JOE LOVANO: US FIVE, Bird Songs

JOE LOVANO: 
US FIVE, Bird Songs.

- Joe Lovano: Saxo Tenor, mezzo soprano y aulochrome.

- James Weidman: Piano.

- Esperanza Spalding: Contrabajo.

- Ottis Brown III: Batería y Percusión.

- Francisco Mela: Batería y Percusión.

01- Passport.

02- Donna Lee.

03- Barbados.

04- Moose The Mooche.

05- Lover Man.

06- Birdyard.

07- Ko Ko.

08- Blues Collage.

09- Dexterity.

10- Dewey Square.

11- Yardbird Suite.

Blue Note Records

CD 2011

Joe Lovano, US FIVE, Love Songs (Blue Note Records, 2011)

Cada nuevo proyecto de Joe Lovano no deja de sorprender, a pesar de su larga y extensa carrera discográfica (el presente trabajo es el número vigésimo tercero para el sello discográfico Blue Note). Para ello ha vuelto a reunir la formación denominada "US Five" con la que grabó el estupendo trabajo Folk Art (Blue Note, 2009), y que presentó como novedad la presencia de la talentosa contrabajista Esperanza Splading (premio Grammy 2010 a la mejor artista revelación en la categoría de jazz), así como la incorporación de dos bateristas y percusionistas de calado musical bien distintos, Ottis Brown III y Francisco Mela.

El presente proyecto presenta la música de uno de los creadores más apasionantes en toda la historia del jazz, Charlie "Bird" Parker, así como la confirmación del quinteto liderado por Joe Lovano "US Five" a consecuencia de la extraordinaria versatilidad que presenta, pues si el anterior trabajo se encontraba focalizado en planteamientos provenientes del free jazz y ciertas sonoridades latinas, Bird Songs está prácticamente dedicado en exclusiva a la música de Charlie Parker, pero no como un homenaje (circunstancia esta que el mismo Lovano reconoce de forma expresa), sino como una aventura musical con un punto de vista sumamente personal y con un planteamiento extraordinariamente moderno por la presencia de dos bateristas en la formación, que crean una rica amalgama de sonidos que permiten tanto a Joe Lovano como al resto de la sección rítmica, explorar los límites de la músicalidad que se produce a lo largo de todos los temas. El compacto recoge temas tan importantes en la carrera musical de Parker como fueron, "Donna Lee", "Moose The Mooche", "Ko Ko" o "Yardbird Suite", sólo por citar algunos.

La música que despliega el quinteto de Lovano es arriesgada y nada acomodaticia, no conformándose con la mera presentación melódica de los temas, sino con la deconstrucción de los mismos, muy especialmente en diferentes planos sonoros que viene en algunos casos de la utilización de dos bateristas tan diferentes, como en el tema "Ko Ko", un trio conformado por los dos baterías y el saxo de Lovano, y donde la abstracción interpretativa de Lovano contrasta con los diferentes tempos y timbres que presentan los percusionistas; o por el uso del aulochrome (doble soprano) en "Birdyard" una rearmonización del tema "Yardbird Suite" pero interpretado a base de diversas variaciones. O los temas "Barbados" y "Dewey Square" donde el colorido y las texturas sonoras provenientes del aire caribeño en que se presenta el primero, o de las influencias brasileñas del segundo, permiten apreciar la estupenda sección rítmica que acompaña a Lovano, comenzando por el piano lírico de James Widman o las paletas sonoras rítmicas de Ottis Brown y Francisco Mela. La grabación finaliza con la interpretación de uno de los temas más emblemáticos de Parker, "Yardbird Suite", ejecutado con una mezcla de motivos armónicos y rítmicos basados en la gran tradición del jazz y otros componentes más modernos, que hacen del mismo una lectura magistral y deliciosa.

En definitiva un estupendo disco que sigue confirmando a Lovano como uno de los mejores saxofonistas de nuestro de tiempo y que no debería pasar por alto a los aficionados.

MATTEO SABATTINI: Matteo Sabattini MSNYQ, Dawning

Matteo Sabattini MSNYQ:

Dawning

- Matteo Sabattini: Saxo alto.

- Mike Moreno: Guitarra.

- Lage Lund: Guitarra en el tema 7.

- Kristjan Randalu: Piano.

- Matt Clohesy: Contrabajo.

- Obed Calvaire: Batería.

01. Estate (7:25)

02. Dawning (6:37)

03. Prism (12:52)

04. My Journey (9:41)

05. Distensions (6:00)

06. Sons Of A Mitch (7:37)

07. The Quiet Before Sunrise (5:59)

08. The Nearness Of You (6:47)

Fresh Sound New Talent.
FSNT 380
CD 2011

Matteo Sabatini, Dawning (Fresh Sound Records New Talent, 2011)


Saxofonista italiano emigrado a  Nueva York, su primer trabajo discográfico para Fresh Sound New Talent presenta un proyecto con un sonido sugestivo, fresco e innovador. Apoyándose en una fuerte tradición musical, en elaboradas y modernas composiciones (muy especialmente a nivel armónico), desafiantes exploraciones rítmicas fundamentadas en un audaz concepto polirítmico y armónico, Sabattini ofrece una música muy elaborada a diversos niveles interpretativos, siendo la propia sección rítmica la gran protagonista y responsable del fuerte sentido musical en todo el compacto.

La presente grabación es sin lugar a dudas una excelente y agradable sorpresa. El saxofonista italiano Matteo Sabattini aporta con su música una sonoridad que aunque basada en la gran tradición del saxo alto (muy especialmente de Charlie Parker), exhibe concepciones modernas y muy próximas al post-bop, con un fuerte sentido melódico-lírico pero con importantes aportaciones armoniosas y armónicas, escúchese a modo de ejemplo el tema que da título al compacto, "Dawning".  La sección que acompaña al líder se encuentra en una estupenda forma interpretativa, destacar al guitarrista Mike Moreno (abierto, muy dinámico, y perfectamente conocedor de la escuela moderna de su instrumento encabezada tanto por Ben Monder como Kurt Rosenwinkel), al pianista Kristjan Randalu, (con aportaciones ricas y dinámicas como en el tema "Sons Of a Mitch") y el baterista Obed Calvaire (excelente en el control sonoro de los temas). Todo y la fuerte carga rítmica que destila toda la grabación,  el grupo también sabe expresar y demostrar su cara más contenida, poética y sensual, así es posible apreciarla en la  interpretación del tema de H. Carmichael "The Nearness Of You", una pequeña joya de extraordinarios quilates. La totalidad de la grabación es altamente disfrutable y resultará un auténtico descubrimiento para más de un aficionado.

Sin duda alguna un extraordinario músico al cual no hay que perder la pista y del que ya esperamos de forma ferviente su próxima grabación.

FRED HERSCH: Fred Hersch Trio, Everybody´s Song But My Own

FRED HERSCH:
Everybody´s Song But My Own

- Fred Hersch: Piano.
- John Hebert: Contrabajo.
- Eric McPherson: Batéría.

01- East Of The Sun.
02- Shall We Dance.
03- I Conentrate On You.
04- From This Moment On.
05- Two For The Road.
06- Invitation.
07- The Wind/Moon And Sand.
08- Everybody´s Song But My Own.
09- In The Wee Small Hours.
10- Three Little Words.

VENUS Records.
VHCD-1049
Importación Japón
CD 2011

Fred Hersch, Everybody´s Song But My Own (Venus Records, 2011)

El presente trabajo discográfico publicado en el sello audiófilo japonés Venus Records (el primero para esta discográfica), se podría decir que es la continuación del compacto comentado en este blog, Whirl (Palmetto Records, 2010). La formación de este cedé es la misma que consta en el disco de Palmetto, John Hebert al contrabajo y Eric McPherson a la batería. Si Whirl ya era de por si una delicia, esta grabación sigue por la misma línea pero con la diferencia que no hay ningún tema original del pianista, y el repertorio esta conformado en su casi totalidad por standards, entre otras composiciones señalar "Shall We Dance" de Richard Rogers, "I Concentrate On You" y "From This Moment On" de Cole Porter, "Two For The Road" de Henry Mancini  o el tema de Kenny Wheeler que da título al trabajo "Everybody´s Song But My Own".

En Everybody´s Song But My Own Hersch continua exhibiendo las credenciales del excelso pianista en que se ha convertido y su condición como músico de culto. Es por ello que no hay ninguna dificultad para calificar al pianista americano de auténtico poeta del jazz. Hersch a lo largo de todo el compacto evidencia una predisposición para tratar su instrumento de una forma más lírica que percusiva, siempre de forma muy emocional y melódica, y con un dimensión narrativa que se centra principalmente en el tratamiento verstil del rítmo, fuente inagotable de su discurso musical. Por todo ello Hersch despliega su tono más impecable, pulcro y lírico, siempre repleto de imaginación, como en el tema "In The Wee Small Hours",  y en determinados momentos demuestra cierta fiereza interpretativa y creativa, como en el tema "Three Little Words". Resaltar la lectura distinguida, refinada y cuidadosa de los standards que desarrolla, demostrando un tratamiento muy moderno del piano, con frases meditadas, largas y ante todo, perfectamente secundado por la sección rítmica tanto en las aportaciones al grupo como en las correspondientes contribuciones solistas por parte de los mismos, con una solidez que cohesiona el grupo como unidad productiva de música. La interacción de toda la formación es manifiesta, y la comodidad en la que se encuentra Hersch es más que evidente, lo que nos proporciona cataratas de musicalidad y de buen gusto.

Una nueva oportunidad para seguir disfrutando de uno de los pianistas más interesantes de la actualidad.

BSO: Paris Blues de Duke Ellington

BSO: 
PARIS BLUES de Duke Ellington featuring Louis Armstrong.

Temas 1, 4, 6-8, 10 & 14: Duke Ellington: Piano; ; Willie Cook, Ed Mullens, Cat Anderson Clark Terry (trompetas); Ray Nance (trompeta, vln y vcl); Britt Woodman, Juan Tizol, Lawrence Brown, Murray McEachern y Louis Blackburn (trombones); Jimmy Hamilton (clarinete y saxo tenor); Russell Procope (saxo alto y clarinete); Johnny Hodges, Oliver Nelson (saxo alto); Russell Procope (saxo alto y clarinete); Paul Gonsalves (saxo Tenor); Babe Clark (saxo tenor y clarinete);  Harry Carney (saxo barítono, clarinete y clarinete bajo); Harry Smiles (oboe); Les Spann (guitarra y flauta); Aaron Bell (contrabajo); Sonny Greer, Dave Jackson, Jimmy Johnson, Philly Joe Jones, Max Roach (baterías).
Grabado en Neuva York, 1-3 Mayo, 1961.

En los temas 3 & 9: Louis Armstrong (trompeta) con la studio orquesta dirigida por Duke Ellington (con la participación de Guy Lafitte en el saxo tenor y faluta).Grabado en Paris (Francia), 15-16 Diciembre, 1960.

Los temas 2, 5, 11 & 13: Consisten en diálogos de la pélicula.

En el tema 12: Jimmy Gourley (solo de guitarra).

1. Take the "A" Train' (Billy Strayhorn) 2:14

2. You Know Something? 0:24

3. Battle Royal 4:31

4. Bird Jungle 1:59

5. What's Paris Blues? 0:45

6. Mood Indigo" (Ellington, Barney Bigard, Irving Mills) 3:15

7. Autumnal Suite 3:14

8. Nite 3:32

9. Wild Man Moore 1:49

10. Paris Stairs 3:05

11. I Wasn't Shopping 0:21

12. Guitar Amour" 2:02

13. A Return Reservation 0:33

14. Paris Blues 5:53

Jazz Soundtrack.

CD 2011

REEDICIÓN

Duke Ellington featuring Louis Armstrong, Paris Blues (Soundtrack, 2011)

Se ha reeditado en el presente año la banda sonora que compuso Duke Ellington (con la ayuda de Billy Strayhorn) para la película dirigida por Martin Ritt, Paris Blues, y que fue nominada en 1961 al Oscar a la mejor banda sonora (año que ganó en esta categoría West Side Story de Leonard Bernstein). El film narra las desventuras románticas de dos músicos de jazz norteamericanos protagonizados por Paul Newman (como trombonista) y Sidney Poitier (como saxo tenor) que tocan en un club nocturno de París. Acompañan en el reparto Joanne Woodward (la que fue mujer de Newman hasta su muerte) y Diahann Carroll.

Cartel de la película Paris Blues

Duke Ellington escribió la música para la citada película, llegando a participar en alguna de las escenas de la misma, al igual que sucedió con la presencia de Louis Armstrong.

Escena del film Paris Blues.

La banda sonora fue editada originalmente por United Artist y posteriormente reeditada en 1998 por el sello discográfico Rykodisc, en el presente año se ha vuelto a reeditar la música de esta película que permanecía ilocalizable para los aficionados de la música de Duke Ellington.

Portada CD Paris Blues, reedición de 1998.

Duke Ellington a lo largo de los años treinta, cuarenta y cincuenta se dedicó a realizar contribuciones para el cine mediante apariciones puntuales de su orquesta, en concreto pequeñas participaciones que en la actualidad equivaldrían a los videos musicales. Sin embargo, Ellington tuvo que esperar hasta el año 1959 para poder componer una banda sonora al completo, fue Otto Preminger quien recabó sus servicios para que escribiera la música del thriller Anatomía de un asesinato (en la presente reedición se acompaña como bonus la banda sonora del citado film al completo), y dos años más tarde, en 1961, junto a Billy Srayhorn se encargó de musicar la película del director Martin Ritt, Paris Blues.

Sin ser una de las mejores partituras de Ellington, la presente reedición permitirá a los aficionados disfrutar de nuevo de esta música que hasta la fecha era de muy difícil localización. La información de la carpetilla de esta reedición es más bien escasa, principalmente al no identificar en ningún momento los músicos que llevan a cabo los solos a lo largo de los temas así como no señalar en cuales de los mismos participan. A pesar de ello es posible deleitarse con títulos tan emblemáticos en la discografía de Ellington como son "Take The A Train" o "Mood Indigo", así como escuchar la participación estelar de la trompeta de Louis Armstrong en dos temas "Battle Royal" y "Wild Man Moore", con su característico estilo a base de frases cortas, brillantes y cargadas de un fuerte vibrato, y desarrollando un swing como elemento rítmico. La música que se puede percibir en la grabación es la que por aquellas fechas llevaba a cabo la orquesta de Ellington, perfectamente secundada por músicos de gran solvencia musical y calidad interpretativa como fueron Clark Terry, Ray Nance o Paul Gonsalves, sólo por citar a algunos.

Parece ser que de la sesión de grabación que dio origen a esta música hay mucho más material inédito que se encuentra durmiendo plácidamente en los anaqueles de la compañía discográfica. Mientras no se decidan a publicar todo este material extra que existe, la presente reedición bien vale la pena ser adquirida para formar parte de cualquier buena discoteca que se precie de la música de Duke Ellington.

OAM TRIO: OAM Trio + MARK TURNER: Now & Here

OAM TRIO + MARK TURNER:

Now & here

- Omer Avital: Contrabajo.
- Aaron Goldberg: Piano.
- Marc Miralta: Batería.
- Invitado Mark Turner: Saxo tenor.

1.- Faith.

2.- Night Song.
3.- Oud to Omer.
4.- Vicent.
5.- Second Chance.
6.- Lennie Groove.
7.- Now and Here.
8.- Myron´s World.

Nuba Records/Producciones Contabaix

KAR 7814
CD 2009

OAM Trio + Mark Turner, Now & Here (Nuba Recods/Produccions Contrabaix, 2009)

Now & here es el título del último proyecto discográfico del OAM Trio, una formación liderada por los músicos Omer Avital, Aaron Goldberg y Marc Miralta, y que cuentan a sus espaldas con una colaboración de más de diez años. Esta circunstancia permite confirmar que el OAM Trio se encuentra plenamente asentado como unidad creativa, a pesar de los compromisos profesionales que cada uno de los músicos desarrolla tanto en la faceta de líderes como de acompañantes de otras ofertas musicales.

La propuesta musical de OAM se basa en la aportación de las diversas fuentes musicales de las que beben los tres músicos como génesis creativa; Avital con las referencias a la música tradicional judía, a Goldberg con las influencias más vanguardistas y contemporáneas del jazz y a Marc Miralta, con las propuestas más latinas y aflamencadas. Ello nos posibilita encontrarnos a un grupo sin un líder definido, en donde la suma de elementos e influencias hacen de la formación la protagonista de la propuesta musical. Junto a estos planteamientos se ha añadido a la grabación la presencia del saxofonista norte-americano Mark Turner; con este mismo grupo se llevó a cabo el trabajo discográfico, OAM Trio + Mark Turner, Live in Sevilla (Lola Records, 2003). La presencia de Turner al presente disco no es meramente circunstancial (aporta dos temas de autoría al mismo), y es por ello que el grupo actúa más como cuarteto que como trío.

La música desarrollada a lo largo de la grabación permite comprobar la excelsa y perfecta compenetración que existe en el trío, y demuestra como los años han hecho mejorar si cabe a cada uno de los músicos, gracias a las diversas propuestas musicales de las que parten, así como de las experiencias que han vivido. Ello se traduce que estemos ante un trío a nivel musical fuera de los cánones tradicionales, pero con un punto de modernidad y de amalgama de estilos bien diversos. A este punto de modernidad colabora sin duda alguna Mark Turner, que con su evidente apego a la escuela de Lennie Tristano o por el rigor y la austeridad del saxofonismo de Warne Marsh que a menudo se le ha asociado, propone unas aportaciones propias del estilo neo-bop. A pesar de ello, sus contribuciones musicales derivadas del estilo tardío de John Coltrane, presentan una marcada personalidad, con un gusto por las líneas largas, rebuscadas y abiertas, con una sobriedad en el fraseo, denso en determinados momentos, pero también sutil, fluido y con profundidad, pero ante todo con una continua búsqueda sonora en donde se aprecian gran cantidad de ideas desprovistas de todo adorno superfluo, y dotado de una facilidad para encontrar sonoridades poco convencionales, así es posible percibirlo en los temas "Lennie Groove" o "Myron´s World". El resultado de todo lo señalado es un compacto de gran calidad musical, y altamente recomendable, y más teniendo en cuenta las pocas posibilidades de encontrar grabaciones como líder del saxofonista Mark Turner.

FRED HERSCH: Fred Hersch Trio, Whirl

FRED HERSCH: 
Whirl

- Fred Hersch: Piano.
- John Hebert: Contrabajo.
- Eric McPherson: Batería.

01- You´re My Everything.
02- Snow Is Falling ...
03- Blue Midnight.
04- Skipping.
05- Mandevilla.
06- When Your Love Has Gone.
07- Whirl.
08- Sad Poet.
09- Mrs. Parker of K.C.
10- Still Here.

Palmetto Records
PM 2143
CD 2010

Fred Hersch, Whirl (Palmetto Records, 2010)

Fred Hersch es sin duda alguna uno de los pianistas más musicales y talentosos de la escena jazzística actual, su calidad interpretativa por desgracia no va acompañada de un reconocimiento por parte de los aficionados, cuestión esta que por el contrario no le hace desmerecer el tener una de las carreras pianísticas más brillantes de su generación, aunque llena de obstáculos. Cuando Fred Hersch grabó el presente trabajo, se había recuperado de un coma durante dos meses así como de un fuerte tratamiento médico como consecuencia de su síndrome de inmunodeficiencia adquirida.

El resultado de la grabación es sencillamente portentoso, y se encuentra caracterizada por la presentación de una buena cantidad de ideas tanto a nivel melódico, rítmico como armónico. El formato a trío junto con el de los conciertos en solitario, son dos de los formatos en donde el pianista americano se mueve como pez en el agua y es un consumado especialista. Whirl es un compacto conformado por standards y composiciones propias dedicadas a ciertos artistas a los que Hersch siente una profunda admiración, entre ellos a la bailarina Suzanne Farrell, el compositor brasileño Antonio Carlos Jobim, o los músicos Jacki Byard o Wayne Shorter. La música del trabajo discurre por un sentido narrativo basado en la melodía y el lirismo sustentado en líneas musicales largas y muy fluidas, particularmente intensas y ricas armónicamente, algunas de ellas muy poéticas, claro ejemplo de ello son las composiciones originales del pianista "Snow Is Falling...", "Whirl", el tema a ritmo de habanera "Mandevilla", o el exquisito tema, (todo un trabajo de orfebrería) "Still Here". También señalar la interpretación del tema de Paul Motian "Blue Midnight", en donde el tono intimista y poético por parte de toda la formación nos recuerda los desarrollos del mismo Motian, especialmente por el tratamiento de las mazas del baterista Eric McPherson. Ante todo esta catarata de musicalidad la sección rítmica a cargo de John Hebert y Eric McPherson se imbuyen del piano colorista de Hersch, funcionando como un reloj y apoyando a su líder en todo momento, con unas aportaciones siempre solventes y cuidadas. El trabajo se cierra con el ya mencionado tema "Still Here" y que viene a ser una especie de reafirmación por parte del pianista al señalar que todavía se encuentra entre nosotros.

Un trabajo excepcional de uno de los mejores pianistas de la actualidad que no debería de pasar inadvertido para los amantes al piano.

LLUIS VIDAL: Lluis Vidal Trio feat Dave Douglas & Perico Sambeat, Mompiana

LLUIS VIDAL TRIO:
feat. Dave Douglas & Perico Sambeat

Mompiana

- Lluís Vidal: Piano.
- David Xirgu: Batería.
- Massa Kamaguchi: Contrabajo.
- Dave Douglas: Trompeta.
- Perico Sambeat: Saxos y flauta.

Producciones Contabaix/Universal

0602527159959

CD 2009

Lluis Vial Trio feat. Dave Douglas & Perico Sambeat, Mompiana (Produccions Contarbaix, 2009)

Producciones como las que se comentan a continuación, dan la justa medida de la gran cantidad de proyectos que hay en el territorio estatal. Esta iniciativa en concreto, concebida por el pequeño pero inquieto sello catalán ContraBaix, ha de ser aplaudida tanto por la concepción e idealización de la misma como por el rigor y calidad que atesora. La música de Frederic Mompou ha sido reinterpretada con anterioridad a niveles jazzísticos, en ocasiones con resultados paupérrimos, pero tras la escucha del proyecto llevado a cabo por el grupo de Lluís Vidal es posible afirmar que la música del maestro Mompou obtiene su máxima plenitud expresiva con la presente grabación.

La obra del compositor catalán Frederic Mompou ha tenido en el piano su principal aliado, siendo la más conocida de todas ellas, Música Callada (una composición dividida en cuatro Cuadernos, escritos entre los años 1959 y 1967). Junto a esta magna obra, Mompou escribe un buen número de piezas para piano solo, entre ellas, Cançons i danses (Canciones y Danzas), Cançons de Cuna (Canciones de Cuna), Cants Màgics (Cantos Mágicos), Preludios, y un largo etcétera. En todas ellas, Mompou orienta su estilo hacia un retorno a las formas primitivas, y a la búsqueda de una música “en estrado puro”, con una exploración de la simplicidad y la síntesis como leitmotiv. La concepción musical de Mompou hacía que fuese considerado un avanzado en su tiempo, teniendo como concepción, en concreto para Música Callada, la de expresar la idea de una música que fuese la voz misma del silencio.

Partiendo de estas ideas, queda patente el reto al que se enfrentaba Lluís Vidal, ya que las concepciones armónicas de Mompou son muy propias del jazz.  Vidal ha seleccionado cuatro piezas de la excelsa obra de Mompou, Música Callada; dos extractos de de la obra Suburbis (Suburbios), “El carrer, el guitarrista i el vell caball” y “Gitanes I”; así mismo ha incorporado la célebre “Cançó i dansa 6”; y ha recuperado la pieza “Temps de blues” (una de las escasas composiciones con influencias jazzísticas), para acabar con la inclusión de un tema original del propio pianista con connotaciones mompianas, “Cançó i dansa 1”. El éxito del proyecto radica en el máximo respeto a la obra de Mompou, pero con las consabidas relecturas y arreglos para su desarrollo jazzístico, es por ello que la música de las composiciones son perfectamente reconocibles, con un fuerte sustrato melódico y armónico. A ello contribuye el excelente trabajo de la sección rítmica, tanto de David Xirgu (fiel escudero de batalla de Vidal en múltiples proyectos) como de Massa Kamaguchi, pero muy especialmente de las aportaciones de Dave Douglas y de Perico Sambeat. Las contribuciones del trompetista y del saxofonista permiten dotar al proyecto de una dimensión heterogénea gracias a las sonoridades tan diferentes de sus instrumentos, la melodía, la elegancia y el buen gusto de Douglas, así como la sonoridad, la experiencia y buen hacer de Sambeat.

Mompiana es una obra concebida para disfrutar y ser disfrutada en múltiples escuchas, un proyecto de extraordinaria calidad, pero principalmente de musicalidad, que servirá para deleitarse con la obra de Frederic Mompou.