 1959.

Personnel on CD 9:

Tracks #1-4: Dicky Wells, Vic Dickenson, Benny Morton & George Matthews (tb), Skip Hall (p, org), Kenny Burrell (g), Everett Barksdale (b), Herbie Lovelle (d).

Recorded in New York City, on April 21, 1959.

Tracks #5-7: Same personnel except Kenny Burrell out, Everett Barksdale (g, el-b on #5), Major Holley (b). Wells & Dickenson (vcl on #6).

Recorded in New York City, probably on April 22, 1959.

Original recordings produced by Stanley Dance.

Liner notes by Stanley Dance.

Photography by Mike Youngman.

Produced by Jordi Pujol.

Stereo 24-Bit Digitally Remastered

Fresh Sound Records, 2011

FSR-CD9-CD DeLuxe Box Set, incluye libro de 44 páginas.

24 Bit Digitally Remastered

THE COMPLETE STANLEY DANCE FELSTED 'mainstream Jazz' RECORDINGS 1958-1959 (9-cd Box Set)

Entre Enero de 1958 y Abril de 1959 el afamado crítico, escritor y productor de jazz inglés Stanley Dance, viajó a los Estados unidos para producir nueve discos de jazz para la filial del sello discográfico London Records (Felsted). El resultado de estos nueve discos produjo una música que fue catalogada como “mainstream jazz” (una descripción de esta corriente la llevo a cabo el propio Stanley Dance en las contraportadas de los discos originales) y su publicación tenía inicialmente el mercado europeo como destinatario final.

La presente caja de 9 CD permite por primera vez disfrutar al completo de todos los discos publicados en el sello discográfico Felsted. Algunos de los discos originales se encontraban completamente descatalogados o eran de muy difícil localización, y nunca antes habían aparecido en formato CD. Para la presente edición se reproducen las portadas originales de los vinilos publicados en su momento así como todos los comentarios que llevó a cabo el propio Santley Dance en un libro de 44 páginas perfectamente documentado. Los líderes de los nueve discos son, Rex Stewart, Earl Hines-Cozy Cole, Buster Bailey, Buddy Tate, Coleman Hawkins, Dicky Wells, Budd Johnson, Billy Strayhorn y Dicky Wells, quien son acompañados por algunos de los mejores músicos de aquellos años como por ejemplo Buck Clayton, Charlie Shavers,Johnny Hodges, Vic Dickenson, Willie “The Lion” Smith, Hank Jones, Kenny Burrell, Ray Brown o Jo Jones, entre otros.

La música que desprende de todos los discos sigue los cánones del estilo “mainstream” de los años cincuenta, y en concreto un especial gusto por el swing como parte esencial de su discurso musical. Dentro de estas grabaciones destaca el volumen cuarto dedicado a Buddy Tate que titulado de forma clara y contundente Swinging Like… Tate!, certifica el estilo que lleva a la cabo la escuela anteriormente citada, todo ello secundado por una sonoridad elegante y majestuosa y por un grupo de músicos que le a arropa a la perfección. Otro interesante disco de la presente edición es el volumen cinco protagonizado por Coleman Hawkins, quien acompañado por un grupo de ensueño (Buck Clayton, Ray Brown y Hank Jones) ofrece un repertorio extremadamente melódico y suave como la versión que protagonizan de la celebérrima balada “My One and Only Love". También resaltar el volumen octavo dedicado a Billy Strayhorn, Cue for Saxophone, que permite comprobar la excelente habilidad que tuvo tanto como improvisador y pianista el colaborador habitual de Duke Ellington. La sesión resulta deliciosa gracias a la colaboración del saxo alto Johnny Hodges y el trompetista Harold “Shorty” Baker. Por ultimo reseñar el volumen noveno protagonizado por el trombonista Dicky Wells, Trombone Four-In-Hand. Una grabación a cargo de cuatro trombones, al citado Wells se unieron, Vick Dickenson, Benny Morton y George Matthews, todo un acontecimiento en los años cincuenta pero que proporciona una musicalidad rica en matices, colores y sonoridades, tal y como sucede en el conocidísimo tema de Rogers y Hart “Blue Moon”, apuntar en este disco la excelente aportación de Kenny Burell a la guitarra.

En resumen, una caja que hará las delicias de más de un aficionado y que sin duda alguna no puede faltar en una buena discoteca de jazz que se precie del estilo “mainstream”.

FELIX ROSSY: Introducing Félix Rossy

2011-11-01T07:41:00.000-07:00

FÉLIX ROSSY

Introducing Félix Rossy

- Félix Rossy: Trompeta

- Mike Kanan: Piano.

Ben Street: Contrabajo.

- Jorge Rossy: Batería.

01.- I´m Through with Love (5:09).

02.- Love Walked In (6:54).

03.- Imagination (7:03).

04.- You´re Driving Me Crazy (4:13)

05.- Golden Earrings.

06.- Stella by Starlight (4:10)

07.- Three on One (5:55)

08.- Dancing on the Ceiling (5:30)

09.- Who Cares?.

10.- All the Thing You Are (4:31)

11.- A Dandy Line (3:55)

Fresh Sound Records, 2011

FSR 1001

Felix Rossy Introducing Félix Rossy (Fresh Sound New Talent, 2011)

No es muy frecuente para los aficionados al jazz el ir apreciando como surge una nueva voz musical dentro del panorama nacional. Esto es lo que ha ocurrido en los últimos años con Félix Rossy (hijo del afamado baterista y pianista en la actualidad Jorge Rossy), al comprobar en los conciertos que ha ofrecido en los distintos clubes y festivales del estado nacional como crecía no sólo como persona sino también como se daba a conocer como músico. Consecuencia de todo ello es la reciente aparición de su primer disco como líder para Fresh Sound New Talent a la incipiente edad de diecisiete años, todo y que el mismo se grabó el año pasado, cuando tan sólo tenía dieciséis.

El título del propio disco nos indica que se trata de la tarjeta de presentación para dar a conocer sus pensamientos musicales y un fiel reflejo de cómo entiende el jazz a su edad y de todo el aprendizaje que ha atesorado a lo largo de los años. El repertorio del compacto deja entrever por donde andan los gustos musicales del joven trompetista, muy claramente marcados por los standards, las baladas y los medios tiempos. Para ello se encuentra arropado por una formación de lujo que secunda sus gustos en todo momento, encabezado por Mike Kanan, un pianista “todo terreno” y con un sentido musical que se mueve a la perfección en la colección de temas escogidos, y muy especialmente por la presencia en la batería de Jorge Rossy, preciso y exquisito en todo momento. Por lo que se refiere a Félix Rossy cabe resaltar su extremado lirismo en los temas más delicados y lentos, como por ejemplo en “Imagination”, “Stella by Starlight” o en “All The Things You Are”, así como un aposentado y elegante swing, todo ello acompañado por una sonoridad y un tono basado en el clasicismo no muy propio de los jóvenes músicos actuales. No siendo un compacto en donde se puedan apreciar temas de gran enjundia interpretativa, los que ejecuta como por ejemplo “Love Walked In” o “You´re Driving Me Crazy”, son resueltos con solvencia de recursos y buen gusto interpretativo.

No cabe la menor duda que Félix Rossy con los años nos demostrará otros colores musicales y apostará por otras sonoridades y posiblemente otros estilos interpretativos, pues detenta los recursos y la musicalidad para ello, su viaje musical no ha hecho más que comenzar, lo que nos augura una gran evolución musical.

JORDI ROSSY TRIO: Wicca

2011-10-24T10:26:00.000-07:00

JORDI ROSSY Trio

Wicca

Jordi Rossy (piano), Albert Sanz (Hammond Organo), R.J. Miller (batería), con la colaboración especial de Félix Rossy (trompeta en el tema Wicca) y Enrique Oliver (saxo tenor en el tema Wicca).

1. Sexy Time.

2. El Bardo.

3. Tainos

4. Metamorfosis.

5. Loving Tone.

6. Wicca.

7. Moose Love.

Todos los temas compuestos por Jordi Rossy “Metamorfosis” y “Living Tone” compuesto por Albert Sanz.

Grabado los días 17, 18 & 19 de Junio de 2007.

Fresh Sound, New Talent.

FSNT-309

CD Jordi Rossy Trio, Wicca (Fresh Sound New Talent)

El nombre de Jordi Rossy es bien conocido de los aficionados al jazz, y en concreto por haber pertenecido como baterista durante bastantes años al primer trío del pianista norte-americano Brad Mehldau. Hace un tiempo que Jordi Rossy ha “aparcado” el instrumento que le dio a conocer (aunque en muchos conciertos que lleva a cabo en la ciudad de Barcelona sigue practicando la batería), para pasar a centrarse en la carrera de pianista. Wicca es su primer trabajo como líder al piano, y para sorpresa de muchos aficionados, Rossy no se decanta por el tradicional formato de piano, contrabajo y batería, sino que se deja acompañar de un segundo teclado, el órgano Hammond del pianista Albert Sanz y la batería de R.J. Miller. Así mismo la presente grabación sirve como presentación de una joven promesa para el jazz, el hijo de Rossy, Félix Rossy, que toca la trompeta en el tema que da título al compacto.

La música que desarrolla el trío de Jordi Rossy, presenta de buen inicio una diferencia sonora importante como consecuencia del juego que ofrecen tanto el órgano como el piano. Junto a esta sonoridad bien variada, es necesario señalar la aportación de la batería de R.J. Miller. Las contribuciones de los músicos proporcionan una música por momentos lírica y en otros momentos meditabunda, todo ello en pos de una búsqueda interpretativa y de un proyecto musical muy personal, que permite el desarrollo de las ideas del líder, y que demuestra los excelentes fundamentos que como pianista posee Jordi Rossy, y muy especialmente ante el riesgo a la hora de llevar cabo un proyecto con una formación atípica.

El trabajo de Jordi Rossy como líder, nos concede ante todo la posibilidad de descubrir a un músico “nuevo”, con una vocación de iniciar una nueva etapa musical, que la afronta con brillantez y decisión.

BRAD MEHLDAU: Solo piano, Live in Tokyo (EDICIÓN JAPONESA)

2011-09-25T14:09:00.000-07:00

BRAD MEHLDAU: Solo piano, Live in Tokyo (EDICIÓN JAPONESA)

- Brad Mehldau: Piano.

Grabado en directo el 15 Febrero de 2003, Sumida Triphony Hall, Tokio.

Nonesuch WPCR-11964/5 2 CD

JAPAN EDITION

(Sin distribución en Europa. IMPORTACIÓN)

CD 2004

Temas EDICION JAPONESA:

CD 1:

Intro, 50 Ways To Leave Your Lover, My Heart Stood Still, Roses Blue, Intro II, Some One To Watch Over Me, Things Behind The Sun.

CD 2:

C Tune, Waltz Tune, From This Moment On, Alfie, Monk´s Dream, Paranoid Android, How Long Has This Been Going On, River Man.

Temas Edición Occidental:

Things Behind The Sun, Intro, Some One To Watch Over Me, From This Moment On, Monk´s Dream, Paranoid Android, How Long Has This Been Going On?, River Man.

NOTA: Se ha incluido la relación de temas del CD de la Edición Japonesa (en negrilla los temas que sólo aparecen en esta edición), y del CD de la Edición Occidental, para una mejor comparación de los nuevos temas.

Brad Mehldau, Solo piano, Live in Tokyo (Edición Japonesa)

No se si se podría calificar de buena o de mala noticia para los aficionados del pianista americano Brad Mehldau, el hecho de que en Japón se haya publicado el trabajo en solitario de este músico en un doble compacto, es decir, con siete temas nuevos que no aparecen en el CD Occidental.

Es bien sabido por todo aficionado a la música, con independencia del estilo musical que profese, que Japón resulta ser el paraíso para todo buen melómano (en especial de vinilos). Se puede llegar a afirmar, sin ningún tipo de duda, que la afición por la música en Japón roza los límites de la razón y de la sin razón, al profesar un amor casi reverencial por cualquier músico y estilo, lo que conlleva en muchas ocasiones que aparezcan grabaciones en tiradas limitadas o con material extra (como en el presente caso) y que para su posible adquisición se deba de recurrir a la importación directa desde el Japón, con el consiguiente dispendio económico que ello comporta (especialmente en portes). Esta circunstancia es aceptada por la gran mayoría de aficionados a la música (entre ellos los del jazz), que dirigen su mirada al país oriental, al efecto de poder adquirir estas joyas y bienes preciados que revalorizan toda buena discoteca.

En el caso de Brad Mehldau, en paralelo a la aparición en Occidente del trabajo en solitario, Live in Tokio, se publicaba en Japón un doble compacto con lo que parece ser la actuación completa del concierto ofrecido en fecha 15 de Febrero de 2003, en el Sumida Triphony Hall de Tokio. Ello ha comportado como novedad, que en vez de un único compacto, la grabación pasará a ser un doble CD con siete temas nuevos. Su portada y estilismo no ha sufrido variación alguna, sólo la adición de un nuevo compacto con más música y el consabido comentario en hoja anexa “ininteligible” en japonés.

Es por ello que al inicio de este comentario señalaba si era una buena o mala noticia la aparición de este compacto; se podría afirmar inicialmente que es una mala noticia por que su adquisición es difícil, complicada y cara para el aficionado (en la actualidad se encuentra completamente agotado) y buena por otra, por que ello nos concede la posibilidad de disfrutar, de material “extra” (temas todos ellos diferentes de los publicados) de este estupendo concierto por parte de Mehldau. La escucha de este doble compacto nos hace llegar a la conclusión definitiva que se trata de una estupenda noticia el poder disfrutar de este concierto y presumiblemente al completo, pues parece ser que este compacto no tiene visos de salir publicado por estas latitudes, tal y como ha aparecido en Japón.

En este blog se ha comentado el compacto que puede ser adquirido por todo aficionado en cualquier tienda de discos y a cuyos comentarios me remito de entrada.

Por lo que respecta a la presente edición japonesa y tras una atenta escucha, llegamos a la conclusión que los cortes que se llevaron a cabo para realizar el compacto occidental, cercenaron un concierto que se podría calificar de compensado por la música desarrollada en el mismo. La música adicional de este compacto es principalmente del gusto del pianista, música con claras influencias pop, y donde desarrolla temas de Paul Simon “50 Ways To Leave Your Lover”, de Joni Mitchell “Roses Blue”, así como standards de Rodgers y Hart “My Heart Stood Still” o de Bacharach “Alfie”, todo ello aderezado con un par de temas de autoría propia. En ellos se puede apreciar de una forma clara el aire melancólico y trágico, entremezclado con un desarrollo sencillo pero muy sentimental que confiere Mehldau a su música, todo ello estupendamente ejecutado.

La música de este compacto se muestra mucho más reflexiva y sin perder ningún ápice de profundidad y majestuosidad, consigue demostrarnos el carácter nostálgico y por momentos trágico de la música de Mehldau; así lo podemos apreciar en los primeros cortes del primer cedé “Intro”, “50 Ways To Leave Your Lover” y en especial el tema de Joni Mitchell. Se puede considerar el concierto ofrecido por la edición japonesa en su totalidad como más orgánico, compacto y más cabal. Por el contrario en el cedé occidental, los responsables de la casa discográfica han intentado escrutar el lado más espectacular del concierto, y no han dudado en elegir los cortes en donde la música es más enfática y efectiva, consiguiendo un efecto sonoro del concierto que no se corresponde con la realidad. Hay que realizar una crítica dura a estos responsables, y manifestar la más enérgica protesta por esta actuación que no presenta explicación alguna, pues la grabación podría haber aparecido en occidente en las mismas condiciones que en el mercado japonés.

El total del concierto ofrecido por Mehldau (presumiblemente en su integridad), nos ofrece un músico comprometido con su música, y ante todo un músico comprometido con su forma de entenderla y principalmente de interpretarla. Nos presenta a un músico extraordinariamente maduro, un músico que se encontró tocado por la varita de los dioses de la creación, cómodo ante la audiencia a tenor de los extensos minutos de muchos de los temas interpretados y que vació sus dosis de creación en su total amplitud y sin reparos.

La grabación japonesa del concierto de Mehldau nos brinda la posibilidad de escuchar una de las obras que con el tiempo se convertirá en pieza clave en la discografía de este sensacional pianista. Una grabación que todo buen amante a la música de de Mehldau debe de buscar y escuchar. Imprescindible para los aficionados completistas de Brad Mehldau.

SUMRRÁ3: Ao Vivo

2011-09-24T14:06:00.000-07:00

Sumrra3

Ao vivo

- Manuel Gutiérrez: Piano.

- Xacobe Martinez Antelo: Contrabajo.

- Lar Legido: Batería.

1.- Believe In Trane.

2.- Continuo.

3.- Chanzo.

4.- Home.

5.- Mr. Jones.

6.- Nature Wine.

7.- Intruso

Temas 1, 3, 4, 5 y 7 compuestos por Xacobe Martínez Antelo y temas 2 y 6 compuestos por Manuel Gutiérrez.

Grabado en directo los días 14, 5, 6-VII-2007.

CD 2007

Free Code jazzrecords.

FC -33CD.

Sumrrá3, Ao Vivo

Muy interesante la grabación en directo que propone el grupo Sumarrá3, a través del sello discográfico gallego Free Code jazz records, y que a lo largo de los últimos años esta desarrollando una importante labor, dando a conocer un buen número de músicos gallegos. Más de un aficionado se acercará con recelo por el desconocimiento del grupo o de los propios músicos, pero tras la escucha de los primeros temas, ese recelo se tornará en curiosidad, a tenor de la sugestiva propuesta musical que plantea. La música que se escucha a lo largo de todo el concierto, presenta claras influencias de la gran tradición del trío clásico (piano-contrabajo-batería), encabezada, sin duda alguna, por Keith Jarrett, que es perceptible en más de un tema. A parte de esta tradición, también es posible distinguir influencias de grupos más actuales, como el trío escandinavo E.S.T., pues es indudable, que los músicos jóvenes nacionales cada vez tienen sus influencias mucho más cercanas en el tiempo, pero siempre, sin perder otras un poco más lejanas, que sin duda alguna forman parte de la “cimentación” de todo buen músico, y que sin ellas, difícilmente se podría avanzar. Junto con estas ascendencias es posible percibir a un trío con ideas propias, comenzando por unos temas compuestos en exclusiva por los miembros del trío, así como una sonoridad de fuerte calado interpretativo, que es realzado gracias a que la grabación del presente trabajo se llevó a cabo en directo.

Los integrantes de Sumrrá3 presentan un trabajo personal, con un complejo musical no sólo a nivel de grupo, sino también a nivel individual, pues cada músico dispone de suficiente espacio para presentar sus propias credenciales como solista, pero siempre encuadradas dentro del grupo.

El resultado de la grabación, habla por si sola de la calidad interpretativa de Sumrrá3 y no queda otro remedio que recomendar su escucha de forma bien atenta y acordarnos de esta formación, que esperamos que nos sigan deleitando con interesantes proyectos musicales en el futuro.

BRAD MEHLDAU: Solo piano, Live in Tokyo.

2011-09-19T15:05:00.000-07:00

BRAD MEHLDAU: Solo piano, Live in Tokyo.

Brad Mehldau (p).

Grabado en directo el 15 Febrero de 2003, Sumida Triphony Hall, Tokio.

Nonesuch 7559-79853-2

(Distribuidora Warner).

CD 2004.

01.- Things Behind The Sun.

02.- Intro.

03.- Some One To Watch Over Me.

04.- From This Moment On.

05.- Monk´s Dream.

06.- Paranoid Android.

07.- How Long Has This Been Going On?.

08.- River Man.

Brad Mehldau, Solo piano, Live in Tokyo

Desde su aparición como pianista con el álbum Introducing Brad Mehldau en 1995 (ya tenía con anterioridad a este año, trabajos publicados para el sello independiente Fresh Sound), su discografía ha sido abundante y hasta la fecha únicamente se le conocía a piano sólo, el extraordinario cedé Elegiac Cycle de 1999. Escaso bagaje para uno de los pianistas actuales con mejor potencial y recursos para enfrentarse a la ardua y difícil tarea de sentarse completamente solo ante el piano. Este formato es sin duda alguna, el que presenta un mayor riesgo creativo a diferencia de las grabaciones de su afamado trío, riesgo que se incrementa cuando la actuación es en directo. El directo de piano sólo, no permite al músico medias verdades, obligándole a ofrecer lo mejor de si mismo en todo momento, sin encontrarse arropado por ningún otro instrumento, y con la libertad de desarrollo de ideas que el intérprete guste.

El presente trabajo ofrece lo mejor como músico de Mehldau, citar como características un punto de vista musical profundo en sus interpretaciones; un estilo a la hora de interpretar particular e instintivo; concepción y desarrollo de ideas simples y repetitivas (en momento obsesivas) a lo largo de la interpretación; visión introspectiva y romántica en determinados momentos y la técnica de independencia de manos (desarrollada a lo largo del trabajo de una manera soberbia). Pero sin duda, una de las cualidades más sobresalientes en Mehldau es la de desarrollar numerosas ideas en un mismo momento (todas ellas autónomas y con vida propia), que permiten a Mehldau encontrar tanta riqueza en tan poco espacio musical, lo que convierte cada tema en un ir y venir de ideas constante, y que permiten su tratamiento hasta agotar las posibilidades en improvisaciones de mayor calado (ya sea a nivel armónico, de libertad o sonoro), pero sin cansar al oyente en momento alguno, pues el resultado final de todo es siempre nuevo.

Live in Tokio participa de ideas desarrolladas en el trabajo Elegiac Cycle, pero sin duda alguna presenta novedades, al utilizar un sinfín de texturas sonoras desplegadas a lo largo de todos los registros del piano (utilizando incluso los pedales de su instrumento), en ocasiones en variaciones constantes alrededor de un motivo, lo que produce una catarata de sonidos imparable. El presente trabajo se encuentra compuesto por temas standards (de George y Ira Gershwin, Cole Porter o Theloniuos Monk) y por temas contemporáneos (de Nick Drake y Radiohead). Temas que han sido desarrollados en la mayoría de las ocasiones por el trío de Mehldau, pero que en esta ocasión son ejecutados sin rítmica alguna, a piano solo.

El cedé empieza con el tema “Things Behind The Sun” de Nick Drake, en donde Mehldau despliega las primeras contingencias musicales, aportando una versión rica en matices y concepciones sonoras impactantes para el oyente y que preludia lo que será el devenir del trabajo. Los momentos más introspectivos y sensitivos provienen de los standards de los hermanos Gershwin y de Cole Porter; en particular la pieza “Intro” (único tema del pianista) que precede a “Someone To Watch Over Me”, y en donde se reconoce el estilo más propio de Mehldau, desarrollos lentos y espaciados llenos de delicadeza y exquisitez pero impregnados de una atmósfera emotiva que tejen una belleza inigualable. No menos impresionante resulta ser el citado tema “Someone To Watch Over Me”, en donde Mehldau desarrolla el tema con una cuidadosa paciencia, sometiendo su mano izquierda a una mezcla sonora de martilleo de la parte más alta del piano (que provocan un denso impacto auditivo al oyente), mientras por el contrario con su mano derecha teje y despliega líneas que desarrollan el tema con absoluta sencillez. Una obra de arte con mayúsculas.

La pieza central del trabajo de Mehldau es la versión de casi veinte minutos de Radiohead “Paranoid Android”, donde se nos presenta el pianista más cadencioso de todo el repertorio, pasando por momentos de gran repercusión sonora con ambas manos a momentos más calmados, desplegando una concepción y desarrollo de ideas simples, repetitivas, y obsesivas, que conllevan una sucesión de capas sonoras incesantes que desembocan en una mezcla de martilleo acústico, que se antoja muy “obstinado” por Mehldau. La versión resulta de un efecto implacable para el oyente, que no le dejará indiferente.

El trabajo a su vez presenta una versión de Theloniuos Monk, “Monk´s Dream”, interpretada muy a lo “Monk”, desplegando el tema a través de sucesivos cortes al más viejo estilo de su original compositor, todo ello unido a una intensa interpretación; o el tema de Nick Drake River Man con el que se cierra el compacto. Este tema, que ha sido interpretado en innumerables ocasiones por Melhdau a lo largo de su carrera, acaba con la misma energía de mezcla de martilleos en la zona más grave del piano, mientras que la mano izquierda desarrolla el tema con el mismo ímpetu acústico.

P.D. Los aficionados “completistas” de Mehldau deben de tener en cuenta que en el mercado japonés se ha publicado el mismo trabajo pero con 2 CD, incluyendo siete temas inéditos que no aparecen en la versión occidental, citar entre ellos 50 Ways To leave Your Lover, My Herat Stood Still, Roses Blue, C Tune, Walks Tune o Alfie.

KURT ELLING: Dedicated To You

2011-09-11T10:24:00.000-07:00

KURT ELLING: Dedicated To You

Kurt Elling Sings The Music of Coltrane and Hartman

- Kurt Elling: Voz.

- Laurence Hobgood: Piano.

- Clark Sommers: Contrabajo.

- Ulysses Owens: Batería.

- Ernie Watts: Saxo tenor (en los temas 1, 4-7, 10, 12).

- Corenlius Dufalo: Violín.

- Ralph Farris: Viola.

- Dorothy Lawson: Cello.

- Mary Rowell: Violín.

Grabado en concierto en el Lincoln Center´s American Songbook Series, 21 de Enero 2009.

Concord Jazz

CD 2009.

01.- All Or Nothing At All.

02.- It's Easy To Remember.

03.- Dedicated To You.

Medley:

04.- What's New (Instrumental).

05.- Lush Life.

06.- Autumn Serenade.

07.- Say It (Over and Over Again).

08.- They Say It's Wonderful

Medley:

09.- My One And Only Love.

10.- Nancy With The Laughing Face

11.- Acknowledgements.

12.- You Are Too Beautiful.

Kurt Elling, Dedicated to you (Concord, 2009).

Hablar de Kurt Elling es hacerlo del que es posiblemente el mejor cantante de jazz que existe en la actualidad. Siendo esta circunstancia un hecho incuestionable en estos momentos, también existe un convencimiento de que no ha recibido el mismo reconocimiento por parte de los aficionados. Ello ha sido toda una injusticia a tenor de los méritos que ha atesorado Elling a lo largo de los años, y muy especialmente por la calidad de las grabaciones que ha llevado a cabo y de los conciertos que desarrolla.

Dedicated To You ostenta la marca de calidad del cantante norteamericano y rinde homenaje a una de las mejores y más deliciosas grabaciones vocales de todos los tiempos, la protagonizada en el año 1963 por el saxofonista John Coltrane y el vocalista Johnny Hartman. El presente compacto esta conformado por temas de la mencionada grabación de Coltrane-Hartman, así como algunos otros provenientes de otra grabación del saxofonista americano, Ballads. Para esta grabación Elling cuenta con la ayuda de su fiel escudero al piano, Laurence Hobgood, (junto a su trío), la contribución de un cuarteto de cuerdas y la aportación estelar de un espléndido Ernie Watts, lo que nos proporcionan una deliciosa y disfrutable sesión de principio a fin.

Sesión del concierto que pertenece al CD, Dedicated To You

La presencia del cuarteto de cuerdas a lo largo de toda la sesión ofrece una atmósfera muy romántica que es aprovechada por el propio Elling, lo que permite con su característico estilo barítono y por momentos cierta afectación emocional, desarrollar temas con una tensión emocional e interpretativa de altos kilates, como por ejemplo en “Say It (Over and Over Again)” o en “My One And Only Love”. En otros momentos la voz de Elling rezumada expresividad, calidad vocal y de recursos y ante todo de buen gusto, lo que nos permite comprobar de la calidad interpretativa y musical del proyecto, como se puede comprobar en el tema “You Are Too Beautiful”. Al mismo hay que señalar la empática aportación de los músicos que participan, comenzando por el Laurence Hobgood y su trío, perfecto complemento para Elling en todo momento, como en el tema “They Say It´s Wonderful”, el pianista es el asiduo acompañante del cantante en la práctica totalidad de los proyectos que ha llevado a cabo, pasando por la aportación del cuarteto de cuerdas, pero muy especialmente las contribuciones de Ernie Watts, por momentos incendiarias pero siempre ricas, creativas y arriesgadas en todo momento.

Dedicated To You es un extraordinario disco, en donde creatividad y musicalidad se dan la mano para demostrarnos que el jazz vocal puede ofrecernos alta cotas de buena música, y más si provienen de parte de este excelente y magnífico cantante que es Kurt Elling.

GERALD CLEAVER: Uncle June-Be It As I See It (digipack edition).

2011-08-29T15:31:00.000-07:00

GERALD CLEAVER: Uncle June-Be It As I See It (digipack edition).

Gerald Cleaver (d, perc, voz), Andrew Bishop (fl, ss, b-cl, ts), Tony Malaby (ss, ts), Craig Taborn (p), Drew Gress (b), Mat Maneri (viola), Ryan MacStaller (g), Andy Taub (banjo), Jean Carla Rodea, John Cleaver (voces).

Fresh Sound New Talent

CD FSNT 375

2010

01. To Love (2:59)

02. Charles Street Sunrise (2:26)

Fence & Post (For Mon & Dad)

03. Alluvia (1:59)

04. The Lights (3:35)

05. Lee / Mae (4:46)

06. Statues / UmbRa (4:26)

07. Ruby Ritchie / Well (7:19)

08. He Said (1:54)

09. Gremmy (6:33)
10. Charles Street Quotidian (6:20)

11. 22 Minutes (The Wedding Song) (4:56)

12. From A Life Of The Same Name (6:14)

Gerald Clever, Uncle June-Be It As I see It (FSNT, 2010)

Uncle June es el último trabajo como líder del baterista de Detroit pero afincado en Nueva York, es una grabación conceptual (la emigración de su familia como leit motiv) tremendamente ambiciosa y experimental. Con una formación en sexteto, la música que desprende el grupo liderado por Clever es densa, abstracta y poliédrica a lo largo de toda la grabación, ello hace que en muchos temas la musicalidad se expanda en un sin fin de direcciones y que cohabiten conceptos y acepciones musicales tan diferentes como la libertad expresiva, la melodía o la estructura formal, entremezclados con concepciones poéticas y líricas baladas.

Todo lo comentado proviene de secciones con pianos eléctricos, de atmósferas cargadas de tensión musical, pasajes muy abstractos en diversos niveles interpretativos, o de sonoridades que juegan tanto con el tono como el timbre de los instrumentos. Ante todo este caldo de cultivo musical, instrumentistas como Tony Malaby (excelente su sonoridad), Craig Taborn (piano profundo y arriesgado) o Mat Maneri (aportaciones excelentes) se mueven a la perfección a lo largo de toda la grabación, y en donde la contraposición y pugna de estilos musicales bien diferentes hacen de la misma su punto fuerte. Un disco realmente muy bueno.

SERGI SIRVENT: El Pes de les Balances

2011-08-16T14:20:00.000-07:00

SERGI SIRVENT: El Pes de les Balances

Piano Solo

.- Sergi Sirvent: Piano.

Fresh Sound New Talent.

2 CD.

FSNT 379
2010

CD 1: MÚSICA ESCRITA:

El pes de les balances

01. I Visualització (4:21)

02. II Elucubracions (7:38)

03. III Equilibri (4:48)

04. IV Absència (5:30)

05. Empalagós i subtil (5:18)

06. La flor de pell (9:16)

07. La casa con demasiados espejos (8:12)

08. Una fracció de temps a la terra (3:01)

09. Fe neutra, voluntat cega (13:18)

10. Tres quarts del mateix / Múltiples de 3 (7:29)

11. Música per a piano & címbals (5:35)

12. Dolç (5:04)

CD 2: IMPROVISACIONS:

01. La memòria del color (7:16)

02. Octaves (4:17)

03. A mà dreta, a mà esquerra o la conjunció irreal (7:28)

04. Freely (2:28)

05. Àmbits interns en expansió (13:59)

06. Torn de preguntes (3:31)

07. Ego (2:15)

08. Not yet, yeti (3:25)

09. Psicatriu (3:58)

10. Unless (5:02)

11. Connexions en l'efervescència (6:03)

12. La idealització d'un II-V-I (2:46)

13. Pensaments (3:20)

14. Les ganes de viure i altres contratemps (5:03)

15. Conte inventat (6:28)

Sergi Sirvent, El Pes de les Balances (FSNT, 2010)

El Pes de les Balances (El peso de las balanzas) es el sugestivo y ambicioso trabajo que nos propone el pianista catalán Sergi Sirvent. Ambicioso en el sentido de conformar una grabación en solitario y constituido por dos compactos, un primero compuesto a base de música completamente escrita (como la suite de cuatro movimientos que da lugar al disco), y un segundo compacto por el contrario a base de composiciones completamente improvisadas.

El reto de combinar música pautada y música improvisada ha sido uno de los motores interpretativos a lo largo de la historia del jazz, y en este caso concreto el desafío de Sergi Sirvent. Hacer que la "balanza" de ambas concepciones suene fresca e intuitiva es posible, con un primer cedé conformado a base de piezas con ciertas dosis de modernidad, elementos minimalistas, silencios, ostinatos y momentos reflexivos, piezas escritas con ciertas dosis de libertad interpretativas pero que forman o que son parte de esa misma música escrita, y un segundo cedé, que es la cara contraria de una misma moneda, composiciones totalmente improvisadas y que sirven para comprobar un registro musical bien diferente del pianista.

El final de la escucha de este trabajo planteará a más de un aficionado la posibilidad que la música escrita suene y tenga convicción de música improvisada o que la música improvisada tenga entidad y calidad de música pautada en el momento concreto de su creación (la llamada creación instantánea). Un trabajo realmente atractivo y fascinante que no debería pasar inadvertido para los aficionados, y muy especialmente para los apasionados a los compactos de piano solo.

AGUSTÍ FERNÁNDEZ: El laberint de la memòria

2011-08-08T13:45:00.000-07:00

AGUSTÍ FERNÁNDEZ: El laberint de la memòria

- Agustí Fernández: Piano.

Grabado en L'Obrador, Sant Pere de Vilamajor, durante 2010.

Mezclado y masterizado por Ferran Conangla en FCM Estudis el 23 de junio de 2010.

Foto por Trine Sondergaard "Interieur", cortesía de Martin Asboek Gallery, Dinamarca.

Diseño de Pedro Efe.

Producido por Agustí Fernández para Mbari.

Dedicado a la memoria de Joan Fernández (1928-2009) y Joana Garrido (1929-2010)

Mbari 04, 2011

01.- Joan i Joana.

02.- Aparició i desaparicions.

03.- El laberint de la memòria.

04.- El pinzell del Perico.

05.- Tonada.

06.- Pluja sorda.

07.- Porta de Mar.

08.- Flamarades.

09.- Catedral.

10.- La processó.

11.- L'esmolador.

12.- Evanescent.

13.- Preludi.

14.- El final és el començament.

Agustí Fernández, El Laberint de la Memòria (Mbari, 2011)

Agustí Fernández es uno de los músicos más interesantes e importantes de nuestro panorama musical. Su curriculum profesional es lo suficientemente importante para que sea tenido en cuenta por el aficionado poco instruido en materia jazzística. Explorador incansable e inclasificable, músico inquieto y prolífico, El laberint de la memòria es una de sus más recientes novedades. Quien conozca la personalidad musical de Agustí Fernández no se llevará ninguna sorpresa cuando escuche la obra que comentamos, pues el pianista mallorquín como he comentado anteriormente detenta una mente musical muy abierta, todo y tener una trayectoria que se ha centrado principalmente en la improvisación libre, el free jazz y las técnicas ampliadas del piano contemporáneo.

El laberint de la memòria es un pequeño regalo para los aficionados que nos demuestra una vez más lo extraordinariamente versátil que es Fernández. Siete años ha tardado en grabar un nuevo disco a piano solo, el último en este formato es el referenciado originalmente como Camallera (G3G/Sirulita, 2004), y sin duda alguna siendo un periodo excesivamente prolongado en el tiempo, la espera no cabe la menor duda que ha valido la pena.

Este proyecto tal y como comenta el propio pianista en las notas de la carpetilla del compacto, ha sufrido un proceso de maduración de más de dos años desde que le fuera propuesto por Joào Santos, productor del sello discográfico Mbari. La idea inicial era realizar una grabación a piano solo a partir de la música clásica española para piano del siglo XX, pero el proceso de maduración culminó en una música completamente original concebida por parte de Agustí Fernández, pero sustentada como base de inspiración en la música española. Ello hace afirmar al propio pianista que "(...) soy plenamente consciente de que las piezas de este disco son ecos de otras músicas. Probablemente, éstas sean a su vez ecos de otros ecos. Ecos que destacaron por cualquier razón sobre un ruido de fondo primigenio y que acaso revelan una dimensión oculta y misteriosa, agazapada en sus pequeños recovecos armónicos. Sonidos que moldean nuestra percepción y que acaso nos hablan de cómo escuchamos, de cómo vivimos, de cómo somos." Este proyecto metamusical permite al aficionado disfrutar de un mundo musical amplio y heterogéneo, en donde hace acto de presencia el acervo musical del que se ha alimentado a lo largo de su vida musical Agustí Fernández. El pianismo de Fernández permite escuchar un mundo amplio, híbrido y dilatado, atento a un sinfín de músicas y estilos. En este compacto es posible escuchar temas con un fuerte calado emocional, como el tema “El Pinzell del Perico” o con el que se inicia el compacto, “Joan i Joana”, en donde el carácter apasionado y melodioso se solidariza con una interpretación comedida pero nunca empalagosa, donde las notas y la repercusión de las mismas fluyen de forma armoniosa y que permite distinguir ciertos “ecos” de la música de Mompou, todo un maestro en el tratamiento del silencio y de la interpretación minimalista del piano. O el tema “La Processó”, una pequeña maravilla creada principalmente a base de acordes y de su repercusión en la interpretación como leitmotiv creativo. También es posible percibir ciertas sonoridades aflamencadas en los temas, “Tonada” o “Porta de Mar” y que denota de forma clara la presencia de la tradición del piano español del siglo XX. La vertiente más exploradora, expansiva y más natural de Agustí Fernández hace acto de presencia en los temas “Pluja Sorda” a base de sonidos percusivos, “Flamarades” mezcla de libre improvisación y ecos hispánicos, “Catedral” elaborado a base de un fuerte manto sonoro que recorre el tema de principio a fin, o “Evanescent” cimentado en la superposición de sonidos y notas disonantes. El compacto finaliza con toda una declaración de principios con el tema “El final és el començament” (el final es el comienzo), pues tras la finalización de la escucha del compacto no queda otra opción que volver a escuchar la música del mismo, pues a buen seguro se descubrirán y redescubrirán nuevas texturas sonoras.

En definitiva un excelente compacto que servirá para conocer al pianista mallorquín Agustí Fernández, para aquellos aficionados que aún no lo conozcan, o que por el contrario permitirá a los que sigan su carrera profesional descubrir nuevas facetas y planteamientos musicales de uno de los músicos más inquietos de la escena jazzística.

QUINCY JONES: Soul Bossa Nostra

2011-08-01T14:54:00.000-07:00

QUINCY JONES: Soul Bossa Nostra

Colaboran: Akon, David Banner, Mary J. Blige, B.o.B., Tevin Campbell, Rudy Currence, Jamie Foxx, Jennifer Hudson, Wyclef Jean, Talib Kweli, John Legend, LL Cool J, Ludacris, Mohombi, Maturally 7, Prince Charlez, Q-Tip, Alfredo Rodriguez, Snoop Dogg, T.I., T-Pain, Robin Thicke, Three 6 Mafia, Tyrese, Usher, Barry White, Bebe Winans y Amy Winehouse.

Qwest Records, 2010

8001429402

01.- Ironside.

02.- Strawberry Letter.

03.- Soul Bossa Nostra.

04.- Give Me Night.

05.- Tomorrow.

06.- You Put A Move On My Heart.

07.- Get The Funk Out Of My Dance.

08.- Secret Garden.

09.- Betcha Wouldn´t Hurt Me.

10.- Everything Must Change.

11.- Many Rivers Ago.

12.- P.Y.T. (Pretty Young Thing).

13.- It´s My Party.

14.- Hinkky-Burr.

15.- Sanford And Son.

Quincy Jones, Soul Bossa Nostra (Qwest Records, 2010)

La presente entrada sirve como homenaje a uno de los personajes más eclécticos y heterogéneos que ha dado la música americana de todos los tiempos. Se trata del músico, compositor, arreglista, productor y director de orquesta Quincy Jones. Quincy Jones ha tocado recientemente en el Festival de verano del Castillo de Perelada junto a The Global Gumbo All Stars.

Mencionar el nombre de Quincy Jones es sinónimo de música en el sentido más amplio de la palabra. Y en concreto desde que a los doce años de edad se enamorara perdidamente del estilo de jazz que por aquellas fechas estaba arrancando con fuerza, el estilo bebop. Fue Lionel Hampton quien le dio la oportunidad de comenzar a trabajar en el mundo del jazz y desde entonces no ha parado. Ha compartido y aprendido con infinidad de músicos entre ellos algunos de los más grandes del jazz, desde Miles Davis a Clark Terry hasta Count Basie o el mismísimo Ray Charles. El curriculum de Quincy Jones es de los que hace vértigo de tan sólo leerlo, pues ha realizado arreglos para Frank Sinatra, Ray Charles o Celine Dion, y ha compuesto bandas sonoras como “El Prestamista” (1964) para el director Sidney Lumet, o “A Sangre Fría” para Richard Brooks. También produjo la conocida serie de televisión “El Príncipe de Bel Air”, y compuso la música para el telefim “Ironside”, así como la música para la cabecera del conocido programa de televisión el “Show de Bill Cosby”. Ha obtenido 27 premios Grammy de 79 nominaciones, 7 nominaciones a los Oscar y obtuvo el premio Emmy por la música de la serie “Raíces”. Ostenta doctorados de diversas universidades así como un buen número de condecoraciones, Francia le otorgó la Legión de Honor, y así mismo ha recibido la Orden de las Artes y Letras del Ministerio francés de Cultura, el codiciado Premio Polar Music de la Real Academia Sueca, y el Premio Rodolfo Valentino de la República Italiana, o la Medal of Arts del Congreso de los Estados Unidos.

Entre los años 1979 y 1989 produjo tres de los discos más emblemáticos de Michael Jackson, Off The Wall, Thriller (ostentando este la distinción de ser el disco más vendido de todos los tiempos) y Bad. También ostenta el honor de tener el record de ventas de una sola canción con We Are The World, un tema para recoger fondos en favor del hambre en Etiopía que contaba con un sinfín de estrellas de todos los estilos musicales, entre ellas Bruce Springsteen, Stevie Wonder, Bob Dylan, Paul Simon, Tina Turner, Michael Jackson, Diana Ross, Cindy Lauper o Ray Charles entre otros.

La grabación que comentamos, Soul Bossa Nostra, es el más reciente proyecto llevado a cabo por Quincy Jones (la primera grabación en quince años), y no siendo el mejor de su carrera discográfica resume a la perfección su hacer musical a lo largo de los años, una soberbia producción (producción global) y un número considerable de invitados (en su mayoría para esta ocasión decantados al estilo hip-hop). Soul Bossa Nostra se podría decir que es una revisión de algunos temas que ha llevado a cabo a lo largo de los años, ya sea como compositor o productor y a través del filtro de artistas de distintos estilos musicales desde el R&B, el pop y muy especialmente en el hip-hop.

El compacto se inicia con la interpretación del tema que Quincy Jones realizó para la serie de televisión “Ironside”, y en donde apoyado en una base orquestal y con ciertas pinceladas y toques jazzísticos el mismo es desarrollado por el rapero Talib Kweli de forma muy energética y vigorosa. Algo parecido ocurre con el clásico tema de The Brothers Johnson “Strawberry Letter 23”, en donde los ritmos de hip-hop marcan la sonoridad y la interpretación del mismo. El tema que Rod Temperton escribió para George Benson, y unos de los más conocidos del guitarrista, “Give Me The Night”, peca de un excesivo tratamiento hip-hopero y nos depara una versión completamente olvidable. Tampoco sale muy bien parada la versión del tema que ya grabase Quincy Jones en su disco Back On The Block (Qwest, 1989), “Secret Garden”. Mientras que la primera versión destilaba sensualidad y una ambiente totalmente smooth a cargo de unos consumados especialistas como eran El Debarge, James Ingram o Al B. Sure! con la participación estelar de Barry White, por el contrario la versión que aparece en Soul Bossa Nostra es mucho más rítmica con ciertas dosis de rap pero despojada de todo carácter sensual y baladista del original, todo y mantener la voz original de Barry White. Muy interesante y acertada la versión que lleva a cabo Bebe Winans del clásico tema “Everything Must Change”, con un sonoridad muy soul gracias a la estupenda voz del solista y a unos elegantes arreglos en las cuerdas, es posiblemente el tema deleitable del compacto. Por el contrario completamente olvidable es la versión “robotizada” del tema que hiciera famoso Michael Jackson, “P.Y.T. (Pretty Young Thing)”. La participación de la recientemente desaparecida Amy Winehouse en el tema “It´s My Party”, se encuentra en su línea vocal un tanto “canalla” que nos recuerda una sonoridad de tiempos pretéritos.

En conclusión y tal como he comentado, sin ser uno de sus mejores discos de Quincy Jones, Soul Bossa Nostra es un trabajo que se deja escuchar en la mayoría de los temas pero sin duda alguna ninguno de ellos pasará a la posteridad musical. Sirva la presente entrada para hacer un homenaje a unos de los productores musicales más importantes de la música americana.

CHARLES LLOYD Quartet: Mirror

2011-07-22T15:19:00.000-07:00

CHARLES LLOYD:

CHARLES LLOYD Quartet: Mirror

- Charles Lloyd: Saxo tenor, saxo alto y voz.

- Jason Moran: Piano.

- Reuben Rogers: Contrabajo.

- Eric Harland: Batería.

ECM Records, 2010

ECM 2176 274 0499

1.- I Fall In Love Too Easily.

2.- Go Down Moses.

3.- Desolation Sound.

4.- La Llorona.

5.- Caroline, No.

6.- Monk´s Mood.

7.- Mirror.

8.- Ruby, My Dear.

9.- The Water Is Wide.

10.- Lift Every Voice and Sing.

11.- Being and Becoming.

12.- Tagi.

Charles Lloyd Quartet, Mirror (ECM, 2010)

La última grabación como líder del saxofonista norteamericano Charles Lloyd es una auténtica maravilla de principio a fin. Su producción musical a lo largo de estos últimos años en el sello discográfico de Manfred Eicher, ECM records, además de ser cuantiosa es de una calidad tanto conceptual como musical que ningún aficionado debería dejar pasar, y el presente proyecto que comentamos, no se aleja en un ápice de lo señalado.

El primer cambio y que supuso una inyección de aire fresco en el grupo del saxofonista, fue la inclusión del pianista Jasón Moran (que ya participó en la grabación Rabo de Nube –ECM Records, 2008). Lloyd se ha caracterizado a lo largo de su extensa carrera musical por tener en sus filas a grandes pianistas, citar a modo de ejemplo a Michel Petrucciani, Bobo Stenson, Geri Allen o el mismísimo Brad Mehldau. En esto momentos es el turno de Moran, reconocido hoy por hoy como uno de los pianistas más interesantes a nivel musical y con una carrera en solitario perfectamente consolidada, Moran no dudó en participar en el grupo de Lloyd, hasta el punto que su participación es decisiva en el presente proyecto (los aficionados que hayan tenido la posibilidad de asistir a los conciertos que llevó a cabo el grupo de Lloyd en nuestro país, así lo podrán confirmar). Moran dispone de gran espacio para desarrollar su pianismo, en todo momento muy heterogéneo, extraordinariamente versátil y demostrando tener diversos registros musicales que desarrolla de forma clara y contundente.

El trabajo se encuentra conformado en su mayoría por melodías a medio tiempo, algunos temas que ya forman parte del repertorio de Lloyd (como “Mirror”) y conocidos standards, como “I Fall In Love Too Easily”, “Monk´s Mood” o “Ruby, My Dear”. Es especialmente reseñable la gran cohesión que demuestra el grupo en todo momento, pasando por temas con diversas ascendencias: comenzado por el standard “I Fall In Love Too Easily” de fuerte calado sentimental y muy sensitivo; el tema tradicional “Go Down Moses” (con un Moran con ciertas tendencias minimalistas y una sección rítmica que se ajusta a la continencia musical tanto de Lloyd como de Moran) o temas de con grandes dosis de exploración como “The Water Is Wide” o “Lift Every Voice And Sing”, este último interpretado por parte del saxofonista y el pianista con extraordinaria fiereza y donde se puede apreciar elementos de la libre improvisación (tendencia que Lloyd conoce a la perfección). La grabación así mismo cuenta con dos interesantes versiones de dos de los más conocidos standards de Monk, “Monk´s Mood” y “Ruby, My Dear”. La música de Monk es un terreno donde Moran se encuentra extraordinariamente confortable y donde despliega alguno de los mejores solos de la grabación, con un discurso elaborado y denso a nivel armónico. Apuntar por último el excelente trabajo desarrollado por la sección rítmica, a cargo de Reuben Rogers al contrabajo y del siempre solvente y efectivo Eric Harland a la batería.

Un extraordinario trabajo.

RS FAKTOR Quintet: Starting!

2011-07-13T13:20:00.000-07:00

RS FAKTOR Quintet: Starting!

- Rubén Salvador: Trompeta y fliscornio.

- Julen Izarra: Saxo Tenor.

- Satxa Soriazu: Piano.

- Javier Mayor de la Iglesia: Contrabajo.

- Hilario Rodeiro: Batería

Errabal, 2011

ER. 043

1.- Nire Lagunentzat.

2.- Starting.

3.- Hortzak.

4.- P.F.B.

5.- The Power of Dreams.

6.- Bonica.

7.- Buenos Modales.

8.- Madame Poirot.

RS Faktor Quintet, Starting! (errabal, 2011).

El sello discográfico del País Vasco Errabal ya hace unos años que está despeñando una arriesgada e interesante propuesta al apostar por proyectos de músicos nacionales en donde prima por encima de todo el repertorio original a los temas standards. Bajo el paraguas de un cuidadoso diseño en la confección de las referencias que van publicando, Errabal en el presente año 2011 nos presenta una interesante grabación liderada por el trompetista Rubén Salvador bajo la formación denominada RS Faktor.

RS Faktor es un grupo estable de cinco músicos que desarrollan una música completamente original pero fuertemente enraizada en la tradición jazzística, lo que no es óbice para la búsqueda de una voz personal y actual, y por ende con un sello de entidad propio. Siendo Rubén Salvador el líder de la formación lo interesante de la presente grabación es la participación colectiva de todos los músicos, y por tanto la condición grupal del jazz que desarrollan. Señalar de entrada el binomio musical formado por la trompeta de Rubén Salvador y el saxo tenor de Julen Izarra. Estos músicos presentan su propio discurso musical no como una oposición al de su compañero, sino como un aporte de ideas que son aprovechadas en pos de sus propias aportaciones y muy especialmente para las contribuciones del resto de miembros de la formación, entendida esta última como fuente creativa en su conjunto. Escúchese los desarrollos de Izarra en el tema que da título al compacto “Starting”, en “The Power Of Dreams” o en “Bonica”, con una sonoridad rica, lírica y en muchos momentos cadenciosa. No es menos en este sentido el líder de la sesión, que nos deja entrever la influencia de Miles Davis en el tema “Hartzak”, que se encuentra parcialmente basado en las armonías del tema “Freddie Freeloader” del disco de Davis, Kind Of Blue, o el tema “Buenos Modales”, con ciertos aires contemporáneos y sonoridades eléctricas, que aportan ese punto diferente y actual del jazz de nuestros días, o la preciosa balada con que cierra el disco “Madame Poirot”, y que es un mano a mano entre Ruben Salvador y el piano Soriazu, una composición llena de ternura y sensibilidad. Los dos instrumentos de viento se encuentran perfectamente secundados por las líneas del piano de Satxa Soriazu, las precisiones en el acompañamiento del contrabajo de Javier Mayor de la Iglesia y la batería siempre precisa y preciosista de un excelso Hilario Rodeiro.

En definitiva, un interesante disco de unos jóvenes músicos al que habrá que estar atentos para seguir su trayectoria musical en los venideros años.

MILES DAVIS: Tutu (Deluxe Edition)

2011-07-07T14:12:00.000-07:00

MILES DAVIS: Tutu (Deluxe Edition)

CD 1:

- Miles Davis: Trompeta.

- Todos los otros instrumentos por Marcus Miller excepto los que se indican: programación de sintetizadores: Jason Miles; programación de sintetizadores adicional: Marcus Miller, Adam Holzman; percusión en “Tutu”, “Portia”, “Splatch” y “Backyard Ritual”: Paulinho da Costa; Solo de sintetizador en “Splatch”: Adam Holzman; percusión adicional en “Splatch”: Steve Rich; Guitarra contrabajo en “Backyard Ritual”: Marcus Miller; otros instrumentos de percusión, guitarra contrabajo y trompeta en “Backyard Ritual”: George Duke; Batería y percusión en “Tomaas” : Omar Hakim; Sintetizadores adicionales en “Tomaas” y “Don´t Lose Your Mind”: Bernard Wright; Violín eléctrico en “Don´t Lose Your Mind”: Michael Urbaniak.

CD 2:

Miles Davis Octet:

- Miles Davis: Trompeta y sintetizadores.

- Bob Berg: Saxofón.

- Robben Ford: Guitarra.

- Robert Irving III: Sintetizador.

- Adam Holzman: Sintetizador.

- Felton Crews: Bajo eléctrico.

- Vicent Wilburn, Jr.: Batería.

- Steve Thornton: Percusión.

Warner Bros, 2011

8122797687

CD 1:

1.- Tutu.

2.- Tomaas.

3.- Portia.

4.- Splatch.

5.- Backyard Ritual.

6.- Perfect Way.

7.- Don´t Lose Your Mind.

8.- Full Nelson.

CD 2:

LIVE PERFORMANCE FROM NICE FESTIVAL, FRANCE. PREVIOUSLY UNRELEASED.

Recorded July 1986, Jardin des Arênes de Cimiez, Nice.

1.- Opening Medley (“Theme From Jack Johnson”/”Speak”/”That´s What Happened”)

2.- New Blues.

3.- Maze.

4.- Human Nature.

5.- Portia.

6.- Splatch.

7.- Time After Time.

8.- Carnival.

Miles Davis, Tutu, Deluxe Edition, 2011 (2 CD).

Se acaba de reeditar en una edición de lujo uno de los discos más emblemáticos de Miles Davis de su última etapa, Tutu, y ello con motivo del veinte cinco aniversario de la publicación del mismo. Sin ser una de las mejores grabaciones en la discografía de Davis, la misma tuvo cierta relevancia así como bastante controversia cuando se publicó originalmente en el año 1986. El simple título del mismo evocaba el apellido de un prestigioso líder de la población negra sudafricana, el reverendo Desmond Tutu. Tutu adquirió fama durante la década de los años 80 principalmente por su oposición al Apartheid que reinaba en Sudáfrica y fue condecorado con el Premio Nóbel de la Paz en el año 1984. El trabajo de Miles incluía así mismo un tema en homenaje a otro histórico y veterano dirigente contra el movimiento del Apartheid, “Full Nelson”, dedicado a Nelson Mandela.

Tutu fue el primer disco que grabó Davis con una nueva discográfica tras su estancia de más de treinta años con CBS-Columbia. Los motivos que alegó Miles Davis para la no renovación por CBS resultaron un tanto incongruentes, al afirmar que dejó esta discográfica porqué no le interesaba la música nueva y que tan sólo tenían interés en promocionar a artistas blancos de pop y que por tanto, no le quedó más remedió que cambiar de compañía de discos si quería mantener su música etiquetada como jazz. Todo y ello, la incongruencia que se apuntaba radicaba en el pequeño detalle que la compañía que le contrato (WEA) se encontraba por aquella época demanda judicialmente por el senador negro Jesse Jackson, que la acusaba de racismo en su política artística. Esta circunstancia resultaba irónica pues Tutu, tal y como se ha señalado, rendía homenaje a dos de las principales figuras de la lucha contra el racismo en Sudáfrica, Tutu y Mandela.

Tutu representó para Miles Davis un nuevo cambio en su dirección musical, así como la posibilidad de mantenerse y perpetuarse como gran figura del jazz, y a su vez concebirse como un súper héroe del pop, ganando seguidores y aficionados de cualquier condición gracias principalmente a sus mástodónticas y millonarias giras por Europa. Este cambio ya venía manifestado en anteriores discos a la aparición de Tutu, en concreto en Decoy (CBS, 1983) y muy especialmente su último disco para CBS, You´re Under Arrest (CBS, 1985).

En relación a este disco el propio Miles Davis en su autobiografía (DAVIS, Miles & TROUPE, Quincy, Miles, La Autobiografía; Gubern, Jordi -trad.- 1ª edición Barcelona: Ediciones B, 1991, 375 pag. ISBN 84-406-1975-8) apunta que, “grabé mi primer álbum para la Warner Bross en 1986 y lo titulé Tutu en homenaje al obispo Desmond Tutu, premio Nobel de la Paz. La canción Full Nelson está dedicada a Nelson Mandela. En principio íbamos a titular el álbum Perfect Way, pero a Tommy LiPuma, mi nuevo productor en la Warner, no le gustó este título, y fueron ellos los que sugirieron Tutu, al que enseguida dí mi aprobación… Aquel fue el primer álbum que trabajé extensamente con Marcus Miller. De hecho el álbum empezó con una música que me envío el pianista George Duke. Luego resultó que no utilizamos la música de George, sino que Marcus la oyó y escribió algo inspirado en ella. Finalmente dije a Marcus que escribiera algo más. Lo hizo pero no me gustó y durante algún tiempo estuvimos dándole vueltas hasta encontrar algo que nos gustase a los dos”.

Portada original de Tutu.

Tutu fue el resultado de la suma de dos enormes talentos, uno el que aportó el bajista, productor y compositor Marcus Miller, y el talento en la parte interpretativa que devino del propio Miles Davis. Marcus Miller que por aquellas fechas tenía 27 años se había granjeado una merecida fama en el mundo del jazz, del R&B y de la música popular. Como músico había participado en sesiones para figuras de la talla de Grover Washington, Jr., Carly Simon, McCoy Tyner, Bryan Ferry o Billy Idol, así como productor de Luther Vandross, David Sanborn o The Tempations. Marcus Miller era un músico todo terreno que podía trabajar en cualquier estilo de música (pop, rock, funk, hip-hop, etc), ya fuera en un estudio de grabación o en directo. Miller fue el encargado de componer la práctica totalidad de los temas del álbum, pero así mismo ejecutó un buen número de instrumentos, participando en la grabación de forma puntual otros músicos. Parece ser que la compenetración musical fue un hecho que quedó perfectamente reflejado en la grabación, a consecuencia que los temas se grabaron en primeras y segundas tomas, lo que demostró el alto grado de complicidad entre Miller y Davis, así como del resto de músicos que participaron. Tutu representó ser todo un triunfo creativo a diversos niveles, en primer lugar estético por la presentación de una portada en blanco y negro con la cara de Miles Davis así como las fotos interiores en donde aparecían las manos del músico, y en segundo lugar musical, por el atrevimiento que conllevó a Miles Davis a dar un nuevo paso adelante en su faceta de creador, títulos como “Tutu” o “Portia” devinieron rápidamente clásicos en el repertorio de Davis, así lo atestiguan las interpretaciones en un buen número de actuaciones en directo a lo largo de los años. Por diversas razones (parece ser que por problemas de agenda del propio Davis) Warner Brothers publicó Tutu en la primera semana de Octubre de 1986, lo que permitió escuchar en un buen número de conciertos en directo material procedente de este trabajo, en concreto los temas “Tutu”, “Portia” o “Splatch” (así lo podemos comprobar en el concierto en directo que se acompaña en esta edición en un segundo compacto del Festival de Jazz de Niza de Julio de 1986).

Mano de Miles Davis.

El repertorio de Tutu estuvo claramente influenciado por los estilos y músicas de la década de los años 80, muy principalmente por los sintetizadores y los experimentos electrónicos así como por los ritmos provenientes de músicos como Prince (la admiración y respeto entre ambos músicos fue mutua, lo que conllevó que actuasen en directo, quedando plasmado documento sonoro de la mencionada actuación en un bootleg titulado Prince: Miles From The Park).

CD Bootleg, Prince: Miles From The Park.

Con respecto a la música de Tutu apuntar que Miles Davis se encuentra en una estupenda forma musical, de su trompeta emana un lirismo inconformista y rebelde que en muchas ocasiones es ensombrecido por un exceso de ritmos sintetizados, en donde un sonido ostentoso y machacón (y por momentos obsesivo) roba protagonismo a la trompeta y música de Davis. Los temas más bellos a nivel musical son el que da titulo al álbum y “Portia”, en este último la presentación del tema por parte del trompetista es de una sencillez y de una preciosidad digna del mejor Davis. “Full Nelson” por el contrario presenta una acusada influencia de Prince tanto en la forma como en el desarrollo del mismo, tan sólo hay que escuchar el inicio del tema para percatarse de la mencionada ascendencia del músico de Minneapolis. O el tema “Blackyard Ritual” que presenta una onda mezcla de música disco y música funky, en donde resalta la presencia del teclista, compositor, productor y arreglista George Duke (ex compañero de Cannonball Adderley, Frank Zappa, Billy Cobham o Stanley Clark entre otros). La vena más fusionera del disco proviene de la presencia de instrumentistas seguidores de este estilo musical, entre ellos el mencionado George Duke, Omar Hakim, Paulinho Da Costa o Bernard Wright.

Junto con el álbum remasterizado de Tutu esta edición presenta una grabación en directo y completamente inédita (inagotable la cantidad de música que todavía existe) del grupo de Miles Davis en el Festival de Jazz de Niza, grabado antes de la publicación del mencionado álbum en Julio de 1986, (Jardin des Arênes de Cimiez, Nice). Este concierto presenta repertorio de Tutu, en concreto dos temas (“Portia” y “Splatch”), así como otros temas clásicos en el repertorio de Miles, el tema de Michael Jackson (por aquellas fechas el gran rival musical de Prince) “Human Nature”, o el archi famoso tema de Cyndi Lauper “Time After Time”. Señalar las extraordinarias y ricas aportaciones de la guitarra de Roben Ford (con aires con cierta tendencia al rock y especialmente al blues) y el saxo de Bob Berg.

Sin lugar a dudas un disco (con material inédito incluído) que debería de formar parte de toda buena discoteca que se precie de uno de los maestros del jazz de todos los tiempos.

RICARD RODA QUARTET Featuring Ricard Miralles, Enric Ponsa & Josep Tudurí

2011-06-25T10:24:00.000-07:00

RICARD RODA QUARTET Featuring Ricard Miralles, Enric Ponsa & Josep Tudurí: Asteriscs

Ricard Roda Quartet:

Ricard Roda (sa, flauta), Ricard Miralles (p), Enric Ponsa (cb) y Josep Tudurí (bat). Grabación de 1968.

Tete Montoliu y su Cuarteto:

Ricard Roda (sa), Tete Montoliu (p), Eduardo García (cb) y Ramón Farrán (bat). Grabación de Noviembre de 1958.

Fresh Sound Records, 2010

FSR 1650

Ricard Roda Quartet Asteriscs (Fresh Sound Rercords, 2010)

La reedición por parte de Fresh Sound Records de la música de Ricard Roda es un sentido y merecido homenaje a uno de los músicos más interesantes y menos valorado del jazz catalán y nacional, que murió el pasado 18 de Noviembre de 2010. Una injusticia que con el presente compacto se quiere subsanar y ante todo dar a conocer, y que permitirá apreciar la extraordinaria calidad que como músico ostentó Ricard Roda.

Hablar de jazz en los años sesenta en Barcelona, es como hablar de la era glaciar, algo remoto, lejano y de escasa entidad. Ser músico de jazz en esos años no era una profesión sino un hobby, una quimera al cual los músicos se dedicaban en sus ratos libres tras haber llevado a cabo sus tareas profesionales en orquestas de distinto “pelaje” musical, lo que obligaba a muchos de ellos a realizar un auténtico acto de fe para poder tocar jazz, y del cual se escapó nuestro más ilustre instrumentista por esas fechas, Tete Montoliu. Al panorama descrito anteriormente sin embargo estuvo adscrito Ricard Roda, que junto con otros músicos se reunían en los locales de Barcelona a altas horas de la madrugada (entre ellos el famoso Jamboree que abrió sus puertas en 1960) para hacer jazz hasta las primeras luces del día.

El presente compacto es gracias a la labor investigadora del propietario del sello Fresh Sound Records, Jordi Pujol i Baulenas, quien ha rescatado dos sesiones en donde participó Ricard Roda del olvido más absoluto en que vivían. La primera de ellas estaba referenciada originalmente como Nits de Jazz al Jamboree (Edigsa LP, 1968), y que sirve como base de la presente reedición, todo y el titulo genérico que se ha puesto al compacto, pues parece ser que por aquellas fechas no existió como tal un grupo que se llamará Ricard Roda quartet.

Nits de Jazz al Jamboree (Edigsa LP, 1968)

El disco de Edigsa fue una propuesta por parte de la casa discográfica para grabar en un estudio el repertorio que por esas fechas tocaban los cuatro músicos en el escenario del club Jamboree. La sesión esta conformada por standards y una composición original del pianista (circunstancia también bastante excepcional en esas fechas, pues normalmente la música interpretada en su totalidad se encontraba conformado por composiciones y standards americanos), lo que permite comprobar la calidad y originalidad de la formación en la interpretación de los temas, así como constatar muy especialmente la pericia de Ricard Roda, tan sólo hay que escuchar a modo de ejemplo la versión que se realiza del tema de Coltrane “Theme For Ernie”, que tras la introducción con el arco que ejecuta Enric Pons, el saxofonista presenta el leitmotiv con una sonoridad majestuosa, llena de lirismo y cargado de emotividad, demostrando que el jazz que se hacía por estas fechas en Barcelona no tenía nada que envidiar al que procedía de otras partes de Europa.

Como material extra del presente compacto, y segunda sesión, se han añadido tres temas de la formación en cuarteto del grupo de Tete Montoliu, y referenciados originalmente como Tete Montoliu y su Cuarteto (Saef Jazz EP, 1958) y en donde Ricard Roda participó interpretando los temas “Bernie´s Tune”, Walkin´” y “Fine and Danky”.

Tete Montoliu y su Cuarteto (Saef Jazz EP, 1958)

Una reedición justa y oportuna, que merece ser aplaudida por la posibilidad que nos confiere de conocer la música de un instrumentista injustamente olvidado.