SONNY STITT: Sonny Stitt Play Jimmy Giuffre Arrangements.

SONNY STITT:

Sonny Stitt Plays Jimmy Giuffre Arrangements

- Sonny Stitt: Saxo alto.
- Lee Katzman y Jack Sheldon: Trompetass.
- Frank Rosolino: Trombón.
- Al Pollen: Tuba.
- Jimmy Rowles: Piano.
- Buddy Clark: Contrabajo.
- Lawrence Marable: Batería.
Y la presencia de Jimmy Giuffre al saxo tenor.

01. New York Blues (Giuffre) 3:54

02. Giuff (Stitt) 2:54

03. Laura (Mercer-Raskin) 4:48

04. Sonny Boy (Brown-DeSylva-Henderson-Jolson) 3:56

05. Singin’ in the Rain (Brown-Freed) 4:26

06. Downtown (Stitt) 4:37

07. I Let a Song Go Out of My Heart (Ellington-Nemo-Mills-Redmond) 3:21

08. Two for Timbucktu (Giuffre) 3:17)

09. Uptown (Stitt) 5:21

10. Down Country (Giuffre-Scott) 6:55

Fresh Sound Records

FSR 1640
CD 2010

REEDICIÓN

Sonny Stitt, Plays Jimmy Giuffre (Fresh Sound Records, 2010)

Estupenda reedición la del presente disco a cargo de uno de los mejores saxo altos en la historia del jazz. Sonny Stitt a lo largo de su prolífica carrera musical se ha distinguido siempre por ser un acérrimo seguidor del estilo de Charlie Parker, detentando una voz propia que se ha manifestado en un estilo dentro de la más pura tradición de los instrumentistas bebop, pero siempre como un elegante melodista y muy especialmente baladista, así como un maravilloso intérprete de blues.

Todas estas facetas son perfectamente apreciables en esta sesión de grabación del año 1959 junto a una formación en octeto, que presenta ciertas semejanzas al noneto de Miles Davis de 1949, muy especialmente por la presencia de un instrumento tan poco jazzístico como es el de la tuba. La grabación nos posibilita disfrutar del octeto en ocho temas, y a la sección rítmica con el añadido de Jimmy Giuffre en otros dos. Los citadas primeras ocho composiciones permiten apreciar una formación con dos trompetas, trombón y tuba, más el añadido de la sección rítmica, lo que confieren a los temas desarrollados una variedad muy rica tanto rítmica como musical. Todo ello se acompaña de unos arreglos que se ajustan a la formación y en donde Stitt se mueve con gran desenvoltura y en ciertos momentos con un estilo muy malabarista en sus solos, ofreciendo un fraseo siempre nervioso y en perpetúo movimiento complementado con un lirismo muy virtuoso y melódico; claro ejemplo de ello son los temas “Giuff” (homenaje del saxofonista a Jimmy Giuffre), “Sonny Boy” y “Two for Timbucktu”, siendo la culminación de todo ello, la reinterpretación del conocido tema “Laura”, en donde la sección rítmica y los instrumentos de viento se muestran en perfecta compenetración y los arreglos musicales y los cambios rítmicos ofrecen una lectura deliciosa y altamente disfrutable. Por el contrario en los temas de la sección rítmica con el añadido de Jimmy Giuffre (la única grabación existente junto a Sonny Stitt), nos muestran la habilidad del saxofonista en la interpretación de dos blues, “Uptown” de propio Stitt y “Down Country” de Giuffre. En estas dos composiciones es posible percibir dos estilos bien distintos y definidos, pero que se complementan a la perfección, en concreto un saxo tenor relajado y comedido, y por el contrario un saxo alto volcánico y exacerbado por momentos.

En definitiva, una excelente reedición que nos permite apreciar el arte de uno de los saxos altos más interesantes que ha dado este instrumento.

AGUSTÍ FERNÁNDEZ & INGAR ZACH: Germinal

AGUSTÍ FERNÁNDEZ & INGAR ZACH:

Germinal

- Agustí Fernández: Piano.
- Ingar Zach: Percusión.

Plastic Strip 
PSPCD708

CD 2008

Agustí Fernández & Ingar Zach, Germinal (Plasatic Strip, 2008)

Germinal representa ser el trabajo de uno de los músicos improvisadores más importantes de la escena española, el pianista mallorquín Agustí Fernández. Para el presente compacto Fernández ha escogido el formato de dúo, y en concreto al percusionista e improvisador noruego Ingar Zach. Los aficionados y seguidores del pianista, de entrada quedaran sorprendidos por el registro que desarrolla a lo largo del compacto, pues la música que interpreta se encuentra en muchos momentos más cerca del minimalismo que de la estricta improvisación a la que nos tiene acostumbrados. No obstante, en la grabación se pueden apreciar interesantes momentos de libre improvisación que surgen como consecuencia del amplio espectro de sonidos que llegan a conseguir tanto pianista como percusionista, recurriendo para ello tanto a sus propios instrumentos como a diversos elementos externos de los que se sirven los músicos, y que conlleva como fin último la fusión e interacción musical de los propios planteamientos en uno único. Este minimalismo que se ha señalado anteriormente (como por ejemplo en el tema “Capaz de Luz”), nos muestra a un Agustí Fernández extremamente sensible, que no sensiblero, lírico y muy poco expansivo musicalmente. Ello demuestra lo versátil que puede llegar a ser el pianista, incluso dentro de un mismo proyecto.

El resultado de todo lo apuntado es una música libre, y que provoca la aparición de un espacio propio y personal que proviene de los elementos que se utilizan dentro del piano  y que comporta un mundo sonoro único e identificable.

SHELLY MANNE & HIS MEN: Septet and Quintet Sessions 1951-1958. Here That´s Manne

SHELLY MEN & HIS MEN:

Septet and Quintet Sessions 1951-1958

Here That´s Manne

CD 1:

Temas #1-4:

Shelly Manne Septeto, con Conte Candoli (tp), Bill Russo (sb), Art Pepper (sa), Bob Cooper (ts), Gene Esposito (p), Don Bagley (b) y Shelly Manne (bat & voces #2). Shelby Davis (voces #4). Grabado en Universal Studios, Chicago, 12 Noviembre, 1951.
Temas #5-8:

Shelly Manne Septeto, con Conte Candoli, Shorty Rogers (tp), Jimmy Giuffre, Bob Gordon (sb), Frank Patchen (p), Joe Mondragon (b) and Shelly Manne (bat & voces #6). Grabado en el  Radio Recorders, Hollywood, el Enero, 1952.
Temas #9-12:

Shelly Manne and His Men (Septeto), con Bob Enevoldsen (v-tb), Art Pepper (sa), Bob Cooper (st), Jimmy Giuffre (sb), Marty Paich (p), Curtis Counce (b) y Shelly Manne (bat). Grabado en el Radio Recorders, Hollywood, el 6 Abril, 1953.
Temas #13-16:

Shelly Manne and His Men (Septeto), con Bob Enevoldsen (v-tb), Bud Shank (sa), Bob Cooper (st), Jimmy Giuffre (bs), Marty Paich (p), Joe Mondragon (b) y Shelly Manne (bat). Grabado en el Radio Recorders, Hollywood, el 20 Julio 20, 1953.
Temas #17-19:

Shelly Manne and His Men (Septeto), con Don Fagerquist (tp), Shorty Rogers (tp &flh), Bob Enevoldsen (v-tb), Paul Sarmento (tuba), Marty Paich (p), Joe Mondragon (b) y Shelly Manne (bat). Grabado en el Radio Recorders, Hollywood, el 18 Diciembre, 1953.
Temas #20-22:

Shelly Manne and His Men (Septeto), con Ollie Mitchell (tp), Shorty Rogers (tp & flh), Bob Enevoldsen (v-tb), Paul Sarmento (tuba), Russ Freeman (p), Joe Mondragon (b) y Shelly Manne (d). Grabado en el Radio Recorders, Hollywood, el 17 de Marzo 1954.

CD 2:
Temas #1-4:

Shelly Manne and His Men (Septeto), con Bob Enevoldsen (v-tb), Joe Maini (sa), Bill Holman (st), Jimmy Giuffre (ss), Russ Freeman (p), Ralph Peña (b) y Shelly Manne (bat). Grabado en el Radio Recorders, Hollywood, el 13 Septiembre, 1955.
Temas #5-6:

Shelly Manne and His Men (Quinteto), con Stu Williamson (tp & v-tb #6), Bill Holman (st), Russ Freeman (p), Leroy Vinnegar (b) y Shelly Manne (bat). Grabado en el Radio Recorders, Hollywood, el 6 Diciembre, 1955.
Temas #7-13:

Shelly Manne and His Men (Quinteto), con Stu Williamson (tp), Charlie Mariano (sa), Russ Freeman (p), Leroy Vinnegar (b) and Shelly Manne (bat). Grabado en el Radio Recorders, Hollywood, lods día 19 & 25 de Enero, 1956. Tema #14 grabado el 2 de Febrero, 1956 y los temas #15-16 en el Contemporary’s Studio, Hollywood, el 15 Agosto, 1956.CD 3:
Tracks #1-2: Shelly Manne and His Men (Quinteto), con Stu Williamson, (tp & v-tb on #4), Charlie Mariano (sa), Russ Freeman (p), Leroy Vinnegar (b), [Monty Budwig reemplaza a Vinnegar en el tema #7] y Shelly Manne (bat). Grabados en el Contemporary’s Studio, Hollywood, el 16 Agosto, 1956. Temas #3 a 14, grabados entre 1956 y 195858.

Fresh Sound Records-jazzcity series

FSR 2251/1-2-3

3 CD

REEDICIÓN

Shelly Manne & His Men, Here That´s Manne (Fresh Sound Records, 2011)

La historia del jazz ha situado a Shelly Manne entre los más grandes creadores de su instrumento, así como heredero de algunos de los mejores bateristas de la generación be-bop, entre ellos Kenny Clarke, Max Roach o Art Blakey. Pero siendo todos estos músicos unos pioneros de su instrumento y de influir en Shelly Manne, la principal ascendencia que tendrá el baterista le vendrá de la mano de músicos pianistas. Su participación con Russ Freeman, Bill Evans y Lennie Tristano le proporcionaron sus mayores influencias creativas. Este influjo va ser crucial en su estilo musical, pues al contrario de otros bateristas, va a utilizar su instrumento para desarrollar el lado más melódico del mismo, convirtiéndose en el baterista de los matices y de la sensualidad por encima de la espectacularidad y de la efectividad sonora. Una de sus principales virtudes será la economía de medios y la finura expresiva para conseguir que la melodía sea el idioma principal de expresión y una seña de identidad a la que no renunciará incluso en los momentos más aguerridos de sus solos.

La presente reedición se concentra en las grabaciones que llevó a cabo Shelly Manne entre los años 1951 y 1958, y pertenecientes a los discos Here's That Manne (Dee Gee MG-1003), Shelly Manne & His Men, Vol.1 (Contemporary C 2503); Shelly Manne & His Men, Vol.2 (Contemporary2511); Shelly Manne & His Men, Vol.1-The West Coast Sounds (Contemporary3507); Shelly Manne & His Men, Vol.6 (Contemporary3536); Shelly Manne & His Men, Vol.4-Swinging Sounds (Contemporary3516); Shelly Manne & His Men, Vol.5 - More Swinging Sounds (Contemporary3519); Shelly Manne & His Men, Vol.5-More Swinging Sounds (Contemporary3519); Shelly Manne & His Men, Vol.7-The Gambit (Contemporary 3557) y Playboy Jazz All-Stars (Playboy PB-1957, and C 3536).

Las grabaciones contenidas en la presente caja son posteriores a su paso por las grandes orquestas de Stan Kenton y Woody Herman y una vez definitivamente establecido en la ciudad de Los Ángeles; es el momento en que se inicia el período cool y West Coast, y con el que Shelly Manne obtendrá una gran reputación y fama. En las grabaciones de los años 1951 y 1952 dirige un septeto en el que se encuentran algunos de los mejores músicos del momento como eran Art Pepper, Jimmy Giuffre o Shorty Rogers. Pero son las grabaciones para el sello discográfico Contemporany en donde desarrolla el estilo West Coast en toda su extensión y es posible disfrutar de algunas de las mejores interpretaciones del baterista. Es la formación de quinteto con el trompetista Stu Williamson, Bill Colman o Charlie Mariano (este último con una sonoridad muy cool) a los saxos, Russ Freeman al piano y Leroy Vinnegar al contrabajo, donde se aprecia una perfecta conjunción del grupo, dando como resultado un repertorio comprometido con el buen gusto y la musicalidad, y demostrando un interés tanto por la melodía y el ritmo como por la armonía, que siendo conceptos bien distintos, Manne los desarrolla de forma conjunta y deliciosa. Claro ejemplo de ellos son los temas, “Bag´s Groove” de Milt Jackson, “Un poco loco” de Bud Powell, “Moose The Mooche” de Charlie Parker o el tema original de Charlie Mariano “Pint Of Blues”. La presente reedición así mismo incluye el tema “Quartet”, una suite en cuatro partes (desarrollado también por el citado quinteto), que sirve para apreciar si aún cabe más las cualidades de Manne como instrumentista, en concreto por su alejamiento de la batería como espectáculo percusivo, así como un gusto por los matices y los detalles interpretativos, con una sonoridad rayana en lo austero y lo simple, pero con unos resultados musicales soberbios.

En definitiva una estupenda reedición, que viene acompañada con un extenso libreto con casi sesenta páginas con las notas originales, las portadas de los discos que contiene y fotos inéditas; y con una calidad de sonido inmejorable. Una reedición imprescindible para cualquier buena discoteca de jazz.

LIBRO: MÚSICA PARA LEER: Sun Ra. Entrevista y ensayos. Varios autores.

LIBRO: MÚSICA PARA LEER
Sun Ra. Entrevistas y ensayos

Varios autores.
Editado por John Sinclair.
Traducción: Sonia Ayerra.
Edita: Libertos Editorial.
Idioma: Castellano.
Encuadernación: Rústica.
Primera edición: Febrero 2011

Sun Ra, Entrevistas y Ensayos (Libertos Editorial, 2011)

Compositor, líder de banda, pianista, poeta y filosofo, Sun Ra es uno de los legados musicales más llamativos y duraderos, trascendiendo tiempo, lugar y géneros culturales. Desde mediados de los años 50 hasta su muerte en 1993, Sun Ra lideró la agrupación "The Arkestra", un conjunto con una formación en constante cambio. Su música interpretó prácticamente toda la historia del jazz, del ragtime al swing, del bebop al free jazz. Sun Ra es considerado una figura destacada de la vanguardia jazzística, así mismo como un pionero en el uso de nuevas formas, incluyendo música electrónica, música espacial e improvisación libre. Pero el legendario estatus de Suna Ra fue ganado tanto por sus excentricidades como por su singular visión artística. Afirmando ser de Saturno, el propagó una desconcertante mitología de ciencia ficción que mostraba en su música y también en las actuaciones dadaístas de "The Arkestra" (actuaciones que inspiraron artistas tan diversos como George Clinton y MC5), con raíces en la ciencia ficción y los viajes espaciales, en el antiguo Egipto y en teorías filosóficas cabalísticas, "The Arkestra" fue en realidad la única banda de jazz basada más en la filosofía que en la música propiamente dicha. Sus apariciones en el escenario constituían un espectáculo único debido a los vestuarios extravagantes, a la mezcla de las distintas ramas del jazz y a la incorporación de elementos audiovisuales, siendo pionero en este campo.

Sun Ra, Entrevistas y Ensayos  reúne entrevistas con el músico americano, sus amigos, asociados y contemporáneos. El libro incluye ensayos y conversaciones concernientes con su prolífica obra musical (con títulos míticos como Space Is The Place), aura, filosofía y más. Una estupenda oportunidad para adentrarnos en la personalidad de uno de los músicos más creativos y espectaculares que sin duda ha dado el jazz.

BRAD MEHLDAU: Live in Marciac

BRAD MEHLDAU:
Live in Marciac
Solo piano.

Disco 1:

1. Storm.

2. It's All Right With Me.

3. Secret Love.

4. Unrequited.

5. Resignation.

6. Trailer Park Ghost.

7. Goodbye Storyteller (for Fred Myrow).

8. Exit Music (for a Film).

Disco 2:

1. Things Behind The Sun.

2. Lithium.

3. Lilac Wine.

4. Martha My Dear.

5. My Favorite Things.

6. Dat Dere (sólo en el CD).

DVD:

1. Storm / It's All Right With Me.

2. Secret Love.

3. Unrequited.

4. Resignation.

5. Trailer Park Ghost.

6. Goodbye Storyteller (for Fred Myrow) / Exit Music [for a Film].

7. Things Behind The Sun.

8. Lithium.

9. Lilac Wine.

10. Martha My Dear.

11. My Favorite Things.

Grabado en directo el 2 de Agosto 2006, en Marciac (Francia).
Nonesuch Records
2 CD+DVD
CD 2011

Brad Mehldau, Live In Marciac (Nonesuch Records, 2011)

Resulta curioso y extraño que la última grabación oficial de Brad Mehldau sea un concierto grabado en directo del año 2006 en el Festival de Jazz de Marciac (Francia); este proceder tiene cierta semejanza con la política de publicación por parte de ECM de conciertos en directo de Keith Jarrett (el sello discográfico alemán se encuentra desempolvando actuaciones con bastantes años de diferencia hasta su publicación final en compacto). Cinco años en la vida de un músico es mucho tiempo, y más en un pianista como Mehldau que ha demostrado en los últimos tiempos altas cotas de creatividad tanto en el jazz como en la música clásica (incluyendo en el año 2007 su debut como concertista de piano al interpretar The Brady Bunch Variations para piano y Orquesta  en el Teatro Chatelet de Paris). Live in Marciac es un disco doble de piano solo (el segundo en su carrera discográfica tras el estupendo, Live in Tokyo -Nonesuch Records, 2004-) y acompañado de un DVD en donde consta prácticamente toda la filmación del concierto (primero en su carrera); este DVD  servirá a los aficionados para observar a la perfección el proceso creativo y de ensimismamiento del pianista delante el teclado a lo largo de todo el recital.

No cabe ninguna duda a estas alturas que Brad Mehldau ostenta por méritos propios la condición de gran referencia musical del piano en el jazz, así como uno de los herederos de la mejor tradición pianistica, comenzando por Bill Evans y terminando por Keith Jarrett. El presente trabajo sin añadir nada nuevo a la discografía del pianista ofrece una perfecta "fotografía" musical de las influencias y ascendencias de Mehldau, al utilizar desde temas propios, pasando por standards (de Cole Porter "It´s All Right With Me" o de Rodgers-Hammerstein "My Favourite Things"), hasta temas pop de Kurt Cobain "Lithium", Radiohead "Exit Music (for a Film)" o The Beatles "Martha My Dear". En el desarrollo de todo este repertorio es posible percibir un punto de vista musical muy reflexivo en sus interpretaciones; un estilo tremendamente personal con un uso de concepciones y desarrollos de ideas simples pero repetitivas (en muchos momentos insistentes, a base de una catarata de obstinatos, individuales o que varían de forma ligada); visión introspectiva y por momentos muy romántica, así como un uso de la técnica de independencia de manos extraordinaria (una técnica más propia de intérpretes de música culta y que Mehldau saber explotar hasta sus últimas consecuencias). Pero sin duda una de las cualidades más sobresalientes en Mehldau (y que en este concierto a piano solo es posible apreciar) es, la de desarrollar numerosas ideas en un mismo momento (todas ellas autónomas y con vida propia) que le permiten encontrar tanta riqueza en tan poco espacio musical, lo que convierte cada tema en un ir y venir de planteamientos, en ocasiones en improvisaciones muy libres de enorme calado interpretativo (ya sea a nivel armónico o sonoro), todo ello con gran virtuosismo y habilidad. Mehldau proyecta en sus interpretaciones una dimensión melódica y en muchos casos una dimensión lírica que culmina en una magnitud narrativa centrada en una fuerte energía rítmica, sin olvidarnos que el pianista americano es un consumado especialista en la interpretación de baladas.

Live in Marciac contiene el "adn" musical de uno de los mejores pianistas de jazz en la actualidad y no defraudará a los seguidores de Mehldau, todo y como se ha señalado anteriormente no añade nada especialmente nuevo o que no sea conocido de su pianismo y de su concepción musical. Ello no es óbvice para disfrutar del mismo tantas veces como sea necesario y seguir descubriendo el mundo musical un tanto particular según Brad Mehldau.

KRIS DAVIS: Good Citizen

KRIS DAVIS:

Good Citizen

- Kris Davis: Piano.

- John Hebert: Contrabajo.

- Tom Rainey: Batería.

Fresh Sound New Talent

FSNT 369

CD 2010

Kris Davis, Good Citizen (Fresh Sound New Talent, 2010)

Tercer disco de la pianista canadiense para el sello discográfico barcelonés, Fresh Sound Records. Los amantes al piano no deberían obviar la presente grabación que despertará a más de un aficionado la agradable sensación de sorpresa. Good Citizen se presenta como una sesión explosiva, desenfrenada y de generosa musicalidad en formato de trio, en donde el lenguaje escogido transita por caminos modernistas y de libre improvisación, con grandes dosis de exuberancia y experimentación, como en los temas “Good Citizen”, “Where Does That Tunnel Go ...” o “KTJ 2”. 

En determinados temas es posible disfrutar de algunos pasajes iniciales con cierta tendencia lírica hasta alcanzar grandes dosis de esplendor dinámico unido a un impetuoso furor instrumental por parte de toda la formación y en donde sobresale sin duda alguna el poderoso fraseo de la pianista. También podemos encontrar el lado más opuesto de la interpretación vigorosa, en concreto una vena más introspectiva y calmada altamente subyugante, y hasta cierto punto minimalista, donde la creatividad interpretativa se basa en silencios y en una solidez estructural de la composición, que permiten una evolución lenta y pausada de determinadas partículas musicales desarrolladas por la formación en su conjunto como finalidad última.

Una disco muy atractivo de una artista que bien merece la pena seguir su carrera musical.

BSO: Bullitt de Lalo Schifrin

BSO: 
Bullit de Lalo Schifrin.
Fecha original de publicación 1968

1 Bullitt (Main Title) 3:08
2 Shifting Gears 3:14
3 Ice Pick Mike [Movie Version] 4:00
4 Cantata for Combo 2:53
5 Room "26" [Movie Version] 2:28
6 On the Way to San Mateo 2:37
7 Just Coffee 3:05
8 Main Title [Record Version] 2:15
9 The Aftermath of Love 3:03
10 Ice Pick Mike [Record Version] 3:08
11 Hotel Daniels 3:33
12 Bullitt (Guitar Solo) 1:46
13 The First Snowfall 3:43
14 Room "26" [Record Version] 3:41
15 The Architect's Building 4:31
16 Song for Cathy 1:48
17 Music to Interrogate By 2:52
18 End Credits 3:51

Fecha publicación de la regrabación en 2000

Lalo Schifrin, Bullit (Reedición, 2000)

La presente entrada sirve de homenaje al cineasta británico Peter Yates, director de la película Bullitt, protagonizada por Steve McQueen, y que murió el domingo 6 de Marzo 2011 en Londres a la edad de 82 años tras una larga enfermedad. La banda sonora de la mencionada película fue compuesta por el pianista, arreglista y director argentino de música clásica y de jazz, Lalo Schifrin. Señalar de Schifrin que sus mayores logros musicales le provienen de la composición de bandas sonoras tanto para la televisión como el cine. Entre sus bandas sonoras cuenta con la mundialmente famosa música de la película Misión Imposible, y la ahora comentada de Bullitt.

Esta película, una de la mejores del género policial de los años 60 y todo un clásico dentro del cine de acción, contiene una de las escenas más trepidantes y sugestivas sobre persecuciones de coches de toda la historia (de hecho, fue la pionera en este tipo de persecuciones); su duración en el film es de nueve minutos pero tardaron más de tres semanas en filmarla. Acompaña a Steve McQueen una bella Jacqueline Bisset, un casi desconocido Robert Duvall y un joven Robert Vaughn. Realza a la misma una banda sonora que nunca fue editada comercialmente, pues el álbum que aparece a finales de los años sesenta contiene versiones arregladas con su característico estilo jazzístico, en un intento de llegar a una audiencia más amplia. Una edición publicada en el año 2000, sí incluye algunas de las versiones originales que aparecen en la película, junto con las arregladas, así como cortes que no habían sido publicados anteriormente como "Just Coffee" o "Architect’s Building". Todo y no ser la música original de 1968, no deja de ser una música deleitable.

Schifrin para la música se decantó por un estilo con un marcado aire sinfónico, la inclusión de un órgano Hammond, y la presencia instrumental de la flauta en muchos de los temas, todo ello apoyado en unos arreglos para la sección de vientos con fuertes contrastes dinámicos y rítmicos; apuntar así mismo la presencia en la orquesta de Schifrin de músicos de la talla de Gato Barbieri. La partitura es en esencia jazzística incluyendo algunos elementos latinos que realzan la música, por momentos pegadiza y muy propia de finales de los años sesenta y comienzos de los años setenta. Una banda sonora que hará las delicias de los aficionados a las orquestas y a los sonidos cuando la música era música. Una banda sonora sencillamente deliciosa.

CLARA LUNA & XAVI MAURETA: Coleing Porter

CLARA LUNA & XAVI MAURETA:

Coleing Porter

- Clara Luna: Voces, efectos, percusión y arreglos.

- Xavi Maureta: Batería, percusión, voces y arreglos.

- José Alberto Medina: Hammond, Rohdes, piano, melódica y arreglos.

- Rai Ferrer: Contrabajo.

Con la colaboración especial en determinados temas de: Jordi Bonell: Guitarra, Adam Kolker y Martí Serra en el saxo tenor y Pepino Pascual en el Serrucho.

1. Easy To Love.

2. Anything Goes.

3. So In Love.

4. I Get a Kick Out of You.

5. All Of You.

6. Night and Day.

7. You´d Be So Nice To Come Home Too.

8. In The Still Of The Night.

9. Just One Of Those Things.

10. Every Time We Say Goodbye.

Gabado y mezclado en Nómada 57 en Marzo 2010

CD Nómada 57
CD 2010

 

Clara Luna & Xavi Maureta, Coleing Porter (Nómada, 2010)

Después de haber sido presentado a lo largo de diversos festivales en Catalunya durante el año 2009 y 2010, por fín nos llega la grabación del esperado proyecto liderado por la cantante Clara Luna y el baterista Xavi Maureta en torno al compositor y letrista norte-americano Cole Porter. Este músico ha sido reversionado en infinidad de ocasiones y en todos los formatos posibles, pero en nuestro país se puede afirmar que la presente grabación es una propuesta innovadora y fresca.

El compacto se encuentra confeccionado con algunos de los temas más representativos de Cole Porter, muchos de los cuales tienen la consideración de standards y son piedra angular del gran cancionero americano. Tomando como punto de partida todo este repertorio, tanto Luna como Maureta son extremadamente respetuosos con la temática a la que se enfrentan, presentando unos temas en donde la versatilidad vocal de la cantante se encuentra a la altura de los diversos registros a los que se enfrenta, tanto en los momentos más rítmicos como melódicos, pero sin llegar nunca a una desnaturalización del repertorio en sí. La sorpresa de la grabación nos la proporciona la nueva faceta como cantante de un músico perfectamente consolidado en su instrumento como es el baterista Xavi Maureta; a ello comentar que su participación sin exceso de alardes interpretativos es correcta y justa en todo momento. La voz que subyuga apoyada en una sección rítmica atenta y con oficio (así como en las participaciones de los músicos invitados) es la de Clara Luna, por momentos bella y excelsa y en otros sentimental y apasionada pero sin caer en cursilerías, lo que permite excelentes lecturas en temas como "You´d Be So Nice To Come Home To", "In The Still Of The Night" o "So In Love", sólo por citar algunos ejemplos.

Un extraordinario compacto que sorprenderá a más de un aficionado, que bien vale su escucha, y que confirma que proyectos nacionales de esta significación desprenden una calidad nada desdeñables respecto a otros que nos vienen fuera de nuestras fronteras.

LIBRO: MÚSICA PARA LEER: In´n Out. In-fusiones de Jazz, Varios autores.

LIBRO: MÚSICA PARA LEER

In´n Out. In-fusiones de jazz

Varios autores.
280 páginas. 
Editor Julián Ruesga.
Edita: arte-facto, colectivo cultura contemporánea.
Colabora: ICAS, Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla.
Idioma: Castellano.
Edición: Rústica.
2011





Se acompaña la nota de prensa que sirvió de presentación del libro:

Las investigaciones y reflexiones sobre los cambios que se están produciendo en las culturas locales, ante el influjo de las industrias culturales transnacionales y el desarrollo de los medios y tecnologías de la comunicación, están aportando elementos críticos y conocimientos que facilitan la adaptación, creatividad e innovación de los profesionales de la cultura ante las transformaciones y demandas sociales que provocan estos cambios. El colectivo “arte-facto” ha publicado ya tres libros desde esta perspectiva y acaba de publicar el cuarto. En esta ocasión se trata de “In-fusiones de jazz”, un libro de casi 300 páginas que en ocho capítulos se ocupa de la transformación de la música de jazz en los últimos 60 años. El libro revisa la relación del jazz con el flamenco, con las músicas latinas, con las vanguardias de la tradición académica occidental, el jazz en manos de músicos europeos, su encuentro con la electrónica y las tecnologías digitales y, en fin, las hibridaciones que estos cruces han producido transformando un genero musical que en origen estaba asociado a un lugar, Nueva Orleans, hoy expandido y relocalizado por todo el mundo.

Aunque más que re-localizado, o además, habría que decir “re-significado”. Al fin y al cabo, como muestra el libro, la transformación del jazz ha sido el resultado de diversas re-lecturas, a través de sucesivas generaciones de músicos y audiencias, en su difusión por diferentes territorios geográficos y culturales del planeta. El libro muy bien podría haberse subtitulado: “Apuntes para otra historia del jazz”, ya que trata de músicos y músicas que normalmente quedan fuera de las narrativas al uso o, a lo más, como notas a pie de página o exotismos en las historias del jazz norteamericano. Muy acertadamente, el principio que sustenta el libro se basa en la exploración y análisis de la música de jazz desde una doble perspectiva: como expresión del espacio cultural que la produce y como elemento de transformación de las culturas musicales que la han recibido  –y en las que se inscribe. Desde esta perspectiva el libro revisa la “jazzificación” de algunas músicas y las transformaciones del jazz en su encuentro con ellas –a través de los músicos que la han hecho posible y los contextos que han favorecido estas operaciones.

El primer capítulo, escrito por Julián Ruesga –que también coordina el libro- sirve de introducción general, focalizando el jazz en tres momentos importantes de su difusión y contacto con otros espacios culturales durante el siglo XX: la Europa de entreguerras, el Caribe de los años ’50 y la década de los ’60 en Estados Unidos. El belga Luc Delannoy, con varios libros publicados sobre el tema, se ocupa del jazz latino y la actual diáspora latinoamericana por el mundo. Luís Clemente escribe sobre el jazz-flamenco. El músico argentino Daniel Varela escribe sobre las interconexiones entre el jazz y las músicas de tradición académica occidental. Norberto Cambiasso (director de la blog-revista Esculpiendo Milagros) escribe el capítulo dedicado al jazz en Europa y la efervescencia política en la que surgió la “improvisación libre” en los ’60-’70. Santiago Tadeo (creador de la revista digital Acidjazz Hispano) cuenta en un extenso capítulo el encuentro del jazz con la electrónica y lo digital en las últimas décadas y las nuevas sonoridades y estéticas que ha producido. Continúa con una reflexión general sobre el momento actual del jazz, del periodista y crítico de jazz del diario El País, Chema García Martínez. El libro se cierra con un apéndice escrito por Julián Ruesga donde reseña la bibliografía existente en castellano sobre las distintas escenas locales del jazz en Hispanoamérica..

Dos apuntes finales en apoyo del libro. Uno, subrayar como el jazz, igual que otras expresiones culturales, es un mirador privilegiado desde el que visualizar y comprender el funcionamiento de la cultura contemporánea y los nuevos modos de difusión y recepción que han creado los medios de comunicación electrónicos y las industrias culturales. El segundo, destacar que es el único libro en castellano, y uno de los pocos a nivel internacional, que se ocupa del jazz como fenómeno cultural global inscrito en los procesos de mundialización cultural que hoy constituyen la cultura contemporánea.

ORNETTE COLEMAN: Too Much, Too Soon!. Quintet & Quartet

ORNETTE COLEMAN:

Too Much, Too Soon!. Quintet & Quartet

Ornette Coleman Quintet:

Don Cherry (pocket tr), Ornette Coleman (sa), Walter Norris (p), Don Payne (b) y Billy Higgins (bat). Grabaciones de 1958

Ornette Coleman Quartet:

Don Cherry (pocket tr), Ornette Coleman (sa), Red Mitchell, Percy Heath o Charlie Haden (b) y Shelly Manne o Billy Higgins (bat). Grabaciones de 1959

Fresh Sound Records

FSR569 
2 CD

REEDICIÓN

Ornette Coleman, Too Much, Too Soon! (Fresh Sound Records, 2 CD)

El mercado de reediciones sigue apostando por recuperar material de difícil localización y de gran interés musical. Este es el caso de la presente reedición a cargo de Fresh Sound Records, en concreto de las primeras grabaciones de uno de los músicos más importantes y revolucionarios de toda la historia del jazz, y en concreto del movimiento avant-garde, Ornette Coleman. Este estuche de dos compactos nos permite redescubrir la música contenida en los trabajos Something Else!!!!-The Music of Ornette Coleman, Tomorrow Is The Question, The Shape of Jazz To Come, Twins y The Art of the Improvers.

Es difícil entender en la actualidad la importancia de la aparición de Ornette Coleman como innovador y muy especialmente como músico discutido en los años cincuenta, debido principalmente a que no podamos concebir la situación económico, cultural y social de aquella época. Será con su aparición como músico y muy especialmente la participación con Don Cherry donde surgirán innovaciones y avances a nivel musical. Coleman y Cherry crearán una musicalidad muy abierta y distinta para la época, que quedó muy especialmente reflejada en los solos que llevaron a cabo, con una predominio de fuertes cargas improvisatorias que influyeron tanto a nivel de acordes como a nivel armónico y todo ello con una libertad desconocida en aquellos momentos y que provocaron reacciones muy encontradas entre los aficionados.

El trabajo Something Else!!!!-The Music of Ornette Coleman es el semillero de las innovaciones comentadas. Siendo un quinteto de forma clásica con claras reminiscencias a las formaciones de Charlie Parker, la expresión es totalmente innovadora a consecuencia del tratamiento melódico de los temas que aun siguiendo el patrón de aquella época (hard-bop) eran en su mayor parte de concepción muy libre. Este trabajo contiene algunas de las mejores composiciones de Ornette Coleman de todos los tiempos, entre ellas citar a “Jayne” y “The Blessing”.

Pero será en la música del cuarteto sin piano de Ornette Coleman (y que son el resto de trabajos discográficos contenidos en el presente estuche) donde se apreciaran los grandes cambios estilísticos que propondrá el saxofonista norte-americano. Es gracias a la eliminación de elementos armónicos y la supresión de los cambios de acordes donde se produce la gran revolución musical. Ello conllevará una música completamente nueva y revolucionaria. El título del disco del sello discográfico Contemporany es del todo significativo, Tomorrow Is The Question-The New Music of Ornette Coleman. En este su segundo disco como líder, Coleman aleja el piano de su formación y reemplaza de forma curiosa al baterista Billy Higgins por Shelly Manne. La música contenida en este trabajo se puede decir que es una sucesión de solos de Coleman y Cherry, en donde sus contribuciones musicales son muy libres pero alejadas de los elementos formales. També se debe señalar las aportaciones musicales de la sección rítmica, tanto de Percy Heath al contrabajo pero muy especialmente de Shelly Manne a la batería. Esta misma formación pero con Charlie Haden al contrabajo y de nuevo Billy Higgins, dan a lugar al disco de debut en el sello Atlantic por parte de Coleman; The Shape of Jazz To Come. Este disco es la raíz del movimiento avant-garde, una auténtica obra de arte y un testimonio definitivo de la revolución musical de Ornette Coleman en los años cincuenta. Coleman sabe moverse en distintas direcciones, siempre con gran libertad como parámetro de expresión pero también con una manifiesta inclinación por la melodía, siempre con un sonido brillante y con ciertas dosis de estridencia pero que no desentona en el desarrollo de los temas. A este gran disco acompaña así mismo una sección rítmica de auténtico ensueño, con aportaciones solistas de gran enjundia musical y muy abiertas, tan sólo hay que escuchar la introducción a solo de Charlie Haden en el tema “Focus on Sanity” o el consecuente solo de Billy Higgins; sencillamente increíble. Este disco se mantiene a pesar del tiempo transcurrido como una joya musical y como uno de los mejores álbumes de toda la historia del jazz, e incluye uno de los temas más importantes de la discografía de Coleman, “Lonely Woman”, un clásico dentro de los clásicos.

El resto de temas del presente estuche fueron incluidos en trabajos discográficos de distinto corte como el tema “Just for You” que fue insertado en el disco The art of the Improvisers, una especie de recopilatorio de temas grabados en numerosas sesiones entre los años 1959 a 1961.

Una maravillosa reedición que contiene un libreto de cuarenta páginas con las fechas y lugares de grabación, incluyendo las notas originales de todas las grabaciones y fotos desconocidas. El sonido es excelente lo que hace del presente disco una buena ocasión para conocer la música de uno de los más grandes creadores en el jazz.

VÍCTOR DE DIEGO: Evolution

VÍCTOR DE DIEGO:

Evolution

- Víctor de Diego: Saxo tnor y soprano.
- Roger Mas: Piano.
- Marc Cuevas: Contrabajo.
- Gonzalo del Val: Batería.

Quadrant Records

Q00011J

Víctor De Diego, Evolution  (Quadrant Records).

El quinto trabajo discográfico como líder del saxofonista bilbaíno afincado en Barcelona, Víctor de Diego, es una pequeña joya que confirma a este músico como uno de los mejores tenoristas de su generación, y por ende del panorama español y muy especialmente catalán.

En la actualidad hay muy pocos saxofonistas que sepan plantear y ofrecer un registro musical como el exhibido por el grupo de Víctor de Diego, y lo más importante, sin inventos ni artificios muy propios de los tiempos que corren, obviando concepciones electrónicas y centrándose básicamente en una formación clásica, el cuarteto. El compacto está conformado por ocho temas, cinco de ellos compuestos por el propio saxofonista, dos del pianista Roger Mas, y un último a cargo de Billy Stryhorn, “My Little Brown Book”. Con estos “mimbres” la grabación respira un sonido basado en la melodía, el swing y muy especialmente en el groove. A lo largo de la interpretación de los temas triunfa en todo momento la gran tradición del jazz (en concreto el be-bop), así como la escuela de los grandes saxos tenores a los que Víctor de Diego ha escuchado a la perfección. El saxofonista demuestra las buenas artes en su instrumento, con una técnica precisa, un sonido pulcro, sobrio y ante todo bonito; mencionar los temas de “Korrika”, “Buscando a Is” o la sensual balada “Naroa”, en donde De Diego toca el saxo soprano.

El éxito de la presente grabación radica muy especialmente en la sección rítmica que acompaña al líder, y en donde juega un papel primordial el pianista Roger Mas. Mas poco a poco está demostrando que se encuentra afianzando como pianista, lo que le augura un futuro muy prometedor. A lo largo de los temas de la grabación el pianista dispone de gran espacio para desarrollar y expandir sus interpretaciones no tan sólo en los momentos que actúa como solista, sino también en la faceta de acompañante, tanto de Vítor de Diego como del resto de componentes de la sección rítmica; esta se encuentra conformada por Marc Cuevas al contrabajo y Gonzalo del Val a la batería. Del Val es una de las nuevas y jóvenes promesas de la batería a tener muy en cuenta en los próximos años en el panorama nacional, su valía es perceptible en la forma de la utilización del tempo y en la manera de acompañar a sus compañeros, todo un hallazgo.

Una intrépida y reconfortante apuesta por la elegancia y el buen gusto, justo en tiempos en donde las extravagancias y rarezas abundan, y por asombrosas circunstancias cotizan al alza. El presente compacto es de por sí todo un motivo de celebración. Es una verdadera demostración palmaria de arte tanto en la ejecución como de calidad en la producción.

ART PEPPER: The Complete Art Pepper at Ronnie Scott´s Club, London June 1980

ART PEPPER:

The Complete Art Pepper at Ronnie Scott´s Club, London June 1980

Pure Pleasure Records

7 LP (180 Gr. Audiophile Vinyl)
LP 2010
INÉDITO

Músicos:
- Art Pepper: Saxo alto y clarinete.
- Milcho Leviev: Piano.
- Tony Dumas: Contrabajo.
- Carl Burnett: Baterías.

27th June 1980 – 1st Set Record 1 Side A Side B 1. Blanch The Cat 1. Make A List Make A Wish 2. Ophelia 2. Sad A Little Bit Record 2 Side C Side D 1. Ornithology 1. Arthur’s Blues 2. Red Car 27th June 1980 – 2nd Set Record 3 Side E Side F 1. Untitled #34 1. Rhythm-A-Ning 2. Song For Richard 2. Rita-San Record 4 Side G Side H 1. What’s New 
28th June 1980 – 1st Set 2. I’ll Remember April 1. True Blues 2. Ophelia Record 5 Side I Side J 1. Make A List Make A Wish 1. Red Car 2. Stardust Record 6 Side K Side L 1. Straight Life 1. The Trip 28th June 1980 – 2nd Set 2. I’ll Remember April 2. Y.I. Blues Record 7 Side M Side N 1. Goodbye 1. Blues For The Fisherman 2. In A Mellow Tone

Art Pepper, The Complete Art Pepper at Ronnie Scott´s Club, London June 1980 (Pure Pleasure Records, 2010, 7 LP Box)

En los últimos años la discografía de Art Pepper está experimentando un incremento de forma considerable gracias a la publicación de un buen número de material inédito procedente de los muchos conciertos en directo que ofreció en la parte final de su carrera como músico. Responsable de todo ello ha sido el inestimable trabajo llevado a cabo por su mujer, Laurie Pepper, que ha ido recuperando material que en algunas ocasiones circulaba tan sólo entre los aficionados a los bootlegs, para publicarlos en su sello discográfico Widow´s Taste. Dentro de todo este material, a finales del año pasado el sello discográfico británico Pure Pleasure, editó con el nombre de The Complete Art Pepper at Ronnie Scott´s Club, London June 1980, las famosas grabaciones que llevó a cabo Art Pepper en el club londinense Ronnie Scott, pero que por problemas contractuales originalmente salieron publicadas bajo el nombre del pianista búlgaro Milcho Leviev y no del saxofonista.

Art Pepper fue contratado para actuar junto con su trio en el citado club durante las dos últimas semanas de Junio de 1980. El éxito de los conciertos parece ser que llevo a los responsables de una tienda de discos de jazz en Londres (Mole Jazz, actualmente desaparecida) ha llegar a unos acuerdos para la grabación de diversas fechas. Las grabaciones del grupo de Art Pepper sería el primer disco que editarían bajo el nombre de la tienda de discos, y así hicieron en el año 1980 con la publicación del LP: Milcho Leviev-Blues For The Fisherman (Mole Jazz, Mole 1).

Milcho Leviev Quartet, Blues For The Fisherman (Mole Jazz Records, 1980). LP original de Mole Jazz Records.

Portada de la versión en CD del vinilo Milcho Leviev Quartet, Blues For The Fisherman.


Como se ha señalado, parece ser que las obligaciones contractuales de Art Pepper con Galaxy Records hicieron que las grabaciones se publicasen bajo el paraguas del pianista búlgaro y no del saxofonista, todo y que el repertorio escogido es casi en su totalidad original de Art Pepper e incluso las notas de la contra portada son del propio saxofonista. Un año más tarde Mole Jazz publicó un segundo LP con más material de estos conciertos y en las  mismas condiciones del anterior, Milcho Leviev-True Blues (Mole Jazz, Mole 5).

Milcho Leviev Quartet, True Blues  (Mole Jazz Records, 1981). LP original de Mole Jazz Records.

Obvia comentar que los señalados LP se encuentran completamente descatalogados y tan sólo es posible su adquisición a través de subastas y por internet, aunque ahora es posible deleitarse con el total de la música grabada en los días 28 y 29 de Junio de 1980 gracias a la publicación en una caja de 7 LP por parte del sello audiófilo británico Pure Pleasure, en donde se contiene un total de 25 temas (17 de los cuales son inéditos hasta la fecha).

La música contenida en estas grabaciones (y en concreto las conocidas hasta la fecha) es de auténtico lujo. Con un repertorio decantado hacia al post-bop, con las claras influencias del blues (una ascendencia que Art Pepper siempre ha demostrado a lo largo de su extensa discografía), el saxofonista desplega un sonido redondo, muy melodioso pero nunca empalagoso, con participaciones de enjundia y de gran riqueza musical, secundado por un Micho Leviev en gran forma, y complementados por una sección rítmica que por aquellas fechas era la que ostentaba Pepper, que demuestra una gran excelencia interpretativa y por momentos telepática.

Para terminar apuntar que Laurie Pepper en su página de internet anuncia para Junio de 2011, la publicación de las dos noches de Art Pepper en el Ronnie Scott y que han sido objeto de aparición en LP, y recalca que esta publicación (en una caja de 5 CD), lo será "totalmente" al completo. También existe información referente a que hay más material de las dos semanas de las actuaciones de Art Pepper en el Ronnie Scott y que no son de las dos noches que ahora han sido publicadas, pero no se sabe con exactitud la calidad del mismo (podrían existir grabaciones de toda una semana entera de actuaciones, entre 12 y 14 pases).  Habrá que esperar a que vaya apareciendo todo este material que tan sólo circula entre coleccionistas y que nunca ha salido a la luz.