RICARD RODA: RICARD RODA QUARTET Featuring Ricard Miralles, Enric Ponsa & Josep Tudurí. Asteriscs

RICARD RODA:
Ricard Roda Quartet Featuring Ricard Miralles, Enric Ponsa & Josep Tudurí
Asteriscs

Ricard Roda Quartet:

Ricard Roda (sa, flauta), Ricard Miralles (p), Enric Ponsa (cb) y Josep Tudurí (bat). Grabación de 1968.

Tete Montoliu y su Cuarteto:

Ricard Roda (sa), Tete Montoliu (p), Eduardo García (cb) y Ramón Farrán (bat). Grabación de Noviembre de 1958.

Fresh Sound Records

FSR 1650
CD 2010

Ricard Roda Quartet, Asteriscs (Fresh Sound Rercords, 2010)

La reedición por parte de Fresh Sound Records de la música de Ricard Roda es un sentido y merecido homenaje a uno de los músicos más interesantes y menos valorado del jazz catalán y nacional, que murió el pasado 18 de Noviembre de 2010. Una injusticia que con el presente compacto se quiere subsanar y ante todo dar a conocer, y que permitirá apreciar la extraordinaria calidad que como músico ostentó Ricard Roda.

Hablar de jazz en los años sesenta en Barcelona, es como hablar de la era glaciar, algo remoto, lejano y de escasa entidad. Ser músico de jazz en esos años no era una profesión sino un hobby, una quimera al cual los músicos se dedicaban en sus ratos libres tras haber llevado a cabo sus tareas profesionales en orquestas de distinto “pelaje” musical, lo que obligaba a muchos de ellos a realizar un auténtico acto de fe para poder tocar jazz, y del cual se escapó nuestro más ilustre instrumentista por esas fechas, Tete Montoliu. Al panorama descrito anteriormente sin embargo estuvo adscrito Ricard Roda, que junto con otros músicos se reunían en los locales de Barcelona a altas horas de la madrugada (entre ellos el famoso Jamboree que abrió sus puertas en 1960) para hacer jazz hasta las primeras luces del día.

El presente compacto es gracias a la labor investigadora del propietario del sello Fresh Sound Records, Jordi Pujol i Baulenas, quien ha rescatado dos sesiones en donde participó Ricard Roda del olvido más absoluto en que vivían. La primera de ellas estaba referenciada originalmente como Nits de Jazz al Jamboree (Edigsa LP, 1968), y que sirve como base de la presente reedición, todo y el titulo genérico que se ha puesto al compacto, pues parece ser que por aquellas fechas no existió como tal un grupo que se llamará Ricard Roda quartet.

Nits de Jazz al Jamboree (Edigsa LP, 1968)

El disco de Edigsa fue una propuesta por parte de la casa discográfica para grabar en un estudio el repertorio que por esas fechas tocaban los cuatro músicos en el escenario del club Jamboree. La sesión esta conformada por standards y una composición original del pianista (circunstancia también bastante excepcional en esas fechas, pues normalmente la música interpretada en su totalidad se encontraba conformado por composiciones y standards americanos), lo que permite comprobar la calidad y originalidad de la formación en la interpretación de los temas, así como constatar muy especialmente la pericia de Ricard Roda, tan sólo hay que escuchar a modo de ejemplo la versión que se realiza del tema de Coltrane “Theme For Ernie”, que tras la introducción con el arco que ejecuta Enric Pons, el saxofonista presenta el leitmotiv con una sonoridad majestuosa, llena de lirismo y cargado de emotividad, demostrando que el jazz que se hacía por estas fechas en Barcelona no tenía nada que envidiar al que procedía de otras partes de Europa.

Como material extra del presente compacto, y segunda sesión, se han añadido tres temas de la formación en cuarteto del grupo de Tete Montoliu, y referenciados originalmente como Tete Montoliu y su Cuarteto (Saef Jazz EP, 1958) y en donde Ricard Roda participó interpretando los temas “Bernie´s Tune”, Walkin´” y “Fine and Danky”.

Tete Montoliu y su Cuarteto (Saef Jazz EP, 1958)

Una reedición justa y oportuna, que merece ser aplaudida por la posibilidad que nos confiere de conocer la música de un instrumentista injustamente olvidado.

MARC COPLAND: Crosstalk

MARC COPLAND: Crosstalk

- Marc Copland: Piano.

- Greg Osby: Saxo alto.

- Doug Weiss: Contrabajo.

- Victor Lewis: Batería.

1.- Talkin´Blues.

2.- Diary Of The Same Dream.

3.- Ozz-Thetic.

4.- Tenderly.

5.- Crosstalk.

6.- Slow Hand.

7.- Hey, It´s Me You´re Talkin´ To.

8.- Three Four Civility.

9.- Minority.

Pirouet Records

PIT3054
CD 2011

Marc Copland, Crosstalk (Pirouet, 2011)

Marc Copland es un músico con una carrera discográfica perfectamente consolidada que por oscuras y extrañas circunstancias no ha obtenido el reconocimiento que se merecía del público. A pesar de todo ello, su actividad en el sello discográfico alemán, Pirouet Records, ha sido una constante en los últimos años, con proyectos de extraordinaria calidad, prueba de ello, es su último trabajo titulado Crosstalk.

Copland se presenta en este proyecto en cuarteto (la vez que llevó a cabo una grabación con este tipo de formación fue en el compacto Another Place -Pirouet, 2008-, con John Abercrombie, Drew Gress y Billy Hart), pero el formato en donde se encuentra más confortable es en el de trío (apuntar que para esta misma casa discográfica tiene las grabaciones tituladas New York Trio, Vol. 1, Vol. 2 y Vol. 3) y muy especialmente las grabaciones a piano solo.

Discografía de Marc Copland en Pirouet Records.

Crosstalk CD: Victor Lewis, Marc Copland, Greg Osby y Doug Weiss, Photo by Konstantin Kern.

Crosstalk es tal como señala su título un cruce de diálogos. Un cruce de diálogos a cuatro voces, pero muy especialmente una conversación intensa y fluida entre el piano de Marc Copland y el saxo de Greg Osby. A pesar de la preponderancia de estos dos músicos la formación como grupo no deja de estar en ningún momento a la altura de la música que se desarrolla, por momentos refinada, sofisticada y en todo momento muy avanzada y empática a consecuencia de las oportunidades que han tenido de tocar juntos. La estupenda aportación de Greg Osby nos permite reencontrarnos con un saxofonista del que no se tenían demasiadas noticias, pero que demuestra una vena muy intelectual en muchas de sus aportaciones, así como contribuciones muy libres y modernas, como por ejemplo en la interpretación del standard “Tenderly”, con un inicio a base de acordes por parte de Copland que da paso a un Osby refinado, melódico pero con una sonoridad y un planteamiento muy innovador, o en el tema de Gigi Gryce “Minority”, donde Osby se muestra punzante y brillante. El piano de Marc Copland demuestra una musicalidad fluida, provisto de una elegancia y una claridad narrativa que le proviene de las armonías utilizadas y del discurso musical que aporta a sus compañeros o del que se nutre. A todo ello contribuye una excelsa sección rítmica a cargo del contrabajista Doug Weiss y el baterista Victor Lewis, uno de los mejores músicos en su instrumento en la actualidad, que aporta el tema original “Hey, It´s Me You´re Talkin´To”, una delicia en donde el diálogo entre piano y saxo es el claro ejemplo de la presente grabación, y con un intercambio continuo de ideas por parte de todo el grupo.

Crosstalk es la posibilidad de disfrutar de la más reciente grabación de este maravilloso pianista que no decepcionará a los seguidores del mismo y que promete altas cotas de musicalidad. Un gran disco.

LEE KONITZ-BRAD MEHLDAU-CHARLIE HADEN-PAUL MOTIAN: Live at Birdland

LEE KONITZ-BRAD MEHLDAU-CHARLIE HADEN-PAUL MOTIAN

Live at Birdland

- Lee Konitz: Saxo alto.

- Brad Mehldau: Piano.

- Charlie Haden: Contrabajo.

- Paul Motian: Batería.

1.- Lover Man.

2.- Lullaby Of Birdland.

3.- Solar.

4.- I Fall In Love Too Easily.

5.- You Stepped Out Of A Dream.

6.- Oleo.

Grabado en directo en el club Birdland, Nueva York, Diciembre 2009.

ECM Records
2162 2736987

CD 2011

Lee Konitz-Brad Mehldau-Charlie Haden-Paul Motian, Live at Birdland (ECM, 2011)

Vaya por delante que éste compacto es un disco de cinco estrellas. Este blog nunca ha valorado por medio de estrellas ninguna de las grabaciones que se han comentado en el mismo, tal y como se hace en algunas páginas web o en revistas especializadas del sector, por la simple razón que ya se lleva a cabo una esmerada selección del material a comentar en el blog. Pero la calidad interpretativa de la grabación no deja duda alguna que el presente disco merecería la hipotética calificación, en el caso de llevarse a cabo.

De entrada apuntar que el presente compacto no casa en demasía con la línea musical a la que nos tiene acostumbrados ECM y muchos menos con el sonido (cuestión ésta que Manfred Eicher siempre cuida hasta el último detalle), pero a pesar de lo señalado hay que dar la enhorabuena por su publicación.

Pocos miembros de un grupo musical pueden atesorar entre todos ellos tantas vivencias jazzísticas como el presente. Lee Konitz, Charlie Haden y Paul Motian son história del jazz moderno, y se encuentran acompañados por el que es considerado el mejor pianista de su generación, Brad Mehldau. Tanto Mehldau, Haden y Konitz participaron en dos excepcionales grabaciones en directo, Alone Together y Another Shade Of Blue para el sello discográfico Blue Note Records, que representaron la excelencia musical por lo desconocido y el gusto por los contrastes etéreos y enigmáticos. Casi doce años más tarde y con el añadido de Paul Motian como baterista, Konitz y sus acólitos han creado una nueva obra de arte, en el sentido más amplio de la palabra.

Live At Birdland se trata de un disco colectivo, un encuentro de mundos jazzísticos a muy alto nivel de cuatro magníficos músicos (así constan los nombres de todos ellos en el encabezado de la portada del disco). El repertorio escogido para el concierto fueron seis importantes standards (con un minutaje muy considerable todos ellos), lo que puede dar a entender que el concierto se desarrolló por senderos apacibles y confortables, siendo en realidad todo lo contrario. Desde la presentación del primer tema es posible percibir unas versiones nada complacientes, arriesgadas y de una creatividad desbordante por parte de todos los integrantes del cuarteto, un verdadero festín musical. El éxito de esta grabación radica muy especialmente en la sonoridad que obtiene la formación como conjunto y en la riqueza del lenguaje musical esgrimido por todos los integrantes (a veces constituido en pequeñas unidades musicales a dúo o en trío), conformado por la amalgama tanto sonora como interpretativa de Konitz y Mehldau, así como por la combinación de las armonías pausadas de Motian, y la inteligencia y sobriedad de Haden. No se podía esperar menos con cuatro elementos del calibre que aparecen en la formación, y más una vez escuchadas las piezas que interpretan, que siendo todas ellas muy conocidas, en manos de este cuarteto adquieren una dimensión totalmente desconocida. El tema con que se inicia la grabación es un perfecto ejemplo de lo señalado, "Loverman" es un clásico entre los clásicos, pero la naturalidad con que es desarrollado y el carácter imprevisible que toma en muchos momentos hacen una interpretación deliciosa, bella y con un equilibrio perfecto entre tradición y modernidad.

Dentro de toda esta catarata de musicalidad es dificil resaltar a alguno de los integrantes del grupo, pero tanto Konitz como Mehldau tienen un papel muy protagonista. Konitz demuestra esa sonoridad por instantes fría, seca, afilada pero muy creativa que le caracteriza, y en muchos momentos majestuosa, pero siempre con unos desarrollos armónicos y muy empáticos en especial con el pianista pero también con la sección rítmica. Mehldau es un gran amante de estos ambientes heterogéneos, con pocos asideros y altamente disgresivos y abiertos; es aquí donde se aprecia a un pianista excelso, extremadamente confortable y musicalmente muy brillante, que nos aporta un registro muy distinto al que suele llevar a cabo en su propia formación a trío. Mehldau en toda la grabación se encuentra tocado por la varita de los genios, y la música que despliega en este compacto se puede calificar como de la mejor que se le ha escuchado en los últimos años (recordando que la grabación es del año 2009). Solo hay que oír la musicalidad que despliega en el tema de Miles Davis “Solar” y muy especialmente en el de Sonny Rollins “Oleo”, en donde la presentación inicial a dúo de saxo y batería da paso a una caterva de ideas y planteamientos por parte de Mehldau excepcionales que es rematado por un mano a mano entre Haden y Motian, que elevan la economía de medios expresivos a su máximo esplendor; una auténtica obra de arte que dura nada menos que quince minutos. La sección rítmica de Haden y Motian no se queda a tras, tanto en los momentos que tienen para brillar en sus solos como muy especialmente en su trabajo de acompañamiento, que puede ser calificado de auténtica orfebrería por lo mucho que dicen en relación a lo poco que tocan.

No cabe la menor duda de la calidad musical del presente compacto, que a las alturas del año en que nos encontramos se le pueda calificar ya, como uno de los mejores trabajos del año 2011.

MARTÍ SERRA: Tea Time.

MARTÍ SERRA: Tea Time

- Martí Serra: Saxo tenor y saxo soprano.

- Sergi Sirvent: Piano.

- Rai Ferrer: Contrabajo.

- Xavi Maureta: Batería.

1.- Appointment At Five.

2.- Please Do Come In.

3.- Milk, No Sugar.

4.- Interludi.

5.- Isn´t It a Lovely Evening, My Dear?

6.- Delicious Scones.

7.- Even Nicer With Jam.

8.- Dal Segno Al Fine.

CD o LP, 
Nómada 57
CD/LP 2009

Martí Serra, Tea Time (CD Nómada 57, 2010)

El segundo trabajo discorgáfico como líder del saxofonista catalán Martí Serra ha venido a confirmar la gran valía como músico y a corroborar la estupenda impresión que provocó su anterior grabación (Alguns Moments Bons, Fresh Sound New Talent, 2008), y principalmente a descubrirnos su faceta como extraordinario compositor. El presente trabajo nos muestra ante todo una música completamente original, madura, profunda, altamente elaborada a nivel musical y armónico, y creada tanto para el cuarteto (como principal unidad creativa) como para las aportaciones solistas de todos los integrantes de la formación, y todo ello a base de unas melodías subyugantes, acertados arreglos y una profunda musicalidad. 

La base musical de Tea Time se encuentra en la formación de trio con la cual llevó a cabo su primera grabación discográfica, pero ahora con el añadido del exquisito pianista Sergi Sirvent. Configurado el cuarteto como punto de partida, muchas de las composiciones ostentan pequeñas unidades musicales independientes y autónomas (ya sea en trío o en dúo), lo que va a dotar a la grabación de unas sonoridades y unos registros bien contrastados y heterogéneos, lo que producirá diferentes velocidades tanto interpretativas como sonoras, proporcionando como resultado una música rica, cambiante y muy dinámica. Causante de todo ello es el piano de Sergi Sirvent, en determinados momentos lírico o en otros rítmico, demostrando ser el complemento perfecto no solo de la formación sino muy especialmente del líder. Serra se presenta como un músico con un discurso reflexivo, como en los temas “Interludi” o “Isn´t It A Lovely Evening, My Dear?”, explorador y expresivo en “Appointment At Five” o “Delicious Scones”, o sensualmente baladista como en el tema “Please Do Come In”. Todo ello se encuentra apuntalado por una sección rítmica solvente y resolutiva a cargo de Rai Ferrer al contrabajo y Xavier Maureta a la batería. El resultado de todo ello es un proyecto musical concebido a base de un paralelismo conceptual con la bebida del te, lo que provoca toda una infusión musical y una reflexión que queda perfectamente palpable no sólo en la música que se despliega, sino también en los títulos de los temas que conforman el compacto. Sin duda alguna un excelente trabajo.

LEE KONITZ: Lee Konitz-Dave Liebman-Richie Beirach: Knowinglee.

LEE KONITZ: 
LEE KONITZ-DAVE LIEBMAN-RICHIE BEIRACH: 
Knowinglee.

- Lee Konitz: Saxo alto y soprano.

- Dave Liebman: Saxo tenor y soprano.

- Richie Beirach: Piano.

01.- In Your Own Sweet Way.

02.- Don't Tell Me What Key.

03.- Universal Lament.

04.- Alone Together.

05.- KnowingLee.

06.- Solar.

07.- Migration;

08.- Thingin'/All the Things That...

09.- Trinity.

10.- Body and Soul.

11.- Hi Beck.

12.- What is This Thing Called Love?.

Out Note Records

CD 2010

Lee Konitz- Dave Liebman-Richie Beicach: Knowinglee (Out Note Records, 2010)



Las dos últimas y más recientes grabaciones de Lee Konitz, la que ahora comentamos, y la aparecida en el sello discográfico de Manfred Eicher, Live At Birdland (ECM, 2011), y que pronto comentaremos en este blog, son dos excelentes piezas musicales que ningún aficionado tendría que perderse.

Knowinglee es una grabación en formato de trío, dos saxos y piano, con un alto contenido musical pero ante todo improvisatorio. La primera escucha de este compacto lleva a la aseveración que nos encontramos con un planteamiento musical arriesgado y de difícil escucha, lo que exigirá del aficionado que se adentre en esta grabación un plus de atención no muy corriente en los días que corren.

Konitz a lo largo de su carrera musical ha demostrado con creces que no es un músico que se conforme con planteamientos nada placenteros, buscando ante todo una voz personal e inconfundible que consiguió en los años cincuenta desde el momento en que se desmarcó de la línea que por aquellas fechas seguían muchos músicos (tanto los que tocaban el saxo alto como el saxo tenor) que trataban de sonar como Charlie Parker. Konitz usó un fraseo y una musicalidad mucho más débil, pausada e intelectual, convirtiéndose a la larga en el máximo exponente del moviendo cool. Todo ello le proyectó como músico, definiendo un estilo y una forma de entender la música que siguen muy vigentes, claro ejemplo de ello es la grabación que ahora comentamos.

Knowinglee es un fascinante viaje musical en donde las voces musicales de Konitz y de Liebman son perfectamente reconocibles, lleno de momentos muy abstractos (como en la composición “Don´t Tell Me What Key” una improvisación a diversos niveles musicales), con una rítmica libre y variada (como el tema de Miles Davis “Solar”, o en la libre improvisación a dúo con los saxos sopranos en “Migration”), pero también con un swing que fluye de forma inapelable (como en “Universal Lament”, un dúo a saxo soprano de Konitz y Beirach, lleno de ternura, belleza pero no exento de melancolía y tristeza). La grabación presenta algunos de sus mejores momentos en la interpretación de conocidos standards, como “In Your Own Sweet Home” (en un desarrollo y concepción muy abierto), “Alone Together” (con unas prestaciones de Beirach sencillamente deliciosas) o “Body And Soul” (un dúo de saxos en donde el tema es reinventado tanto a nivel armónico como sonoro  en su totalidad).

Knowinglee es un trabajo de unos de los mejores saxos de la historia del jazz, que a pesar de su avanza de edad (83 años) demuestra un estado de forma sencillamente envidiable.

LIBRO: MÚSICA PARA LEER: Art Pepper Una vida ejemplar. Memorias de Art Pepper

LIBRO: MÚSICA PARA LEER
UNA VIDA EJEMPLAR, Memorias de Art Pepper

                                        

Art y Laurie Pepper

Prólogo de Gary Giddins.

552 Páginas.

Título Original: Straight Life: The Story Of Art Pepper

Traducción de Antonio Padilla.

Publicado por Global Rhythm Press. Colección Biorritmos.
Idioma: Castellano.
Encuadernación: Tapa dura.

2011

Una vida ejemplar, Memorias de Art Pepper (Global Rhythm, 2011)



Edición americana, STRAIGHT LIFE, The Story Of Art Pepper.



CONTENIDO:

Prólogo

Reparto

Primera parte: 1925-1954

1. Infancia

2. Patti, 1939-1944

3. La avenida, 1940-1944

4. El ejército, 1944-1946

5. La heroína, 1946-1950

6. De gira con la banda de Stan Kenton, 1946-1952

7. Detenido, 1952-1953

8. La cárcel de Los Ángeles, 1953

9. Fort Worth, 1953-1954

Segunda parte: 1954-1966

10. La cárcel de Los Ángeles: integración racial, 1954-1956

11. Diane, 1956-1958

12. Suicidios, 1958-1960

13. El ratero, 1960

14. La cárcel de Los Ángeles: el agujero, 1960-1961

15. San Quintín, 1961

16. San Quintín: aprendo a manejarme, 1961-1964

17. El protector de cheques, 1964-1965

18. San Quintín: tatuajes, 1965-1966

Tercera parte: 1966-1978

19. Christine, 1966-1968

20. De gira con la banda de Buddy Rich, 1968-1969

21. Synanon, 1969

22. Synanon: Laurie, 1969

23. Synanon: juegos, redadas y viajes, 1969-1971

24. El retorno de Art Pepper, 1971-1978

Conclusión

Epílogo

Índice onomástico

Se publica por primera vez en España uno de los mejores libros que hay sobre jazz. La autobiografía del músico Art Pepper. Art Pepper (1925-1982) fue, seguramente, el mejor saxo alto de la generación formada a la sombra de Charlie Parker, pero su autobiografía es, sin duda, mucho más que un libro sobre el mundo del jazz y sus habituales peripecias: se trata de una de las memorias más explosivas y a un tiempo líricas que jamás se hayan escrito. Art Pepper fue uno de los músicos más representativos del movimiento conocido como West Coast, y para muchos el mejor saxo alto en ejercicio tras la desaparición de Charlie Parker, cuya poderosa influencia le sirvió de acicate para cultivar un estilo vigorosamente lírico e inequívocamente personal. Tocó en las grandes bandas de Benny Carter, Stan Kenton y Buddy Rich, pero alcanzó la fama (y dejó una huella imborrable en la historia del jazz) en los cuartetos que encabezó de forma intermitente desde finales de los cincuenta. Personaje contradictorio, frágil y violento, a ratos conmovedor y casi siempre arbitrario, cumplió cuatro condenas de cárcel (las dos últimas en San Quintín) por delitos relacionados con su inquebrantable adicción a la heroína. Cuando se publicaron las memorias transcritas por su esposa Laurie, nadie esperaba que aquel saxofonista único fuese un genio de la literatura oral.

El escritor Antonio Muñoz Molina afirma respecto a este libro que: “Hay muchos libros excelentes sobre la música, o que tienen la música en ellos, pero si tuviera que quedarme con uno solo elegiría Una Vida Ejemplar, la autobiografía del saxofonista alto Art Pepper. Es un relato excelente sobre la vida cotidiana de los músicos de jazz entre los años cuarenta y los ochenta, y además un testimonio de la adicción a las drogas más sobrecogedor que Junkie, de William Borroughs”.

KEITH JARRETT: Keith Jarrett & Charlie Haden: Jasmine

KEITH JARRETT & CHARLIE HADEN:
Jasmine

- Keith Jarrett: Piano.

- Charlie Haden: Contrabajo.

1.- For All We Know.

2.- Where Can I Go Without You.

3.- No Moon At All.

4.- One Day I´ll Fly Away.

5.- I´m Gonna Laugh You Right Out Of My Life.

6.- My Life.

7.- Body And Soul.

8.- Goodbye.

9.- Don´t Ever Leave Me.

ECM Records

2165 2733485

CD 2010



Keith Jarrett & Charlie Haden, Jasmine (ECM  Records, 2010)



“La música es una cosa asombrosa. No existe como objeto fijo. Se mueve en tiempo real y puede ser edificante tanto para el intérprete como el oyente.” Con estas sencillas y claras palabras de Keith Jarrett se inician las notas de la carpetilla del presente compacto. Tan sólo hay que escuchar a modo de ejemplo el tema con que arranca esta grabación “For All We Know” para entender a la perfección las palabras anteriormente apuntadas por Jarrett y como ejemplo de lo que es éste proyecto, y más en concreto para comprender el poder de la música, la creación del instante, la emoción por la melodía y el cosmos musical en el que se mueven tanto Jarrett como Haden, y la posibilidad que tiene cualquier aficionado para deleitarse con la música que se desarrolla no sólo en ese tema sino a lo largo de todo el disco.

Jasmine es la última y más deleitable grabación del pianista Keith Jarrett, para la cual ha recabado la colaboración de un amigo bien conocido, Charlie Haden. Haden participó junto a Paul Motian en la primera formación de trio que tuvo Jarrett a finales de los años 60 y principios de los 70, en concreto en las grabaciones para el sello discográfico Atlantic (Life Between The Exit Sings -1967-, Somewhere Before -1968- y The Mourning Of A Star -1971-), y como paso previo para el afamado cuarteto americano de Jarrett con la presencia del saxofonista Dewey Redman. Tras casi treinta años sin colaborar juntos aparece esta grabación llevada a cabo en el año 2007 pero publicada en 2010; una sesión que fue el resultado de unos temas que interpretaron tras una entrevista que se llevó a cabo a Jarrett para un reportaje sobre el contrabajista. Jarrett quedó más que contento con el resultado de esas tomas e invitó a Charlie Haden al estudio de grabación de su casa para que tocaran más temas pero sin ningún fín en concreto. Casi tres años después de estas grabaciones (y tras largas sesiones de escucha y de discusión sobre los mismos por parte de ambos músicos) se decidieron por su publicación.

Jasmine trae a la memoria el disco de Keith Jarrett The Melody At Night With You (ECM, 1999) al tener cierto paralelismo con el compacto que ahora se comenta, y en concreto por la concepción musical del mismo a base de standards y temas de amor, y por haberse grabado en el estudio de grabación que tiene en su propia casa. El resultado del mismo no puede ser otro que delicioso. La complicidad musical de ambos músicos es evidente y la comodidad con la que tocan es más que perceptible. Keith Jarrett se encuentra menos expansivo que en sus sesiones a trio con Gary Peacock y Jack DeJohnette, lo que redunda en una interpretación más comedida y pausada, que le permite extraer y dosificar su vena más lírica y baladista, mientras que Charlie Haden no tan sólo tiene el rol de mero acompañante, sino que aporta una interpretación de igual a igual con el pianista y por ello dispone de gran espacio para desarrollar unos solos llenos de ternura, complicidad y con una fuerte carga melódica. No hay nadie que trate la melodía como lo hacen las cuerdas del contrabajo de Haden. Jarrett y Haden a lo largo de los ocho temas que componen el compacto demuestran una sensibilidad y un gusto por la melodía que por momentos llegan a lo poético como en el tema “Don´t Ever Leave Me” (un clásico en el repertorio del pianista) o “Where Can I Go Without You”, o el tema que abre el compacto “For All We Know”, en donde lirismo y pasión permiten una lectura del tema extremadamente delicada, sensual pero no sensiblera; un monumento al buen gusto, un monumento a la música.

Como dice Jarrett en las líneas finales del compacto: “Llama a tu esposa, a tu marido o a tu amante en las horas profundas de la noche, sentaros y escuchar”. Por favor pasen y escuchen, y dejen que la música les transporte.