KEITH JARRETT: Bordeaux Concert

KEITH JARRETT:
Bordeaux Concert

- Keith Jarrett: Piano.

01. Part I 12:45
02. Part II 4:44
03. Part III 4:33
04. Part IV 7:47
05. Part V 6:16
06. Part VI 4:23
07. Part VII 7:28
08. Part VIII 5:48
09. Part IX 4:39
10. Part X 2:54
11. Part XI 6:08
12. Part XII 5:34
13. Part XIII 4:31

Grabado en directo el 6 de Julio de 2016 en el Auditórium, Opera Nacional, Bordeaux.

ECM Records.
ECM 2740 4576607
CD 2022

Keith Jarrett, Bordeaux Concert (ECM Records, 2022)

La discográfica ECM Records dirigida por el incansable Manfred Eicher sigue apostando y publicando conciertos en solitario del gran pianista Keith Jarrett. Se podría decir que está “obsesión e insistencia” por mostrar el arte de dialogar consigo mismo de Jarrett no tiene límites, a pesar de la nutrida discografía que existe del pianista norte americano.  

Este concierto grabado en Burdeos pertenece a su gira europea de 2016, hay que recordar que ECM Records publicó el Budapest Concert, un álbum doble de una actuación en solitario del pianista en la sala de conciertos Béla Bartók de la ciudad de Budapest en el mismo año 2016, grabación que fue reseñada en su momento en Jazz Recordings. Parece ser que el concierto que ahora se comenta es además uno de los pocos conciertos en donde Keith Jarrett se sintió confortable y en una perfecta comunión con la audiencia del mismo.

El concierto se presenta dividido en 13 partes (algunas de ellas muy cortas en su minutaje) que van desde los momentos más atonales hasta los elementos más líricos y sensibles. Es una constante en este tipo de conciertos por parte de Jarrett llevar al oyente por diversos estados musicales, momentos de fuerte calado de improvisación repleto de matices y sonoridades junto con piezas extremadamente líricas y llenas de sensibilidad. Ya en alguna ocasión se ha comentado en otras grabaciones que estos conciertos representan en si mismos todo un micro-cosmos musical interpretativo y sonoro en donde Jarrett demuestra un gusto exquisito por el gospel, el blues (una referencia inevitable a lo largo de se su extensa discografía) y por supuesto por las baladas improvisadas más cautivadoras que se puedan interpretar.

Este nuevo concierto publicado por ECM Records sigue la línea comentada y servirá de documento sonoro para seguir incrementando su ya de por si abultada discografía, aunque sería de agradecer alguna nueva grabación del trío que tenía Jarrett junto a Gary Peacock y Jack DeJohnette.   

Una grabación que no aportará nada que ya se conozca en la discografía de Keith Jarrett, pero que a los seguidores y aficionados a Keith Jarrett siempre interesará. Altamente recomendable.

MARK TURNER: Return from the Stars

MARK TURNER:
Return from the Stars

- Mark Turner: Saxo tenor.
- Jason Palmer: Trompeta.
- Joe Martin: Contrabajo.
- Jonathan Pinson: Batería.

01. Return From The Stars 09:34
02. Terminus 07:22
03. Bridgetown 08:86
04. It´s Not Alright With Me 10:25
05. Nigeria II 04:36
06. Waste Land 05:16
07. Unacceptable 12:22
08. Lincoln Heights 06:15

ECM Records.
ECM 2684-3842871
CD 2022

Mark Turner, Return from the Stars (ECM Records, 2022)

Excelente y muy interesante grabación el último proyecto del saxofonista Mark Turner, un trabajo cuyo título es un homenaje al escritor polaco de ciencia ficción Stanislav Lem, y en concreto basado en un libro del escritor de igual título, “Retorno de las estrellas”.

Con Return from the stars Mark Turner regresa al formato de cuarteto, un tipo de formación que lo tenía aparcado desde hace algún tiempo, su último trabajo en este formato fue Lathe of Heave (2014) también para ello discográfico ECM Records. En este nuevo cuarteto han cambiado algunos integrantes de la formación de 2014, en concreto el trompetista y el baterista, pero no por ello el grupo ha perdido un ápice de musicalidad ni creatividad.

Hay que comentar que estamos ante un disco típico de este saxofonista, un proyecto conformado en su totalidad por composiciones propias del mismo y en donde predomina un jazz complejo en donde la búsqueda sonora e interpretativa es una constante, no solo por la parte del líder sino así mismo por el resto de los músicos que le acompañan. Los temas del compacto (algunos de ellos de extenso minutaje) son densos y exigentes en sus desarrollos, con un sonido contundente y en otros reflexivo por momentos. La ausencia de un piano permite mucho espacio para el desarrollo de las ideas musicales de Mark Turner, una circunstancia que el grupo sabe explotar de manera perfecta e imaginativa.

Hay que señalar la excelente interacción entre Mark Turner y Jason Palmer, ya que por momentos ambos aprovechan las líneas interpretativas de cada uno para cultivar la armonía o las diversas disonancias que se producen. Ambos músicos manifiestan pulsos muy marcados (diálogos y tensiones discursivas en los dos instrumentos de viento), con fraseos sencillos y muy limpios a nivel sonoro, dejando a la sección de acompañamiento la resolución o contribución en función de la exigencia de Mark Turner.

Hay que dejar claro que el último trabajo de Mark Turner es proyecto altamente exigente a nivel musical, lo que obligará al aficionado a una retirada y atenta. Un disco que desde Jazz Recordings se recomienda, y que sin duda alguna estará entre los mejores del año.

AVISHAI COHEN: Naked Truth

AVISHAI COHEN:
Naked Truth

- Avishai Cohen: Trompeta.
- Yonathan Avishai: Piano.
- Barak Mori: Contrabajo.
- Ziv Ravitz: Batería.

01. Part 1 01:51
02. Part 2 05:06
03. Part 3 05:49
04. Part 4 07:37
05. Part 5 02:06
06. Part 6 00:50
07. Part 7 02:47
08. Part 8 04:29
09. Departure 04:28

ECM Records.
ECM 2737-3899594
CD 2022

Avishai Cohen, Naked Truth (ECM Records, 2022)

La última grabación del trompetista israelí Avishai Cohen es posiblemente el mejor disco de su carrera discográfica, tanto por la concepción artística como musical que desprende a lo largo de una suite compuesta de ocho partes y una coda titulada “Departure” (un poema de Zelda Schneurson Mishkovsky que es recitado por el propio Cohen y que se puede leer en la carpetilla del trabajo discográfico). La propia web del sello discográdfico ECM Records señala de manera textual que “hay una calidad de búsqueda y anhelo en Naked Truth, y una belleza y vulnerabilidad crudas en el sonido de trompeta de Avishai Cohen”.

Avishai Cohen © Photo by Joan Carles Abelenda

Con estos parámetros AviShai Cohen y su grupo (una excelente formación capitaneada por otro magnífico músico como es el pianista Yonathan Avishai o el colaborador habitual, el contrabajista Barak Mori) nos presenta una música inquietante, llena de lirismo y sensibilidad, minimalista, pero ante todo una música llena de sonoridades desplegadas ya sea desde de la trompeta abierta o con sordina. En esas sonoridades se pueden reconocer ciertos ecos del gran Miles Davis, pero a pesar de esa inevitable influencia el aficionado podrá apreciar un discurso eminente propio y personal por parte de Avishai Cohen.

Estamos ante un proyecto contemplativo, reflexivo, íntimo y altamente sugestivo, un disco que debe de ser degustado y disfrutado sin las urgencias del día a día que tenemos para de esta forma podernos imbuir en cierto estado de abstracción. Así mismo, es recomendable la escucha de Naked Truth en más de una ocasión para poder extraer del mismo el gran potencial musical que tiene.

MASABUMI KIKUCHI: Black Orpheus

MASABUMI KIKUCHI:
Black Orpheus

- Masabumi Kikuchi: Piano.

01. Tokyo Part I 05:52
02. Tokyo Part II 03:57
03. Tokyo Part III 05:33
04. Tokyo Part IV 07:27
05. Tokyo Part V 05:05
06. Black Orpheus 08:17
07. Tokyo Part VI 06:38
08. Tokyo Part VII 07:38
09. Tokyo Part VIII 06:30
10. Tokyo Part IX 07:09
11. Little Abi 06:43

ECM Records.
ECM 2459 4732215
CD 2016

Masabumi Kikucki: Black Orpheus (ECM Records, 2016)

Hemos tenido noticias de la aparición en el mercado discográfico hace unos cuantos meses de la publicación de uno nuevo disco del emblemático pianista japonés Masabumi Kikuchi conocido con el sobrenombre de “Poo”. Se trata de un trabajo publicado por Red Hook Records a piano solo y que parece ser fue su última grabación de estudio tal y como se enuncia en la portada del disco. El disco titulado Hanamichi fue grabado en el año 2013 y ocho años más tarde ha visto finalmente la luz.

A la espera de poder adquirir este trabajo en Jazz Recordings se quiere comentar el que por ahora era su ultima grabación conocida, un concierto en directo del año 2012 en el Bunka Kaikan Recita Hall de Tokio y que publicó ECM Records en el año 2016 un año después de la muerte de Kikuchi. En Jazz Recordings comentamos en su momento otro disco para la misma discográfica en formato de trío junto a Thomas Morgan y Paul Motian con el título de referencia Sunrise (ECM Records, 2016).

Kikuchi ha tenido siempre un lenguaje completamente personal e intransferible que es perfectamente visible en esta grabación, compuesta por un repertorio a base de una suite de nueve partes a la que se añade una versión del tema “Black Orpheus” y que da titulo al disco, y que se encuentra insertada en medio de la mencionada suite, y que concluye con el “Little Abi”, una balada que escribió Kikuchi para su hija y que había interpretado en su momento junto a Elvin Jones.

La suite de Tokio demuestra a un pianista ensimismado en la interpretación con improvisaciones de fuerte tendencia íntimista y reflexiva demostrando su propia personalidad al piano, utilizando para ello una paleta de sonidos y armonías atmosféricas y aeróbicas en donde hace valer la cita que se atribuye al arquitecto Mies Van der Rohe de “menos es más”, es decir, Kikuchi demuestra un gusto exquisito por la contención interpretativa poniendo un especial énfasis en el control armónico y en algunos momentos en el uso de disonancias, valga de ejemplo las partes de “Tokyo Part V” o “Tokyo Part VI”.

La pieza central del álbum es una interesante, sorprendente e íntima deconstrucción del tema de Luis Bonfá y Antõnio Maria “Black Orpheus, Manhã de Carnaval”, que es interpretada de una manera muy minimalista y marcando el tema a la perfección lo que permite el reconocimiento del mismo desde el primer momento. Un tema sutil, lleno de sonoridades y de silencios que demuestra la maestría de interpretativa de Kikuchi. El disco se cierra con la composición "Little Abi", un tema que Kikuchi escribió para su hija y que había grabado 40 años antes con Elvin Jones (tema que también aparece en el nuevo disco de Red Hook Records). Una interpretación llena de reflexión y sensibilidad por todos los lados.

Un excelente y superlativo disco que requiere ser disfrutado y deleitado sin las prisas en las que nos vemos envuelto en nuestro día a día. La música de Kikuchi requiere de ser escuchada en condiciones de tranquilidad y Black Orpheus requiere parsimonia y serenidad para poder adentrarnos en todo un mundo musical e interpretativo muy personal, el de Masubimi Kikuchi.

KEITH JARRETT: Budapest Concert

KEITH JARRETT:
Budapest Concert

- Keith Jarrett: Piano.

CD 1:
1-1 Part I 14:42
1-2 Part II 6:54
1-3 Part III 8:10
1-4 Part IV 7:53

CD 2:
2-1 Part V 5:13
2-2 Part VI 3:52
2-3 Part VII 5:45
2-4 Part VIII 5:35
2-5 Part IX 2:42
2-6 Part X 8:40
2-7 Part XI 5:54
2-8 Part XII-Blues 4:04
2-9 It's A Lonesome Old Town 8:01
2-10 Answer Me, My Love 4:55

Grabado en directo el 3 de Julio de 2016 en Béla Bártok Concert Hall, Budapest.

ECM Records.
ECM 2700/01 0730194
2 CD 2020

Keith Jarrett, Budapest Concert (ECM Records, 2020)

A finales del año pasado el mundo del jazz quedó sumamente conmocionado con la noticia que el pianista Keith Jarrett sufrió varios derrames cerebrales en el año 2018, las revelaciones de las consecuencias de los mismos hacen que se descarte que vuelva a tocar el piano y casi se da por segura la retirada de los escenarios y de sus afamados conciertos a piano solo a los que nos tenia acostumbrados. El aficionado que ha tenido la oportunidad de disfrutar de los conciertos a piano solo de Jarrett sabe del momento único que representaba la asistencia a uno de ellos. Se podía decir que los mismos eran un acto místico debido al carácter imprevisible del personaje, al repertorio que se interpretaba que nunca era conocido y a la música interpretada a lo largo del concierto.

Después de la publicación el año pasado de la grabación Munich 2016 y de otro disco en directo de música clásica (El Clave Bien Temperado de J. S. Bach), en 2020 la discográfica ECM Records publica una nueva grabación de Jarrett, el concierto denominado, Budapest Concert, un álbum doble de una actuación en solitario del pianista en la sala de conciertos Béla Bartók de la ciudad de Budapest en el año 2016.

Este concierto que ahora comentamos a buen seguro no aporta nada nuevo a la de por si abultada discografía del pianista norte americano, pero a pesar de ello, es una auténtica delicia y oportunidad poder seguir disfrutando del arte pianístico de uno de los mayores improvisadores que ha dado el jazz en toda su historia.

El compacto doble de este concierto nos muestra a un Keith Jarrett altamente musical, intenso en su discurso interpretativo, y en donde mezcla momentos de fuerte calado improvisatorio lleno de matices, con piezas extremadamente líricas y sensibles, todo ello a través de formato de partes tan solo identificadas con un número, representando muchas de ellas por si solas todo un micro-cosmos musical, y por supuesto interpretativo. El aficionado también podrá saborear el gusto interpretativo por el blues de Jarrett (un estilo que ha desarrollado el pianista en muchos de sus conciertos), así como la ejecución de estándares del cancionero norte americano como son “It´s A Lonesome Old Town” y un hermosísimo “Answer Me, My Love”.

Un grabación que sin ser esencial en la discografía de Keith Jarrett no deja de ser una atractiva recomendación para muchos de los seguidores de Jarrett. Altamente interesante.

MARCIN WASILEWSKI: MARCIN WASILEWSKI TRIO, JOE LOVANO, Arctic Riff

MARCIN WASILEWSKI:
MARCIN WASILEWSKI TRIO, JOE LOVANO
Arctic Riff

- Marcin Wasilewski: Piano.
- Slawomir Kurkiewicz: Contrabajo.
- Michal Miskiewicz: Batería.
- Joe Lovano: Saxo tenor.

01. Glimmer of Home 08:33
02. Vashkar 05:56
03. Cadenza 09:12
04. Fading Sorrow 06:01
05. Arco 04:00
06. Stray Cat Walk 02:32
07. L´Amour Fou 08:52
08. A Glimpse 02:10
09. Vashkar (Var.) 04:38
10. On the other side 05:01
11. Old Hat 05:35

ECM Records.
ECM 2678-083 5983
CD 2020

Marcin Wasilewski Trio-Joe Lovano, Artic Riff (ECM Records, 2020)

El Marcin Wasilewski Trio es la formación polaca liderada por el pianista Marcin Wasilewski, y secundado por el contrabajista Slawomir Kurkiewicz y el baterista Michal Miskiewicz, una de las agrupaciones más interesantes europeas crecidas al amparo del sello discográfico alemán ECM Records y con una trayectoria musical de más de veinticinco años. Es por ello que éste trío posee una consolidada discografía así como una excelente reputación musical a consecuencia del discurso interpretativo desplegado, basado en la gran tradición del formato canónico de trío piano-contrabajo-batería todo ello mezclado y ensamblado con sus propias ideas.

Arctic Riff reúne al trio polaco junto al saxofonista Joe Lovano, dos mundos musicales diferentes y diferenciables que se unen para desarrollar una grabación sosegada llena de matices y sonoridades. El trabajo discográfico está compuesto por once temas de los cuales cuatro están firmados por Marcin Wasilewski, cuatro por los miembros de la formación al completo, una de Joe Lovano y otra composición proveniente de la mano de Carla Bley pero interpretada en dos versiones. Con todo ello el aficionado disfrutará de unas composiciones extremadamente atmosféricas, llenas de belleza como los temas “Fadding Sorrow” y “Old Hat”, mientras que en otros momentos se deleitará de ciertos planteamientos abstractos como en el tema “Arco” o en “On The Other Side” en donde el saxofonismo de Lovano se torna sutil, lleno de matices y altamente creativo con ese cambio de tono sonoro que tanto gusta a Lovano. Uno de los temas más interesantes del pretorio es "Vashkar" de Carla Bley, el cual se interpreta en dos versiones, una primera más larga y una segunda más concentrada y por ello concisa.

© Photo by Sam Harfouche/ECM Records

Hay que apuntar que la presencia del saxofonista norteamericano supone un punto diferenciador y ante todo un contrapunto al estilismo desplegado por el trío polaco (estupendo en todo momento y que demuestra las excelentes capacidades musicales que detenta) debido principalmente a los diferentes registros que puede llegar a desarrollar y que sin lugar a duda denotan el gran maestro que es Joe Lovano. Todo ello provoca un excelente grado de empatía entre todos los músicos lo que redunda en un excelente y deleitable trabajo de principio a fin.

JOE LOVANO: Trio Tapestry

JOE LOVANO:

Trio Tapestry

- Joe Lovano: Saxo tenor, tarogato y gongs.

- Marilyn Crispell: Piano

- Carmen Castaldi: Batería.

01. One Time In.

02. Seeds Of Change.

03. Razzle Dazzle.

04. Sparkle Lights.

05. Mystic

06. Piano/Drum Episode.

07. Gong Episode.

08. Rare Beauty.

09. Spirit Lake.

10. Tarrassa.

11. The Smiling Dog.

ECM Records.

ECM 2615 6796426

CD 2019

Joe Lovano, Trio Tapestry (ECM Reecords, 2019)

Sirva de aviso a los aficionados que éste es un excelente y superlativo trabajo de Joe Lovano pero así mismo, que se trata de una música tremendamente exigente en su escucha que obligará a estar atento a la misma.

Cualquier aficionado que se precie sabrá que Joe Lovano es reconocido como uno de los grandes saxofonistas tenores de nuestro tiempo, un músico fajado en infinidad de sesiones de grabación así como con muchas horas de conciertos en directo entre sus espaldas. Lovano ha grabado de manera prolífica y abundante, teniendo un número elevado de las mismas que todo aficionado debería de tener su discoteca. A la lo largo de su carrera ha “coqueteado” y ha estado presente en ECM desde 1981, apareciendo a modo de acompañante en grabaciones de músicos de la talla de Paul Motian, Steve Kuhn, John Abercrombie o el mismísimo Marc Johnson. Era esperado que acabara grabando para el sello discográfico de Manfred Eicher, y así lo ha hecho en formato de trío que ha bautizado con el nombre de Trio Tapestry, un grupo formado por la pianista Marilyn Crispell y el baterista Carmen Castaldi, siendo por tanto su primer grabación como líder, aunque se tiene conocimiento que acaba de llevar a cabo las sesiones de grabación de lo que será el próximo disco de este mismo trío y que parece ser que verá la luz presumiblemente el próximo año en ECM Records.

Con todo lo comentado, el aficionado que haya seguido y escuchado a Lovano tanto en sus discos como en sus conciertos percibirá que está ante un trabajo muy diferente de los que estamos acostumbrados con el saxofonista norteamericano. Incluso se podría decir que éste es el disco menos Lovano de su larga carrera discográfica y es que su fichaje por ECM de alguna forma ha influido en la música que ha grabado para el mismo, parece ser que Lovano se ha mimetizado con su sello discográfico al punto de ofrecer una música muy etérea, austera y minimalista por momentos, pero así mismo tremendamente lírica y bella, una belleza intimista centrada en la expresividad de los integrantes del trío. Lovano ha ideado un trío atípico sin la presencia de contrabajo para centrar el discurso en un ambiente de cuidada sonoridad (lírica en su expresión) y con la inclusión de particulares timbres procedentes instrumentos como el “gong” que ejecuta el propio Lovano (tan solo hay que escuchar el uso de los mismos en el tema que abre del trabajo “On Time In” para percibir la sutileza en el uso de estos instrumentos), para proporcionar un discurso unitario, sosegado y tremendamente íntimo (a algún aficionado le vendrá a la memoria por momentos durante la escucha la presencia del omnipresente y gran saxofonista Jan Garbarek, “tótem” icónico de la discográfica ECM).

Joe Lovano © Photo by Joan Carles Abelenda

El propio Joe Lovano (autor de todos los temas del compacto) en la carpetilla del trabajo señala que, “el momento divino de la intercambio y la interacción es mágico. Trio Tapestry es un tapiz musical melódico, armónico y rítmico, que mantiene el estado de ánimo y la atmósfera”. Solo hay que escuchar temas como “Piano/Drum Episode”, “Tarrassa” (dedicado a la ciudad que tiene unos de los festivales de jazz más importantes del territorio nacional y donde Jovano ha tocado en diversas ocasiones) o “The Smiling Dog” para apreciar las palabras del saxofonista y de esta manera poder disfrutar de la belleza sonora, de la correlación melódica y la creatividad en su amplia faceta.

En definitiva un excelente y fantástico trabajo, y una demostración palpable de la evolución musical de este gran saxofonista que es Joe Lovano, y del cual esperamos con ansia sus proyectos musicales derivados de su nueva aventura discográfica.

BOBO STENSON: BOBO STENSON TRIO, War Orphans

BOBO STENSON

BOBO STENSON TRIO:

War Orphans

- Bobo Srenson: Piano.

- Anders Jormin: Contrabajo.

- Jon Christensen: Batería.

01. Oleo de mujer con sombrero 08:30

02. Natt 08:07

03. All My Life 06:24

04. Eleventh of January 05:55

05. War Orphans 06:16

06. Sediment 05:20

07. Engali Blue 08:16

08. Melancholia 05:28  

ECM Records.

ECM 1604 6743069

REEDICIÓN CD 1998 2019

Bobo Stenson, War Orphans (ECM Records, 2019)

Recientemente el sello discográfico ECM Records ha vuelto a reeditar una serie de trabajos dentro de su afamada serie Touchstones. En este año 2019 se van a publicar dentro de esta serie cincuenta referencias que aparecerán en dos grupos, en Enero y Mayo, los primeros 25 discos ya están disponibles en las tiendas de discos. Esta serie tiene como finalidad dar a conocer trabajos discográficos que han sido relevantes dentro de ECM a un precio de venta al público realmente muy asequible e interesante.

Dentro de estas reediciones hay un disco especialmente superlativo, el de pianista sueco Bobo Stenson War Orphans. Stenson es un superlativo pianista y compositor que ostenta una nutrida discografía como líder  así como acompañante, dentro de esa faceta el listado de músicos con quien ha participado es sencillamente impresionante, citar a modo de ejemplo a Gary Burton, Sonny Rollins, Stan Getz, Jan Garbarek o el mismísimo Charles Lloyd.

War Orphans forma parte de la serie de grabaciones (Reflections -1993-, War Orphans -1998-, y Serenity -2000-) que llevó junto al trío que tenía en su momento y que se encontraba conformado por Anders Jormin al contrabajo y Jon Christensen a la batería, este último dejó el grupo a finales del año 2000. War Orphans se encuentra conformado por ocho temas, todos ellos de procedencia bien distinta, comenzando por el que da título a la grabación que es de Ornette Coleman. La música que destila el compacto se mueve por una temática melódica y lírica en donde los diversos planteamientos armónicos son la base musical del trío, el patrón por el que se rige el arte de Bobo Stenson. Hay algunos temas de auténtico calibre como "Sediment" de Anders Jormin, en donde se puede disfrutar de un trío basado en líneas muy aeróbicas a base de aportaciones de los tres integrantes con ciertas dosis de minimalismo musical lo que permite un marco melódico que sirve de medio de expresión de una construcción abierta a nivel interpretativo. O el último tema que cierra el compacto, un excelente relectura de "Melancholia" de Duke Ellington, en donde las aportaciones de los integrantes del grupo parecen estar en manera disonante y en rivalidad sonora, pero son esas ideas contrapuestas el marco expresivo del tema para finalizar con excelsa y fantástica aportación de Bobo Stenson al piano.

Un muy buen compacto que los aficionados harán bien de buscar y de aprovechar ahora que se ha reeditado en un precio muy asequible, y que servirá para conocer el arte de uno de los mejores pianistas europeos que hay en la actualidad, y que el año pasado publicó también en ECM Records el disco titulado Contra la indecisión junto al contrabajista Anders Jormin y el baterista Jon Falt, uno de los tríos más estables que existen en la actualidad en Europa, y que llevan tocando juntos más de diez años.

KEITH JARRETT: A Multitude of Angels

KEITH JARRETT:

A Multitude of Angels

- Keith Jarrett: Piano.

DISC 1: MODENA.      

01. Part I 34:18

02. Part II 31:19

03. Danny Boy 5:00

DISC 2: FERRARA

01. Part I 43:48

02. Part II 29:58

03. Encore 03:27

DISC 3: TORINO

01. Part I 42:23

02. Part II 31:35

DISC 4: GENOVA

01. Part I 31:41

02. Part II 31:43

03. Encore 05:52

04. Over the Rainbow 06:04     

Grabados en directo en Octubre de 1996, Modena (23 de Octubre); Ferrara (25 de Octubre); Torino (28 Octubre) y Genova (30 Octubre).

ECM Records.

ECM 2500-03 570 2466

4 CD 2016

Keith Jarrett, A Multitude of Angels (ECM Records, 2016)

Las grabaciones de conciertos a piano solo de Keith Jarrett son y serán piezas claves para entender el desarrollo de los recitales de piano a lo largo de la historia del jazz. Jarrett cuenta dentro de su extensa y exuberante discografía con primeras referencias dentro de este tipo de grabaciones, comenzando por la imprescindible actuación en directo llevada a cabo en el año 1975 y referenciada con el nombre de The Köln Concert.

A Multitude of Angels se encuentra encuadrado dentro de la discografía a piano solo del pianista después del concierto grabado en el Teatro Alla Scala de Milán el 13 de Febrero de 1955 y referenciado con el nombre de La Scala. Además, las grabaciones que ahora se comentan, fueron los últimos conciertos que dio en directo antes de tener que retirarse durante dos años a consecuencia del síndrome de fatiga crónica. Los conciertos a piano solo de Jarrett han conllevado siempre una fuerte mezcolanza de estilos y sonoridades, todo ello siempre acompañado con los característicos gritos, gemidos y golpes de pie del propio Jarrett. A Multitude of Angels es simplemente una impresionante colección de 4 CD de grabaciones de conciertos completos en Italia (aunque es posible que no esté todo el material), que de alguna forma marcó el final de una era, es decir, la de las improvisaciones de larga duración

En esta grabación Keith Jarrett se encuentra concebido como intérprete, productor o ingeniero de sonido, e incluso se encarga de llevar a cabo las notas de la carpetilla de la edición. Comentarios altamente interesantes y que denotan el estado de preocupación del pianista por un estado de salud del cual desconocía sus orígenes y así mismo de sus consecuencias. Incluso llega a manifestar de manera rotunda y contundente que esta serie de conciertos representan el cenit de su carrera. La ambición de crear es más fuerte que los síntomas de una enfermedad desconocida, pero cita que estaba con él una fuerza espiritual superior que le ayudaba a crear, los ángeles estaban allí.

El patrón de los conciertos esta calcado en todos ellos, es decir concepcionados como largas disquisiciones musicales a  base de diversas partes y con escasos temas pertenecientes al propio Jarrett, con la excepción de la deliciosa y sensual interpretación de “Over the Rainbow” en el concierto de Genova. Cada parte es un mundo con un inicio y una final, y entre medio de los mismos gravita un cosmos con entidad propia no solo musical sino así mismo sensitivo. Musical pues tal como señala el propio Jarrett en la notas de la carpetilla de la edición, en esta serie de conciertos (y por ello la música en ella contenidos), muchas de las partes de los mismos son enormemente descriptivos de su trabajo, y por tanto las fuentes (musicales) que utiliza, estando presente el jazz como entidad propia, tiene una profunda participación la música clásica (tanto la moderna como la antigua, de Ives a Bach): ello es posible apreciarlo por ejemplo en el concierto de Modena. Y por lo que se refiere a la parte sensitiva, debido a que Jarrett transita por estados emocionales de gran sensibilidad, de euforia o de gran espiritualidad interpretativa a lo largo de los diversos conciertos y de las diversas partes que se interpretan.

A Multitude of Angels es una excelente oportunidad para disfrutar del mundo musical e interpretativo de uno de los mejores pianistas de jazz de todos los tiempos. Una oportunidad que el propio Jarrett ha propiciado una vez ha escuchado el material y se ha encargado de la edición de los mismos con la consabida perfección que le caracteriza al músico con la consabida búsqueda de un sonido nítido y diáfano. Una colección de conciertos que los seguidores a Jarrett no deberán de dejar escapar y que aún no siendo los mismos básicos en su discografía no por ello se deberán de obviar. Altamente recomendable.

WOLFGANG MUTHSPIEL: Rising Grace

WOLFGANG MUTHSPIEL:

Rising Grace

- Wolfgang Muthspiel: Guitarra.

- Ambrose Akinmusire: Trompeta.

- Brad Mehldau: Piano.

- Larry Grenadier: Contrabajo.

- Brian Blade: Batería.

01. Rising Grace 05:56

02. Intensive Care 10:17

03. Triad Song 08:04

04. Father and Sun 08:14

05. Wolfgan´s Waltz 08:01

06. Superonny 06:44

07. Boogaloo 07:33

08. Den Wheeler, Den Kenny 07:50

09. Ending Music 01:23

10. Oak 04:34

ECM Records.

ECM 2515

CD 2016

Wolfgang Muthspiel, Rising Star (ECM Records, 2016)

Atractivo y sugestivo proyecto el que grabó y publicó el guitarrista austriaco Wolfgang Muthspiel para el sello discográfico ECM Records en 2016 con la compañía de excelentes músicos como son Ambrose Akinmusire la trompeta, Brad Mehldau al piano, Larry Grenadier al contrabajo y Brian Blade a la batería. Wolfgang Muthspiel hizo su debut como líder para ECM en el año 2014 con el disco Driftwood, y acompañado del contrabajista Larry Grenadier y el baterista Brian Blade.

A la espera del nuevo proyecto con este grupo, Where The River Goes, en donde participan los mismos músicos a la excepción de Brian Blade que es sustituido por Eric Harland, en Jazz Recordings se ha querido comentar el primer disco que publicó esta formación. Rising Grace consta de un repertorio configurado a base temas del propio Muthspiel a excepción de la composición a ”Wolfgan´s Waltz” a cargo de la pluma de Brad Mehldau, siendo el resultado de la misma sumamente relajada y con una fuerte carga tanto de lirismo como de búsqueda sonora por parte de todos los integrantes de la formación. Temas como el citado “Wolfgan´s Waltz” o “Superonny” aportan riesgos rasgos armónicos no solo de ser escuchados sino así mismo deleitados. El tema de Mehldau presenta buenos momentos de creatividad musical y de excelentes solos pianísticos que deambulan por una interpretación rica en matices pero más comedida de lo habitual que en sus reputadas ejecuciones como líder.

© Photo by Laura Pleifer-ECM Records.

Una de las pieza más audaces del álbum es sin duda alguna "Den Wheeler, Den Kenny", un tributo al difunto Kenny Wheeler en donde la riqueza interpretativa, la diversidad en el uso de tonalidades y la heterogeneidad armónica hacen de esta compasión una pequeña maravilla. "Den Wheeler, Den Kenny" es una interpretación que se mueve entre la ponderación sentimental y la descripción musical, en donde todos los integrantes aportan sus propios recursos musicales, comenzando por la versatilidad del propio guitarrista en la utilización tanto de la guitarra acústica como eléctrica.

Rising Grace constata la extraordinaria interacción del grupo que lidera Wolfgang Muthspiel y del cual esperamos con gran interés su próxima grabación. Altamente recomendable.

JOHN ABERCROMBIE: Up and Coming

JOHN ABERCROMBIE:

Up and Coming

- John Abercrombie: Guitar.

- Marc Copland: Piano.

- Drew Gress: Contrabajo.

- Joey Baron: Batería..

01. Joy  (John Abercrombie) 04:09

02. Flipside (John Abercrombie) 02:50

03. Sunday School (John Abercrombie) 07:15

04. Up and Coming (John Abercrombie) 05:47

05. Tears (Marc Copland) 07:34

06  Silver Circle (Marc Copland) 07:04

07. Nardis (Miles Davis) 06:17

08. Jumbles (John Abercrombie) 05:57

ECM Records.

ECM 2528

CD 2017

John Abercrombie, Up an Coming (ECM Records, 2017)

John Abercrombie es uno de los músicos que más años lleva grabando para el sello ECM Records, en concreto desde el año 1974, y es por tanto uno de los músicos más reconocidos del productor Manfred Eicher. Este trabajo que ahora se comenta repite la misma formación del disco que Abercrombie publicó por ECM Records en el año 2013, 39 Steps y es por este motivo que sus integrantes se conocen a la perfección, y muy especialmente el entendimiento que existe entre John Abercrombie y Marc Copland, dos músicos que se conocen por haber tocado, grabado y girado conjuntamente durante mucho tiempo.

Up and Coming se encuentre conformado por temas originales de Abercrombie y de Copland así como por un tema de Miles Davis, "Nardis", y nos presenta una propuesta musical donde el juego de interacción entre todos los músicos, la sutileza interpretativa, las melodías vaporosas y el lirismo controlado hacen de la grabación todo un mundo musical.

Aunque tanto Abercrombie y Copland copan el papel interpretativo a lo largo de todo el compacto, la presencia de Drew Gress y Joey Baron es imprescindible para el perfecto desarrollo de las ideas grupales, es por este motivo que el toque preciso de Gress (hay que escuchar los "solos" que realiza en los temas, "Sunday School" o "Up and Coming", extraordinariamente musicales y alejados del virtuosismo) y las aportaciones e ideas de Barron contribuyen a veces a un trabajo minimalista en la expresión y en la forma pero excelso en el sonido.

Los temas "Flipside" y "Silver Circle" son las composiciones más vigorosas y acústicas, y donde se puede comprobar cómo fluye y se desarrolla la idea grupal de la formación. Cabe destacar la excelente versión de un clásico de Miles Davis, "Nardis", que a presar de presentar el tema característico del mismo deambula por improvisaciones abiertas, cambios de musicalidades y sonoridades consecuencia de los varios solos que se llevan a cabo y hacen de este clásico uno de los momentos álgidos del compacto.

Up And Coming es una grabación donde el aficionado encontrará un jazz sutil, preciosista de una extrema musicalidad y donde el diálogo y la interacción es el material de trabajo de estos cuatro magníficos músicos.

La presente crítica sirve como homenaje a la muerte de este fantástico músico el 22 Agosto del presente año.

RALPH TOWNER: My Foolish Heart

RALPH TOWNER:

My Foolish Heart

- Ralph Towner: Guitarra clásica, guitarra de 12 cuerdas.

01. Pilgrim 04:31

02. I'll Sing To You 04:32

03. Saunter 05:01

04. My Foolish Heart 03:51

05. Dolomiti Dance 04:24

06. Clarion Call 04:40

07. Two Poets 02:04

08. Shard 00:54

09. Ubi Sunt 01:20

10. Biding Time 01:29

11. Blue As In Bley 03:53

12. Rewind 03:43

ECM Records.

ECM 2516

CD 2017

Ralph Towner, My Foolish Heart (ECM Records, 2017)

Ralph Towner es un referente total y una fuente de inspiración para muchos músicos que se quieren dedicar al instrumento de la guitarra. Así mismo es uno de los intérpretes icónicos del sello discográfico alemán ECM de Manfred Eicher. Conocido por ser el co-fundador junto a Collin Walcott, Glenn Moore y Paul McCandless de la super banda Oregón así como su adscripción al Paul Winter Consort, su participación en ECM ha sido nutrida y diversa al haber llevado a cabo proyectos en solitario, en formato de dúo  (junto a músicos de la talla de John Abercrombie, Gary Peacock, Gary Burton y el más reciente con el trompetista italiano Paolo Fresu), formaciones numerosas bajo la dirección del propio Towner así como discos con la citada banda de Oregon. Igualmente ha contribuido con su presencia en grabaciones de músicos como Keith Jarrett, Jan Garbarek, Kenny Wheeler e incluso de Egberto Gismonti.

Su última y más reciente grabación es una sesión en donde Towner es un auténtico especialista, la interpretación de guitarra clásica y guitarra de 12 cuerdas sin ningún músico acompañante. Para ello ha conformado un repertorio de temas originales del propio guitarrista a excepción de la composición que da título al trabajo, el conocido standard de Victor Young, My Foolish Heart.

Las piezas interpretadas en muchos momentos son fragmentos de miniatura expresiva y subyugante que devienen de un toque sutil de la guitarra en donde se mezcla lirismo, belleza y ciertos planteamientos minimalistas en la expresión, todo ello aunado con una mezcla de sonoridades provenientes de la música culta, del jazz y ciertas músicas étnicas, temas como “I'll Sing To You”, el propio “My Foolish Heart”, “Two Poets”, “Ubi Sunt” o “Biding Time” son claros ejemplos de la guitarra preciosista de Towner. También hay que señalar el tema dedicado al pianista Paul Bley, “Blue As In Bley”, un ejercicio estilístico de guitarra llena de armonías y repercusiones sonoras, o los temas más cadenciosos como “Dolomiti Dance” o “Shaunter” y en donde el guitarrista hace gala de la excelente técnica que le ha hecho famoso.

Un excelente trabajo musical y sonoro que hará las delicias de los seguidores de este músico de culto que es Ralph Towner.

NOTA:
La presente crítica se publicó en la revista cultural Sonograma Magazine en su "suplemento de discos":

 http://sonograma.org/