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jueves, 26 de marzo de 2020

McCOY TYNER: McCoy Tyner Quartet, Sahara Live Tokyo 1972

McCOY TYNER:
McCoy Tyner Quartet
Sahara Live Tokyo 1972

- McCoy Tyner: Piano y koto (en “Valley Of Life”).
- Sonny Fortune: Saxo soprano, saxo alto y flauta.
- Alphonse Mouzon: Batería y percusión.
- Calvin Hill: Contrabajo y percusión.

Disc 1:
01. Intro 1:37
02. Valley Of Life/Ebony Queen 30:56
03. Rebirth 13:12
Tiempo 46 minutos.

Disc 2:
01. Message From The Nile/Naima 23:19
02. Sahara 24:03
Tiempo 48 minutos.

Live in Tokyo, December 1972.
Bootleg.
CD


McCoy Tyner, Sahara Live (Booleg)

Hacía tiempo que en Jazz Recordings no comentábamos un grabación bootleg, es por ello que de mi extensa colección no me he podido resistir a rescatar un concierto en directo de McCoy Tyner que va a servir de homenaje al mismo con motivo de la reciente pérdida de este estupendo y superlativo pianista originario de la ciudad de Filadelfia, y sin lugar a duda uno de los más grandes pianistas que ha dado la historia del jazz ampliamente reconocido entre los colegas de profesión y una figura que ha influido a una buena cantidad de músicos no solo pianistas.

McCoy Tyner es recordado por haber participado en el famoso cuarteto del saxofonista John Coltrane, el denominado “cuarteto clásico”, encabezado por John Coltrane y secundado por McCoy Tyner junto a la presencia de Jimmy Garrison al contrabajo y Elvin Jones a la batería, grupo que culminaría la magna e imprescindible obra A Love Supreme (uno de los discos imprescindibles de la historia del jazz), y no solo este trabajo sino algunos más igual de relevantes. Pero a parte de su pertenencia al grupo de Coltrane, McCoy Tyner desarrolló una interesante e importante carrera como líder dejando algunas grabaciones que no deben de faltar en la discoteca de cualquier coleccionista de jazz y muy en concreto a los aficionados al piano. Una de estas grabaciones es la de Sahara, álbum del año 1972 y primero disco que publicó en el sello discográfico Milestone. Disco que fue grabado en enero de 1972 y en donde Tyner aparece acompañado por el saxofonista alto Sonny Fortune, el contrabajista Calvin Hill y baterista y percusionista Alphonse Mouzon.






El presente bootleg que comentamos pertenece a la gira que llevó a cabo McCoy Tyner con la misma formación del disco y con un repertorio conformado por temas pertenecientes a Sahara. El documento grabado en la gira que llevó a cabo por Japón plasma el concierto del grupo que lideraba Tyner a principios de los 70 (sin lugar a duda una de las mejores formaciones que ha tenido). La presencia de Sonny Fortune como saxofonista hace que el mismo presente unos solos excelentes, de asombrosa potencia, con un tono de saxo soprano por momentos punzante pero en todo momento rico y creativo en ideas musicales. La sección rítmica de Alphonse Mouzon y el contrabajista Calvin Hill suena extraordinariamente robusta y aguerrida a lo largo e todo el concierto (tan solo hay que disfrutar de los solos que llevan a cabo), lo que sirve de perfecto soporte para las aportaciones musicales de Tyner, extremadamente poderoso, enérgico, con una potencia de volumen muy significativa, pero ante todo siempre muy musical. La música que se desarrolla se presenta por momentos dura e impactante, e incluso apabullante, pero en ningún momento se puede percibir como desvariada y sin sentido.

La mayoría de los temas del concierto son de una duración muy prolongada lo que permite disfrutar en los mismos de un ir y venir de ideas, de planteamientos musicales y principalmente de ritmos y sonoridades, entre ellas africanas, indias o asiáticas (McCoy Tyner toca el koto -un instrumento proveniente de la cultura japonesa- en el tema “Valley Of Life”). Es sin lugar a duda la mezcla de estilos musicales y sonoridades el éxito de este concierto que se comenta y por extensión la grabación oficial de donde procede esta música, Sahara, que igualmente se recomienda como escucha y selección de la obra de este auténtico titán del piano.

Una irreparable pérdida que puede servir de excusa (aunque ello no debería de ser así) a la música de un excepcional creador.

jueves, 14 de marzo de 2019

CHILDREN OF THE LIGHT (PEREZ-PATITUCCI-BLADE): Stockholm 2018

CHILDREN OF THE LIGHT (PEREZ-PATITUCCI-BLADE):
Stockholm 2018

- Danilo Perez: Piano.
- John Patitucci: Contrabajo.
- Brian Blade: Batería.

Disc 1:
01. Untitled 4:31.
02. Gratitude 8:10.
03. Moonlight On Congo Square 10:00.
04. Announcement Danilo Perez 0:54.
05. Lumen 15:12.
06. Announcement Danilo Perez 1:26.
07. Within Everything 6:27.

Disc 2:
01. Untitled 9:24.
02. Untitled 4:14.
03. Untitled 10:26.
04. Announcement Danilo Perez 0:07.
05. Suite Of The Americas 16:53.

Live at the Fasching Jazz Club (Stockholm), 23 Abril 2018.
BOOTLEG.
CD 2018


Children Of The Light, Stockholm 2018 (Bootleg, 2018)


Children of the Light es el súper grupo coliderdo por el pianista Danilo Perez, el contrabajista John Patitucci y el baterista Brian Blade, y famosamente conocidos por pertenecer a la rítmica del último cuarteto de saxofonista Wayne Shorter. En el año 2015 estos músicos publicaron un muy buen disco de debut (y por ahora el único) en el sello discográfico Mack Avenue con el mismo nombre, que por desgracia pasó bastante desapercibido tanto para la crítica especializada como para los aficionados.

En Jazz Recordings tenemos algunos muy buenos bootlegs de este grupo, como el que ahora se comenta, y que a falta de grabaciones oficiales, sirven para poder valorar a la formación en pleno directo (de hecho en los próximos festivales de jazz de invierno por el territorio nacional los aficionados podrán disfrutar de esta formación con el cambio del baterista -será reemplazado por la exuberante e siempre interesante Terry Lyne Carrington-). La grabación procede de un concierto que ofrecieron el año 2018 en el afamado Fasching Jazz Club de Estocolmo, con una calidad musical y sonora superlativa.



"Perez-Patitucci-Blade son un grupo equilibrado, 
en donde se conocen a la perfección, 
sin dobleces ni egoísmos interpretativos 
y en donde el protagonismo lo detenta la calidad musical 
y la excelencia interpretativa de principio a fin"



Danilo Perez, John Patitucci y Brian Blade son una sección rítmica que se compenetra a la perfección, circunstancia que ya conocíamos de los conciertos que les vimos junto al saxofonista Wayne Shoter. El proyecto que llevan a cabo certifica ese entendimiento y acrecienta la idea que nos encontramos ante una extraordinaria formación, con una gran personalidad musical y melódica, y con caudal interpretativo altamente abierto y heterogéneo.

Todo lo que se ha señalado anteriormente se puede apreciar a la perfección en la grabación que comentamos. Y es que no cabe la menor duda que el trío Perez-Patitucci-Blade son un grupo equilibrado, en donde se conocen a la perfección, sin dobleces ni egoísmos interpretativos y en donde el protagonismo lo detenta la calidad musical y la excelencia interpretativa de principio a fin, todo ello con un estilo muy contemporáneo. Hay que escuchar y deleitarse con los desarrollos de “Moonlight On Congo Square” o “Lumen” (temas que aparecen en el compacto oficial) para percibir el jazz de corte moderno que ofrece la formación, aportaciones disonantes, sonoridades a veces muy buscada, ideas musicales autónomas por parte de cada intérprete, pero todo focalizado y encauzado al trío como ente catalizador final.






A pesar del estilo moderno y contemporáneo del concierto la presente grabación ofrece la interpretación de dos temas de Thelonious Monk (en el compacto no se encuentran mencionados, y son los dos primeros del compacto dos). Una referencia musical que sirve al trío para demostrar su faceta más abierta y multidisciplinar, aunque es en los temas de los propios músicos lo que sirve para definir las ideas de cada músico y para poder disfrutar de las intrépidas trayectorias que sirven para definir el trío como fin, lo que da como resultado una interacción sólida y una gran capacidad inventiva.

En definitiva una excelente grabación, de un excelente grupo y del cuál esperamos nuevas grabaciones, siendo por ello que desde Jazz Recodings recomendamos su única grabación oficial disponible del año 2015.

martes, 13 de noviembre de 2018

ROY HARGROVE: Roy Hargrove Quintet-Bimhuis Amsterdam 2010

ROY HARGROVE:
Roy Hargrove Quintet-Bimhuis 2010

- Roy Hargrove: Trompeta y fiscorno.
- Justin Robinson: Saxo Alto.
- Joel Holmes: Piano.
- Ameen Saleem: Contrabajo.
- Montez Coleman: Coleman.

- Ramon Valle: Piano in “Equipoise”.

Disc 1-1st Set:
01. The Stinger (Roy Hargrove) 08:42
02. Is That So (Roy Hargrove) 11:45
03. Brown (Roy Hargrove) 08:21
04. That Someone Must (Roy Hargrove) 05:03
05. Bye You (Roy Hargrove) 10:13
06. Kiss Me Right (Horace Silver) 09:17
07. Nothing Serious (Roy Hargrove) 04:29

Disc 2-2nd Set:
01. Lake Dance (Roy Hargrove) 11:09
02. Waltz For Carmen (Roy Hargrove) 10:07
03. Rouge (Roy Hargrove) 11:20
04. You’re My Everything (Roy Hargrove) > Equipoise (Stanley Cowell) 22:39

Live in Bimhuis, Amsterdam. 21.11.2010
Bootleg.
CD 2010


Roy Hargrove Quintet, Bimuis Amsterdam (Bootleg, 2010)


Tristemente sorprendidos por la repentina muerte del trompetista Roy Hargrove a la edad de 49 años, que murió de un ataque cardíaco el 2 de noviembre de 2018, después de haber sido ingresado en el hospital por un problema renal. La noticia ha cogido por sorpresa a la comunidad jazzística debido a que Hargrove era un conocido no solo por su gran talento musical sino también así mismo compositivo.

Descubierto por Wynton Marsalis en una visita que llevó a cabo a un instituto en la ciudad de Dallas, Hargrove no tardó en convertirse en un joven de prodigioso talento que a pesar de estar adscrito a la generación que se denomino del neo-bop, o neotradicionalistas y que se le conoció como The Young Lions (“los jóvenes leones”), nunca abandonó el concepto más canónico o tradicional proveniente de los grandes trompetistas, con Miles Davis a la cabeza de los mismos. Hargrove llegó a ganar dos Grammys, el primero en el año 1998 con su banda afrocubana Crisol por su disco Habana (Verve Records, 1997), mientras que el segundo le llegó en el año 2002 por Directions in Music: Live at Massey Hall (Verve Records, 2002). Obvia decir que el trompetista ha grabado y tocado con la flor y nata de los músicos tanto de su generación como de otras anteriores.

En Jazz Recordings se ha querido rendir un pequeño homenaje a la figura del trompetista norte americano y para ello hemos acudido a la discoteca de bootlegs para comentar un soberbio y estupendo concierto que Roy Hargrove ofreció en el prestigioso club Bimhuis de la ciudad holandesa de Amsterdam (el concierto presenta una calidad sonora de primera que bien podría estar en considerado una grabación oficial). El concierto recoge los dos pases que en el año 2010 el grupo de Hargrove ofreció en el mencionado club, en formación de quinteto y en donde el trompetista se acompaña de talentosos músicos como el saxofonista Justin Robinson, el pianista Joel Holmes o el superlativo baterista Montez Coleman (quien estuvo con Hargrove a lo largo de muchos años).

El repertorio se encuentra conformado principalmente por temas del propio trompetista (todos ellos de considerable duración) y los mismos demuestran dos de las grandes facetas del mismo, en primer lugar el superlativo músico que era Hargrove, tanto con la trompeta abierta como con la sordina, pero muy especialmente con el fiscorno, y en segundo lugar, el gran compositor en que se había convertido, tanto en los temas más aguerridos y suculentos a nivel interpretativo como en las baladas más sugerentes y delicadas. Los temas a nivel musical demuestran una gran influencia de la tradición, hay que escuchar la espectacular versión que llevan a cabo del tema de Orase Silver “Kiss Me Right”, pero así mismo detentan un gran querencia por las hechuras modernas y actuales.

El músculo interpretativo de la formación se percibe a lo largo de los dos pases, tan solo hay que disfrutar de la soberbia y aguerrida aportación del saxofonista Justin Robinson a lo largo de muchos de los temas, tan solo citar a modo de ejemplo las composiciones “Lake Dance” o “You’re My Everything”, o la también interesante participación del pianista Joel Holmes y sin olvidar el acompañamiento del baterista Montez Coleman.

Una excelente grabación y una mejor música que sirve de homenaje para el reciente fallecimiento de éste excepcional músico que era Roy Hargove.

martes, 7 de agosto de 2018

TOMASZ STANKO: The Green Hill Project, Jazz Baltica Salzau 2000

TOMASZ STANKO:
The Green Hill Project-Salzau 2000

- Tomasz Stanko: Trompeta.
- John Surman: Saxo y clarinete bajo.
- Dino Saluzzi: Bandoneon.
- Michelle Makaraski: Violín.
- Anders Jormin: Contrabajo.
- Jon Christensen: Batería.

01. Domino 10:48
02. …y despues De Todo 07:52
03. …from The Green Hill 13:03
04. Pantronic 13:09
05. Quintet’s Time 04:58

The Green Hill Project.
Jazz Baltica. Landeskulturzentrum, Salzau, Germany; June 10, 2000. Very good satellite radio.
Bootleg.
CD 2000


Tomasz Stanko, The Green Hill Project-Jazz Baltica 2000 (Bootleg, 2000)




El trompetista polaco Tomasz Stanko, una figura destacada del jazz de vanguardia europeo de mediados de la década de 1960, discípulo del legendario Krzysztof Komeda, y figura capital del jazz europeo y más en concreto del jazz polaco, falleció el 29 de julio de 2018 en Varsovia a la edad de 76 años. Su hija, Anna Stanko, confirmó su muerte y señaló que a su padre se le había sido diagnosticado un cáncer terminal a principios de este año.

La pérdida de este músico es altamente significativa debido a la extraordinaria aportación musical que llevó a cabo al instrumento de la trompeta, siendo considerado como uno de los mejores instrumentistas no solo de Europa sino así mismo del panorama jazzístico internacional. Son importantes sus colaboraciones con significativas formaciones como la Globe Unity Orchestra de Alexander Von Schlippenbach o figuras de la talla de Cecil Taylor, Gary Peacock, Chico Freeman o Edgard Vesala. Los aficionados le recordarán por los extraordinarios trabajos discográficos que publicó en el sello europeo ECM Records. Uno de estos (altamente aclamado) fue el que lideró en 1999, From the Green Hill, en donde Stanko capitaneaba una sesión de auténtico lujo, la violinista Michelle Makarski, el saxofonista John Surman, el maestro del bandoneón Dino Saluzzi, el baterista Jon Christensen, y el contrabajista Anders Jormin.

Este trabajo provocó una gira por diversos festivales lo que conllevó en su momento la aparición de diversos bootlegs. En Jazz Recordings se ha querido rendir un homenaje a Tomasz Stanko a través de una de estas grabaciones. El concierto que ahora se comenta (incompleto en sus temas, pero de extraordinaria calidad) cuenta con la misma formación del disco oficial. La presente grabación demuestra lo que el disco oficial en su momento expuso, la extraordinaria versatilidad del trompetista polaco, un “todo terreno” musical capaz de abarcar distintos lenguajes y expresiones musicales. Se trata sin duda alguna de un jazz de cámara que abraza diversas influencias europeas, teniendo como punto de partida la música del propio trompetista para de esta forma ensamblar y preferiblemente hermanar otro tipo de sonoridades.

La grabación presenta temas del proyecto oficial todos ellos provenientes de la pluma de Tomasz Stanko a excepción de “Domino” perteneciente a John Surman. La música que se desprende de todos los temas es realmente excepcional y de gran inventiva creativa, no solo por parte del líder de la sesión sino también por parte del resto de músicos (todos ellos de contrastada calidad y extraordinario calado musical), tan solo hay que escuchar la introducción de casi cinco minutos de duración que lleva a cabo la violinista Michelle Makaraski en “…from The Green Hill” con sonoridades centro europeas, para dar paso a un grupo cohesionado y altamente musical.

Extraordinarias y exquisitas son las aportaciones tanto a nivel solista como de acompañante que lleva a cabo Dino Saluzzi, sin desmerecer en ningún momento las que acomete John Surman al saxo, pero muy significativas las que lleva a cabo en el clarinete bajo, para ello hay que escuchar la introducción que ejecuta en la introducción del tema “Pantronic”, un ejercicio estilístico libre y de improvisación musical que finaliza con un Dino Saluzzi presentando la sonoridad del clásico “My One and Only Love”, una auténtica delicia musical.

Este concierto que se comenta demuestra la extraordinaria calidad del proyecto que en su momento acometió Tomasz Stanko y que recientemente nos ha dejado y que desde Jazz Recodings hemos querido rendir un sentido homenaje.

jueves, 26 de julio de 2018

MILES DAVIS: Theatro Municipal, Sao Paulo, Brasil 1974

MILES DAVIS:
Theatro Municipal, Sao Paulo, Brasil 1974

- Miles Davis: Trompeta y teclados.
- Dave Liebman: Saxo soprano, saxo tenor y flauta.
- Pete Cosey: Guitarra y percusión.
- Reggie Lucas: Guitarra.
- Dominique Gaumont: Guitarra.
- Michael Henderson: Bajo eléctrico
- Al Foster: Batería.
- James Mtume Forman: Conga y percusión.

01. Funk [Prelude, Part 1] 12:49
02. Ife 15:51
03. Turnaroundphrase 3:04
04. Tune In 5 5:38

Theatro Municipal, Sao Paulo, Brasil 1974, 28 de Mayo de 1974 (first set).
Bootleg.
CD 2018


Miles Davis, Theatro Municipal Sao Paulo-Brasil 1974 (Bootleg, 2018)



En Jazz Recordings comentamos bootlegs interesantes para los coleccionistas, en la mayoría de los casos de muy complicada localización. Una de las últimas adquisiciones es éste concierto de la época eléctrica de Miles Davis de los mediados de los setenta. Una época tan básica y esencial en el devenir de la carrera del trompetista como denostada y criticada, en donde los aficionados encontrarán una avalancha de conciertos, muy principalmente dentro de los no oficiales o bootlegs.

Este concierto que llevó a cabo la ciudad de San Paulo en 1974 (incompleto y perteneciente al “primer set”), en su momento fue publicado por el sello discográfico japonés Hannibal en formato de doble compacto con el titulo referenciado de Miles Davis-Protocosmos: Sao Paulo 1974 (Hannibal 10, 2010). En esta grabación, en el primer compacto aparece la actuación de Sao Paulo tal y como ahora se comenta, mientras que  por el contrario en el segundo compacto aparece una grabación en directo en el Studio Rivbea de Nueva York el 6 de Septiembre de 1974, Charles Bobo Shaw & Human Arts Ensemble featuring Dominique Gaumont con el título de Streets Of St. Louis, y en donde no aparece Miles Davis en ningún momento.

El octeto de Miles Davis llevó a cabo un recorrido por las diversas ciudades sudamericanas en mayo de 1974, es por ello que actuaron tres noches en Río de Janeiro (23-25 de mayo) y otras tres noches en São Paulo (28 y 31 de mayo, y de 1 de junio). Según información que hay en relación a esta gira existen diversas grabaciones de esta gira existen (parece ser hechas por Liebman u otros músicos de la banda).

El presente concierto de escasos treinta y ocho minutos de duración, viene a demostrar el típico estilo de Miles Davis de los años setenta, una estructura típica de las actuaciones en directo y de los discos que publicaba el trompetista en aquella época. Temas con un extenso minutaje en donde se frecuentaba la mezcla de sonidos y en donde sobresale la presencia de dos importantes músicos, Pete Cosey y James Mtume Forman. Pete Cosey tenía un excelente curriculum como músico de sesión de la casa discográfica Chess Records, había tocado para Check Berr, Howlin´Wolf, Etta James o el mismísimo Muddy Waters, además Cosey había estado al servicio  de músicos de jazz de la talla de Sonny Stitt o Shirley Scott. Pero fue su vertiente más funk la que le llamó la atención de Miles y la que le propició la entrada al mundo tanto musical como sonoro del trompetista.

La presencia de Pete Cosey al grupo de Miles Davis propició un aspecto más eléctrico en el sonido de la banda, los destellos de Jimi Hendrix son extraordinariamente evidentes no solo en esta actuación sino así mismo en las grabaciones oficiales de la época. “Funk [Prelude, Part 1]” es la prueba palpable y evidente de lo señalado, al igual que el mismo participa de un gran sentido del funk y del groove, todo ello envuelto en una potente armonía en donde el trompetista se presenta como referente y faro musical. Ello va a facultar al grupo construir una paleta sonora caracterizada por la aportación musical de las tres guitarras eléctricas lo que va a permitir la fusión de los sonidos de todos los integrantes, y en donde sobresalen los solos de Pete Cosey, Dave Liebman o Mtume.

Un excelente bootleg que nos aporta más información musical de uno de los períodos más interesantes en la carrera de una de las figuras capitales del jazz, Miles Davis.

martes, 3 de abril de 2018

BILL EVANS: The Paris Concert-Two Lost Tracks

BILL EVANS:
The Paris Concert
Two Lost Tracks

- Bill Evans: Piano.
- Marc Johnson: Contrabajo.
- Joe LaBarbera: Batería.

01. Suicide Is Painless (Johnny Mandel) 04:19
02. But Beautiful (Jimmy Van Heusen) 04:40

BOOTLEG.
CD 2018


Bill Evans, The Paris Concert-Two Lost Tracks (Bootleg, 2018)

Hay músicos de los cuales los aficionados nunca tienen suficiente música. Músicos cuyo seguimiento es continuo no solo por los propios seguidores sino también por las revistas especializadas (la revista francesa Jazz Magazine dedica números especiales de forma asidua a estos músicos, como el número de Marzo 2018), e incluso las discográficas buscan de manera incesante material inédito. Es lo que ocurre con el pianista americano Bill Evans, cuya figura tiene un peso indiscutible en la historia del jazz, su influencia ha sido determinante y básica en muchos otros pianistas (y también músicos), y su patrimonio musical es cuantioso, variado y heterogéneo.

En los últimos años la discográfica independiente norteamericana Resonance Records se encuentra llevando a cabo un importante y extraordinario trabajo de recuperar y descubrir material inédito de Bill Evans, principalmente material musical histórico original y no publicado con anterioridad. En Jazz Recordings nos hemos hecho eco de muchas de estas grabaciones, así como de algunas otras provenientes de diversos sellos discográficos. Muchas de estas grabaciones provienen de conciertos en directo, a excepción de una sesión de estudio que se llevó a cabo en el año 1968 en los celebres estudios de grabación del sello discográfico alemán MPS. Esta referencia apareció publicada en 2016 bajo el título de Some Other Time-The Lost Session from The Black Forest, y lo hizo en una edición extremadamente cuidada y de lujo de dos CD.

El 26 de Noviembre de 1979 Bill Evans y su trío (la sección rítmica estuvo conformada por Marc Johnson al contrabajo y Joe LaBarbera a la batería) ofrecieron dos conciertos en L´Espace Cardin de Paris, ambos conciertos fueron grabados por la radio pública francesa Radio France. Tras la muerte de Bill Evans en el año 1980 estos conciertos aparecieron publicados oficialmente bajos las referencias de Bill Evans-The Paris Concert, Edition 1 y de Bill Evans-The Paris Concert, Edition 2.  Estas grabaciones inicialmente fueron publicadas en vinilo por el sello discográfico Elektra Musician en el año 1983 y 1984 respectivamente, para posteriormente en la época de CD ser de nuevo reeditadas bajo el paraguas de Blue Note.



Bill Evans, The Paris Concert-Edtion One (Elektra Musician, 1983)


La Edición 1 (cuya portada mostraba una excelente foto de Henri Cartier-Bresson) contenía los siguientes temas I Do It For Your Love; Quiet Now; Noelle's Theme; My Romance; I Loves You Porgy; Up With The Lark; All Mine (Minha); Beautiful Love y Excerpts Of A Conversation Between Bill And Harry Evans. Resulta curioso y hay que señalar que la reedición en formato compacto bajo el sello Blue Note de 2001, no incluía los extractos de la entrevista que sí aparecía en la edición original. Mientras que la La Edición 2 contenía los siguientes temas, Re:Person I Knew; Gary's Theme; Letter To Evan; 34 Skidoo; Laurie y Nardis.



Bill Evans, The Paris Concert-Edtion Two (Elektra Musician, 1984)

Se tenía conocimiento y era sabido que el concierto de Paris 26 de Noviembre de 1979 no fue publicado en su total integridad, y como hacen muchas discográficas, no fue editado en el orden en que fue interpretado a lo largo del concierto. Los aficionados a Bill Evans llevan dsifrutando de estas grabaciones desde hace años, y en donde se puede comprobar a una de las últimas secciones rítmicas (y mejores) que acompañó al pianista, el contrabajista Marc Johnson y el baterista Joe LaBarbera. La música fluye en todo instante a través de cada músico y muy principalmente de la formación como unidad interpretativa.

Los dos temas que se ahora se comentan y que pertenecen a este concierto, y que por extrañas razones nunca han visto la luz de forma oficial, “Suicide Is Painless” de Johnny Mandel y “But Beautiful” de Jimmy Van Heusen, reafirman y ahondan la sensación anteriormente comentada de la actuación y aportan (aunque sean nueve minutos escasos) más música de este sensacional concierto y de Bill Evans en concreto. Los bootlegs (como es este caso) sirven para dar a conocer material muy poco conocido y material que de alguna manera quedaría en el más completo olvido.

Sería interesante una edición “total e integra” del concierto de Paris de 26 de Noviembre de 1979, y si pudiera ser en el orden cronológico en que fueron interpretados los temas, para de esta forma dar con una edición completa del concierto. Y es que como tal y como se comenzaba el comentario de este bootleg, no hay nunca suficiente música de Bill Evans, de hecho se espera la aparición de más material inédito de este músico, principalmente de actuaciones en directo. Bill Evans vive.

martes, 12 de diciembre de 2017

THELONIOUS MONK: Thelonious Monk Quartet, Cologne, Germany December 2, 1969

THELONIOUS MONK:
Thelonious Monk Quartet, Cologne, Germany December 2, 1969

- Thelonious Monk: Piano.
- Charlie Rouse: Saxo tenor.
- Nate Hygelund: Contrabajo.
- Austin "Paris" Wright: Batería.

01. My Ideal (Richard A. Whiting/Leo Robin) 11:16
02. I Mean You (Coleman Hawkins, Thelonious Monk) 09:00
03. Bright Mississippi (Thelonious Monk) 08:14
04. Straight, No Chaser (Thelonious Monk) 08:45
05. Epistrophy (Thelonious Monk, Cootie Williams, Kenny Clark) 02:35
06. I Love You (Sweetheart Of All My Dreams) (Art Fitch, Kay Fitch & Bert Lowe) (Solo Piano) 01:39
07. Announcement 01:53
08. Blue Monk (Thelonious Monk) 08:07
09. Hackensack (Thelonious Monk) 08:32
10. Light Blue (Thelonious Monk) 07:38
11. Blues Five Spot (Thelonious Monk) 07:48
12. Don't Blame Me (Jimmy McHugh/Dorothy Fields) (Solo Piano) 03:12

Grabado en directo en Colonia (Aalemanía), el 2 de Diciembre de 1969.
Todos los temas no publicados previamente de manera oficial.
BOOTLEG
CD


Thelonious Monk Quartet, Cologne, Germany December 2, 1969 (CD Bootleg)

Con motivo del centenario del nacimiento de una de las figuras más importantes del jazz, Thelonious Monk (10 de Cotubre de 1917), en Jazz Recordings se ha querido llevar a cabo un pequeño homenaje a su figura con un excelente y extraordinaria grabación en formato de bootleg. Excelente por la calidad de la música interpretada y que reunía al pianista junto a unos de sus más estrechos colaboradores, el saxofonista tenor Charlie Rouse, y extraordinaria por contener la grabación dos conciertos ofrecidos en la ciudad de Colonia en el año 1969 con una calidad de sonido muy buena y altamente disfrutable.

Hay que señalar que a efectos de coleccionismo que este bootleg fue publicado en el año 2012 por el sello discográfico europeo Nice Life Music referenciado con el título Thelonious Monk-Live in Köln 1969 en una edición que obvia comentar que es de muy complicada localización, aunque hay que apuntar que la misma hacía bastante tiempo que los aficionados la disfrutaban de manera “pirata”.


Thelonious Monk Quartet, Live in Köln 1969 (Nice Life Music, 2012)

El sonido de la grabación como se ha comentado es muy bueno lo que permite escuchar y apreciar con perfecto detalle todos los instrumentos sin merma de calidad alguna de los mismos. La grabación contiene dos conciertos ofrecidos por el que en esa época era el cuarteto de Monk y que a la postre sería su última gira por Europa con en esa formación. Los conciertos permiten apreciar la conjunción y el perfecto entendimiento que tuvo con uno de los músicos más afines que llegó a tener, el extraordinario saxofonista tenor Charlie Rouse (que perteneció al grupo del pianista durante los años 1959 a 1970), de hecho ésta fue la última gira que el mismo llevó a cabo junto a Monk.

El repertorio se encuentra configurado por temas principalmente del pianista (algunos de ellos títulos emblemáticos en la discografía del músico como “Straight, No Chaser” “Epistrophy” o “Hackensack”), aunque hay señalar la versión de más de once minutos de duración del tema "My Ideal" con que se abre el primer set y que sin duda alguna es uno de los momentos álgidos del compacto. Tanto Monk como Rouse se encuentran en una maravillosa forma musical, el pianismo de “Straight, No Chaser” es gran calidad musical, y no solo por parte de Monk o Rouse sino también por parte del resto de miembros del grupo. Austin “Paris” Wright es un batería solvente y con un poco más de nervio que los precedentes músicos que acompañaron al pianista, pero que en esta gira por Europa se encuentra correcto y no desmerece en ningún momento en el grupo de Monk.

Una excelente propuesta musical que aún no siendo una grabación oficial sirve para llevar a cabo un pequeño homenaje con motivo del centenario del nacimiento de una de las figuras más importantes de toda la historia del jazz, Thelonious Monk.

miércoles, 12 de julio de 2017

CHARLES LLOYD & GERI ALLEN: Charles Lloyd & Geri Allen Duo

CHARLES LLOYD & GERI ALLEN:
Charles Lloyd & Geri Allen Duo

- Charles Lloyd: Saxo tenor y flauta.
- Geri Allen: Piano.
           
01. Hurdy Gurdy (Charles Lloyd) 08:24
02. The Prayer (Charles Lloyd) 10:47
03. Blues for Langston (Charles Lloyd) 08:59
04. Beyond Darkness (Charles Lloyd) 09:56
05. Miss Jessye (Charles Lloyd) 19:41
06. Nachekita Lament (Charles Lloyd) 10:48
07. Come Sunday (Duke Ellington) 02:48

Live in Cully Jazz Festival, Chapiteau, el 26 de Marzo de 2004.
BOOTLEG.
CD 2004


Charles Lloyd & Geri Allen, Charles Lloyd & Geri Allen Duo (CD Bootleg, 2004)


Con motivo del reciente fallecimiento de la pianista americana Geri Allen a la edad de 60 años a consecuencia de un cancer, en Jazz Recordings se ha querido llevar a cabo un pequeño homenaje a la que sin ningún tipo de duda ha sido una de las pianistas de jazz más importantes de los últimos tiempos, con una carrera musical importante no solo a nivel discográfico, sinó así mismo por sus aportaciones para músicos de la talla de Ornette Coleman, Lester Bowie, Arthur Blythe, Charlie Haden, Paul Motian u Oliver Lake entre otros, y sin dejar de mencionar su participación en el grupo del saxofonista Charles Lloyd y del que tan buenos réditos musicales obtuvo tanto la pianista como el propio saxofinsta. Geri Allen igualmente ostenta en su haber algunos premios importantes como el prestigioso Jazzpar Prize del año 1996 (un premio que en el año 2005 se dejó de otorgar por falta de apoyo económico).

De su colaboración con Charles Lloyd es esta actuación en formato de dúo en directo en el Cully Jazz Festival de Suiza del año 2004 y que originó en su momento un excelente bootleg tanto por la calidad del sonido de la grabación como por la música que interpretaron. El concierto se encuentra confeccionado en su totalidad por temas originales del saxofonista a excepción de una composición de Duke Ellington.

En esta actuación el saxofonista y la pianista se encuentran sin resplado de seccion rítmica alguna lo que va a posibilitar un diálogo continuado y sin igual entre ambso intérpretes. Lloyd tanto al saxo tenor como a la flauta demuestra ese sonido anguloso e incisivo en busqueda de recovecos sonoros y todo ello impregnado de un lirismo bello pero por momentos lastimero, resaltar las aportaciones a la flauta en los temas “Blues for Langston” o “Beyond Darkness”. Por lo que se refiere a Geri Allen no solo se encuentra estupenda como apoyo a las disquisiciones del saxofonista, sino que demuestra en los momentos solistas una gran personalidad interpretativa poseedora de un lenguaje capaz de enfrentarse a planteamientos y repertorios altamente creativos como el tema “Nachekita Lament” o “Miss Jessye” (la composición más extensa, completa y arriesgada de la actuación), sin dejar por ello de proporcionar un toque sutil y reposado en otros momentos del concierto, como en el incio del tema “Beyond Darkness”, en donde la flauta de Lloyd unido a un pianismo delicado y cuidado confieren una interpretación llena de sensualidad y de música de gran calidad.

Un excelente bootleg que sirve para rendir homenaje a la exclente pianista Geri Allen, pero que igualmente esgrime las bondades interpretativas de uno de los saxofonsitas más creativos y muy activo en actualidad. Charles Llod. Un músico muy apreciado en Jazz Recordings y del que se han comentado un elevado número de grabaciones.