- Pat Metheny: Guitarra eléctrica y acústica, guitarra
sintetizada, electrónica, sintetizadores y orquestaciones.
- Chris Potter: Saxo tenor, saxo soprano, clarinete bajo,
clarinete, flauta y flauta bajo.
- Ben Williams: Contrabajo acústico y eléctrico.
- Antonio Sánchez: Batería y cajón.
- Giulio Carmassi: Piano, trompeta, trombón, corno francés, chelo,
voces y otros instrumentos.
01. One Day.
02. Rise Up.
03. Adagia.
04. Sign of
The Season.
05. Kin.
06. Born.
07. Genealogy.
08. We Go On.
09. KQU.
Grabado en Nueva York, Junio de 2013
Nonesuch Records
7559-79581-0
CD 2014
Pat Metheny Unity Group, Kin (Nonesuch Records, 2014)
La nueva grabación del polifacético e interesante Pat
Metheny causará admiración entre sus muchos seguidores e igualmente dejará a
algunos un tanto descolocados.
Cualquier aficionado al jazz reconocerá que Pat Metheny es
uno de los guitarristas más importantes de su instrumento y con un sonido
totalmente identificable, y que ha sabido labrar una larga e interesante
discografía en donde ha participado con los mejores instrumentistas del género.
A pesar de ello, Metheny levanta por igual tanto pasiones como rechazos en la
misma medida.
El Pat Metheny Unity Group se podría decir que es la última
“vuelta de tuerca” a nivel creativo de Metheny. El guitarrista americano se ha
encontrado en los últimos años muy activo con sus propios proyectos así como
ajenos, entre ellos el comentado en Jazz
Recordings y estupendo registro para John Zorn, Tap-Book of Angels Volume 20, Pat Metheny plays Masada Book Two, Volume20 (Tzadik, 2013).
El Pat Metheny Unity Group encuentra su simiente fundacional
como formación en la grabación, también comentada en Jazz Recordings, Unity Band
(Nonesuch Records, 2012). Una superlativa grabación liderada por Pat Metheny en
donde se acompañaba por Chris Potter, Ben Williams y Antonio Sánchez. Una
grabación que ya contenía ciertos elementos musicales de la famosa y por ahora
extinta formación, Pat Metheny Group.
La Unity Band en el presente año ha sufrido una importante transformación
tal y como queda patente en el título que reza en la portada del disco que
comentamos. El Pat Metheny Unity Group se trata de la misma formación
anteriormente señalada pero con la inclusión del multi-instrumentista Giulio
Carmassi, transformándose en un quinteto de altas prestaciones musicales. Se
podría decir que Metheny ha fusionado algunas concepciones de lo que era el Pat
Metheny Group con la original Unity Band, dando como resultado una potente y
por momentos contundente formación, en donde sobresale con nombre propio la voz
del saxofonista tenor Chris Potter.
Con todos estos parámetros apuntados y desde los primeros compases
de Kin, se percibe una especial
destreza compositiva de Metheny al saber mezclar de forma natural los
parámetros más jazzísticos de su formación con las texturas más “rimbombantes”
y sonoridades más reconocibles del Pat Metheny Group, así como la conjunción de
ciertas configuraciones de su proyecto Orchestrion.
Algunas de las composiciones de este proyecto son
extraordinariamente largas en su minutaje, como por ejemplo “Rise Up”, la
composición que da título al compacto, “Kin”, o el exuberante tema inicial “One
Day One” con una duración superior a los quince minutos, y que vienen a
reflejar a la perfección la idea de este proyecto; largas y sustanciosas
aportaciones musicales por parte de los instrumentistas (con una especial
contribución de Chris Potter), momentos llenos de compases polirrítmicos en
determinados momentos homogéneos y en otras heterogéneos, texturas vocales, exhuberancia
sonora y dinámicas cambiantes a lo largo de las composiciones, en donde los
acérrimos seguidores de Metheny disfrutarán a lo grande reconociendo la
sonoridad de sus guitarras (entre ellas la famosa guitarra sintetizada). El
compacto también tiene momentos de reposo y melodía como la bella balada
“Born”, y que traerá a la memoria los proyectos en donde Metheny se ha volcado
a nivel guitarrístico como por ejemplo en el trabajo What´s It All About (Nonesuch Records, 2011), o incluso a alguna
banda sonora. Un tema extremadamente emocional que es redondeado por la voz
sutil de Potter y el acompañamiento de la formación.
Ya hemos destacado la extraordinaria aportación y
protagonismo de un sensacional Chris Potter a lo largo de toda la grabación, y
que viene a demostrar las excepcionales cualidades que ostenta (y que aquí y a
estas alturas no vamos a descubrir, al tratarse de uno de los primeros
“espadas” del saxo tenor de la actualidad), no sólo con el saxo tenor, sino
también con el soprano, el clarinete, la flauta y la flauta baja. También
resaltar el trabajo rítmico de todo un incondicional en las formaciones de
Metheny, el baterista mexicano Antonio Sánchez,que se encuentra perfectamente complementado por el quinto elemento del
grupo, el multi-instrumentista italiano Giulio Carmassi y que sirve para dar
esta nueva visión musical a las ansias creadoras de unos de los músicos más
inquietos de la escena jazzística actual.
Lo que no cabe la menor duda es que esta grabación supone una
paso más en el avance creativo en las formaciones de Pat Metheny, y en concreto en grupos como fueron el Pat Metheny Group o la Unity Band. Una evolución que
se dirige a nuevos planteamientos musicales y de expresividad.
Un
interesante compacto que no decepcionará a la gran cantidad de seguidores que
tiene Pat Metheny.
INFORMACIÓN ADICIONAL:
Como información adicional se acompaña link para la escucha del tema del video promocional del trabajo comentado de Pat Metheny, Kin:
Carlos Pizarro Quartet, La voz de árbol (Ap Música, 2012)
La voz del árbol es el nombre de la última grabación
del guitarrista asturiano Carlos Pizarro, para ello ha formado un grupo de su
absoluta confianza para desgranar un repertorio conformado en su totalidad por
temas originales de todos los componentes de la formación.
Hay que señalar de entrada que la presente grabación no
tiene en ningún momento la pretensión de mostrarnos una formación llena de
malabarismos y alardes interpretativos, sino más bien todo lo contrario.
Pizarro y su grupo nos desgranan tema a tema las experiencias y conocimientos
que han ido adquiriendo a lo largo de los años. Altamente significativo es el
nombre con el cual se encuentra titulado el trabajo, La voz del árbol, o se podría decir igualmente la voz de la
sabiduría o la voz del discernimiento (el término árbol ha tenido a lo largo de
los tiempo una importancia capital en muchas culturas, siendo asociado el mismo
al conocimiento y el saber).
Con estos planteamientos el jazz que podemos oír en este
compacto es ante todo tranquilo y reposado, no exento de swing y buen gusto,
pero así mismo también de ciertos arrebatos improvisatorios como en el tema
“Al-imbiq” o influencias de la gran tradición del jazz, como en el tema “Oriente”,
en donde sobresale la sonoridad de un saxo tenor aguerrido, creativo y moderno
y que se encuentra perfectamente secundado por la guitarra de Pizarro. Es esa
combinación sonora de la guitarra de Carlos Pizarro y el saxo tenor de Javier
Rubio una de las bazas del éxito de la grabación, debido principalmente al
exquisito y fluido lenguaje lleno de sutilezas y texturas que surge entre ambos
a lo largo de todos los temas interpretados.
Igualmente hay que destacar que las aportaciones de los dos
instrumentos solistas de la sesión es realzada por el estupendo trabajo de acompañamiento
del contrabajo de Horacio García y de Félix Moral a la batería, siempre atentos
en todo momento.
En
definitiva un interesante trabajo discográfico de un músico que habrá que
seguir sus pasos en próximas grabaciones.
NOTA: La crítica de este compacto se redactó para la revista digital JazzTK.
Grabado en directo el 13 de Mayo de 2013 en el MUG/Munich
Underground, Alemania.
Producido por Agustí Fernández para Sirulita Records.
Sirulita 1302
CD 2013
Agustí Fernández, A Tarce of Light (Sirulita, 2013)
Ya hemos demostrado en más de una ocasión en Jazz Recordings nuestra predilección por
uno de los pianistas más importantes, prolíficos y heterogéneos del panorama
jazzístico español. Con el presente trabajo a piano solo, una grabación en
directo proveniente del Munich Underground, Agustí Fernández nos demuestra algo
más de lo que señala el título de la grabación, A Trace of Light (Un rastro de luz), es decir, nos exhibe un rastro
completo de su faceta como intérprete, en su vertiente más amplia y abierta.
A Trace of Light nos muestra la obra musical de
Fernández entendida como uno todo, y con un planteamiento interpretativo nada
convencional. Un repertorio conformado en su totalidad de improvisación de
principio a fin, y en donde la obra musical es presentada y manifestada sin
interrupciones, triunfando de forma clara y contundente la faceta creativa por
encima de cualquier otro planteamiento ajeno a esa faceta. Exigencia por encima
de todo y rigor interpretativo son los dos parámetros en los que se basa el
discurso musical de Agustí Fernández.
En A Trace of Light
se nos muestra la actividad pianística de Fernández conformada por estructuras,
armonías, disonancias y sonoridades bien diversas. Todo un mundo de
posibilidades en muchas ocasiones más allá de las que puede ofrecer un
instrumento como es el piano. Este registro permite apreciar momentos de
plenitud sonora, Part I y Part II; otros de minimalismo expresivo,
Part III; texturas y sonoridades no
convencionales, Part V o momentos de
recogimiento acompañados con ciertos desarrollos vigorosos y ternura interpretativa,
como el tema que cierra el compacto, Part
VII.
La presente grabación de nuevo nos demuestra el basto y
amplio universo musical de un excelente músico, que por desgracia se encuentra
poco o nada reconocido, a pesar de su enorme talento musical.
- Ariel Bringuez: Saxo tenor y coros en el tema 2.
- Jorge Vistel: Trompeta.
- Germán Kucich: Piano y piano eléctrico en los temas 5 y 8.
- Paco Charlín: Contrabajo.
Artistas invitados:
- Yuvisney Aguilar: Batás y coros en el tema 2.
- Cristina Mora: Voz en el tema 5.
01. Coruxo.
02. Nairi.
03. Vincent.
04. It’s coming.
05. Bllad.
06. Tales
From Tajuña.
07. Rexob.
08. Fellow.
Grabado en Madrid, el 7 de abril de 2011.
Big Music
Records.
BME 113
CD 2012
Juanma Barroso, Nairi (Big Music Records, 2012)
Nairi es el título que ha elegido el
baterista madrileño Juanma Barroso para presentar su primer trabajo en
solitario. El título del mismo es una conjunción de las iniciales de sus dos
hijas, Naima e Íride, a las cuales les dedica el compacto.
Nairi representa ser la culminación y el
reflejo musical de lo que ha ido alimentándose el baterista a lo largo de los
años y en donde se puede apreciar el gusto por el desarrollo de una jazz
moderno pero que así mismo conjuga estilos tan distintos como son el latín
jazz, los aires cubanos, así como ciertas sonoridades provenientes de los años
eléctricos.
Para llevar a cabo este proyecto Barroso ha reunido algunos
de los mejores músicos tanto nacionales como extranjeros, entre ellos citar al
excelente contrabajista gallego Paco Charlín, el saxofonista norte-americano
Logan Richardson o el trompetista cubano, Jorge Vistel, como rítmica esencial
del proyecto. Con estos mimbres, Barroso presenta un disco en donde todas las
composiciones son originales del propio líder o del contrabajista, en donde se
hace gala de un planteamiento estilístico variado tanto a nivel musical como
sonoro, y en donde se puede ver como se conjuga tradición y modernidad como en
la composición “Coruxo”, los planteamientos cubanos del tema que da título al
compacto, las influencias del jazz más académico en “It´s coming”, o la excelsa
balada construida a base de un canto embriagador de la voz de Cristina Mora y
las sonoridades del piano eléctrico y sin dejar de resaltar una de los mejores
composiciones del compacto, “Rebox”.
Un
interesante trabajo que bien vale la pena su escucha, y un músico que así mismo
valdrá la pena seguir y estar atento a las próximas grabaciones que publique.
NOTA: La crítica de este compacto se redactó para la revista digital JazzTK.
- Orquesta de cuerda, miembros de la Radio Symphony Orchestra,
Stuttgart.
Director:
Mladen Gutesha.
01. Runes 15:20
02. Solara March 09:40
03. Mirrors 27:47
Grabado en Octubre de 1975, publicado originalmente en 1976
ECM
Records.
ECM 1070
375 2752
CD 2014 edición
en digipack, REEDICIÓN.
Keith Jarrett, Arbour Zena (ECM Records, 2014, Reedición)
"Considero esta una de mi más lírica, rica y
consistente obra", con estas palabras describió en su momento Keith
Jarrett la composición "Mirrors", la pieza final de casi media hora
de duración de Arbour Zena. Añadiendo
que "la contribución de Jan Garbarek
es insustituible y llena de éxtasis."
La
descripción que llevó a cabo Jarrett de su propia obra es perfectamente
aplicable al resto de composiciones (tan sólo tres) que conforman la grabación
titulada Arbour Zena. Las piezas
interpretadas por una formación en trío, (piano, contrabajo y saxo) y el acompañamiento
de una orquesta de cuerdas, emanan romanticismo, lentitud, meditación y reposo por
todos los lados. Las aportaciones tanto de Jarrett como de Garbarek destilan una
contemporaneidad que derivaba principalmente de las influencias de la música clásica.
Incluso en algunos pasajes se pueden advertir ciertas ideas minimalistas, muy
avanzadas para el momento en que se interpretaron.
Hay
destacar la composición “Mirrors” y con una duración próxima a la media hora,
que resume a la perfección todos los aspectos señalados de este proyecto, y muy
especialmente la aportación de Jan Garbarek con su característico sonido frío, el uso del espacio y de sus largas aportaciones musicales (sin duda alguna “marca
de la casa”) es el reclamo musical de Arbour
Zena.
No cabe la
menor duda que esta es una grabación totalmente distinta a la que nos tenía
acostumbrados Keith Jarrett y que de alguna forma dejaba ver el carácter
abierto y multidisciplinar del pianista americano.
Señalar para
finalizar que la presente reedición forma parte de la serie Re-Solutions que el sello discográfico
ECM ha llevado a cabo de diversas grabaciones. Para llevar a cabo la nueva edición
se han tomado las fuentes analógicas originales de la misma, y se han publicado
en tres formatos, en vinilo de 180 gramos, en el correspondiente CD y en archivos
de alta resolución para su descarga.
Christian McBride, Out Here (Mack Avenue Records, 2013)
Hablar de Christian McBride es hacerlo de un compositor,
arreglista, educador, así como uno de lo músicos más reputados y prestigiosos del
momento. Su carrera como líder pero muy especialmente su trayectoria como acompañante
es sencillamente apabullante, en esta última faceta se le pueden llegar a
contabilizar más de 300 sesiones de grabación. La lista de músicos con los que ha
compartido sesiones de estudio o en concierto daría para confeccionar toda una
enciclopedia de músicos de jazz.
A nivel individual su carrera como líder de sesión es igualmente
considerable, al llevar a cabo con el compacto que comentamos una docena
grabaciones con diversas formaciones que van desde los combos de reducidas
proporciones hasta las big band.
Out Here se trata de su última grabación y
sirve así mismo para presentarnos su nuevo trío, acompañado en este caso de dos
músicos con los que anteriormente ya había grabado McBride. El resultado de la sesión
es sencillamente primoroso y excepcional, al proporcionarnos una lección de
fluidez tanto musical como interpretativa. Culpa de ello, por decirlo de alguna
forma, es obra no sólo del líder de la sesión sino también de Christian Sands
al piano y de Ulises Owens Jr. a la batería. La formación “camina” con una destreza
y brillantez insultante, proporcionándonos espléndidas versiones de algunos
temas clásicos como un My Favorite Things
lleno de tonalidades, texturas, y de vigorosos ritmos por parte de toda la
formación; un Cherokee lleno de vertiginoso
swing y tradición por los cuatro lados o una monumental y antológica versión de
I Have Dreamed, embriagadora la
interpretación de la misma por parte del piano de Christian Sands (estupendo a
lo largo de toda la grabación) y del soberbio trabajo de McBride en el contrabajo y muy especialmente con el arco.
Para cerrar el compacto McBride y su grupo nos deleitan con
una vigorosa y rítmica versión del Who´s
Making Love, todo un clásico del R&B de la factoría Stax y que
popularizo Johnie Taylor. Con su interpretación es posible apreciar el carácter
abierto y ecléctico del grupo, lo que demuestra el carácter expansivo de esta
excelente formación. A resaltar de forma efusiva el trabajo preciso y
contundente de Christian Sands y de Ulises Owens Jr. que resultan ser una rítmica
superlativa y complemento perfecto para su líder.
Una
grabación que no debería faltar en cualquier buena discoteca de jazz y que
viene a confirmar (si es que ello fuera necesario) a uno de los mejores músicos
actuales. Esperamos la continuidad de esta formación en futuras grabaciones y que
no deje ser “flor de un día”.
