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| Benito González © Photo by Joan Carles Abelenda |
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| Albert Bover © Photo by Joan Carles Abelenda |
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| Oscar Williams II © Photo by Joan Carles Abelenda |
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| Brad Mehldau, Finding Gabriel (Nonesuch Records, 2019) |
Interesante y arriesgado a partes iguales el proyecto que llevó a cabo el pianista norte americano Brad Mehldau con este Finding Gabriel. Interesante debido a que sale de su zona de confort musical más conocida al retomar el formato más eléctrico y rítmico que ya había utilizado en anteriores grabaciones, y arriesgada debido a que para elaborar el material musical de la grabación el pianista recurrió como fuente de inspiración a textos religiosos procedentes de la Biblia. Mehldau gusta de explicar sus proyectos y con respecto al mismo en su propia web el pianista se explaya dando ideas en relación al mismo. Mehldau apuntó que “Finding Gabriel vino después de leer la Biblia detenidamente durante los últimos años. Los escritos proféticos de Daniel y Hosea le llamaron la atención en particular, al igual que la literatura de la sabiduría procedente de Job y los Eclesiastés, así como las palabras devocionales de los Salmos”. Todos los títulos del trabajo tienen claras inspiraciones procedentes de los textos bíblicos y además en algunos de ellos se acompañan pasajes literales de esos mismos textos.
Con todo éste caldo de cultivo creativo, Mehldau se rodeada de un elenco de músicos cuidadosamente seleccionados para desarrollar el proyecto, entre ellos el cantante Kurt Elling, el trompetista Ambrose Akinmusire, los saxofonistas Michael Thomas, Joel Frahm y Chris Cheek, sin dejarse a su amigo el baterista Mark Guiliana a la batería y con el ha colaborado en más de una ocasión en proyectos de características similares, todos ellos totalmente diferentes a lo que se le conoce a Mehldau.
Es bien sabido que Mehldau ha intentado a lo largo de su extensa carreta musical salirse de su zona de confort buscando alicientes musicales más allá de las grabaciones y conciertos a piano solo o con su trío estable de piano, contrabajo y batería. En Jazz Recordings estamos muy atentos a sus grabaciones y se sigue con mucho interés el desarrollo musical del que es uno de los artistas más emblemáticos e interesantes del panorama jazzísitico.
Desde el mismo inicio de Finding Gabriel se puede percibir que estamos ante un disco de
carácter conceptual y en donde el propio Mehldau multiplica sus esfuerzos como
multi instrumentista (en tres temas se encarga de tocar todos los instrumentos,
incluyendo las partes vocales y la batería). La presencia de músicos como el
cantante Kurt Elling igualmente tiene una participación muy creativa y singular
en los temas que participa como por ejemplo en “Make It All Go Away” o “Proverb
Of Ashes”. Muchos de los temas se inician a base de sintetizadores para pasar
posteriormente a desarrollos musicales en donde la parte vocal tiene
participación vital en el todo el proceso musical (en ciertos momentos las voces
confieren cierta sensación apocalíptica), sin dejar de lado las aportaciones de
los instrumentos de cuerdas así como las participaciones de los instrumentistas
de viento. La sonoridad que se obtiene a lo largo de todos los temas es especialmente
particular buscando en todo momento una expresión estilística totalmente diferente
a la que se le conoce al pianista, lo que determina la idea conceptual e
interpretativa de la grabación.
Un interesante proyecto que puede ser que no acabe de complacer a los seguidores del pianista norte americano debido al fuente componente creativo que despliega, pero que sin duda alguna hay que tener en cuenta en la extensa discografía de Mehldau.
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| Marta Sánchez © Photo by Joan Carles Abelenda |
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| Thelonious Monk, Monk (Gearbox Records, 2018) |
Muy interesante y por desgracia
muy poco conocida la grabación que publicó en el año 2018 el sello discográfico
audiófilo inglés y afincado en Londres, Gearbox Records. Fundado en el año
2009, Gearbox ha establecido un sólido catálogo de grabaciones procedentes de archivos
de jazz inéditos incluyendo a artistas contemporáneos y que aglutinan etilos
que van desde el jazz alternativo, el folk
hasta músicas electrónicas.
En Jazz Recordings ya comentamos en su momento una anterior grabación de este sello discográfico la de Dexter Gordon, Fried Bananas (Gearbox Records,2016), otra publicación procedente de un concierto en Europa y completamente inédita hasta la fecha de su publicación y que también pasó sin pena ni gloria y por ello completamente inadvertida en el mercado discográfico. Ahora desde Jazz Recordings se ha querido de alguna forma rescatar y dar a conocer esta estupenda grabación, y más teniendo en cuenta que Monk se encuentra de plena actualidad por haber publicado el sello discográfico Impulse otro concierto inédito, éste rodeado de ciertas connotaciones sociales.
La grabación de Gearbox Records procede de un concierto llevado a cabo en la ciudad de Copenhague en el año 1963. Un concierto llevado a cabo por una de las mejores formaciones que tuvo el pianista, la conformada por Charlie Rouse al saxo tenor (hay que recordar que Rouse fue el saxofonista de Monk hasta finales de los años 60 y principio de los años 70), John Ore al contrabajo y Frankie Dunlop a la batería. El concierto fue grabado en vivo en Europa en el año 1963 por la Danish Broadcasting Corporation en Copenhague en el concierto que se llevó a cabo en el Odd Fellow el día 5 de Marzo de ese año. Monk se encontraba en la cima de la carrera como músico. Un año más tarde, aparecería en la portada de la revista TIME, uno de los cuatro artistas de jazz en hacerlo. La actuación, una mezcla de temas originales de Monk e interpretaciones de estándares, muestra al pianista en su mejor momento creativo/musical, con su característico estilo lleno de agudeza interpretativa pero siempre dotada de una excelsa musicalidad. El concierto proviene de unas cintas originales que según la discográfica recibió la aprobación de la propiedad de Monk para ser publicadas, siendo fielmente restauradas, masterizadas y editadas en un proceso totalmente analógico.
El concierto, excelente en cuando a calidad sonora, es una pequeña delicia musical que permitirá al aficionado no solo disfrutar de la sección rítmica comentada sino así mismo al propio Monk en un tema en solitario, el clásico "Body And Soul". La música resultante del concierto va en la línea del estilo de Monk que se le conocía, moderna, llena de esa agudeza interpretativa comentada y que le hizo tan característica a lo largo de carrera musical y ante todo repleta de swing. Tan solo hay que escuchar el tema “Monk's Dream” para poder percibir todo lo comentado e igualmente para constatar la excelente compenetración del grupo de Monk, muy en especial los desarrollos y aportaciones de Charlie Rouse, un saxofonista al cual nunca se le ha valorado en su justa medida, un músico que estuvo al servicio de Monk durante muchos años y que entendió y asimiló la idea musical de Monk a la perfección.
En definitiva una excelente edición y un magnífico concierto que los aficionados a Monk deberían de buscar y conseguir. La calidad sonora y musical del registro bien vale su adquisición ya sea en edición vinilo o compacto.
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| Redman-Mehldau-McBride-Blade, RoundAgain (Nonesuch Records, 2020) |
Disco muy esperado dentro del mundo jazzístico desde que se anunció la publicación del mismo, RoundAgain es la reunión de cuatro de los mejores y más distinguidos músicos de jazz de hoy en día. Joshua Redman, Brad Mehldau, Christian McBride y Brian Blade son cuatro referencias absolutas en su instrumento y a lo largo de los años se han labrado una importante y reputada carrera como intérpretes -como líderes de sus propios proyectos o como acompañantes- que les ha permitido tocar con los mejores músicos de la gran tradición jazzística y sin ningún tipo de duda con los mejores intérpretes de su propia generación.
Han pasados 26 años desde que Joshua Redman publicará
junto a Brad Mehldau, Christian McBride y Brian Blade, y que fue la primera reunión
de estos músicos, el trabajo
referenciado con el título, MoodSwing,
Lo hacía en condición de líder de la sesión, es por ello que los temas de ese
disco estaban compuestos en su totalidad por el propio saxofonista (apuntar para
los aficionados coleccionistas que MoodSwing
fue reeditado por Nonesuch Records -actual sello discográfico de Redman- en
formato vinilo de
Con todos estos mimbres la grabación es una auténtica delicia de jazz contemporáneo, lo que va a permitir al aficionado poder intuir y disfrutar de las fuertes personalidades musicales de Redman y Mehldau pero sin menoscabo en ningún momento de la presencia de Christian McBride y Brian Blade, dos baluartes del acompañamiento. La personalidad de Redman y Mehldau es muy clara y evidente a lo largo de toda la grabación, la del saxofonista por ese uso tan característico de los tonos agudos y el cambio de sonoridades en el desarrollo de los mismos, mientras que por el contrario en Mehldau los aficionados reconocerán su estilo sobrio en la interpretación, la independencia de manos o su gusto por los patrones irregulares y cargados de musicalidad. El resto de las interpretaciones están soportadas y acompañadas por McBride y Blade, estupendos y fantásticos en todo momento, lo que obligará al aficionado a parar atención a las mismas, principalmente para poderlas degustar y no perder un ápice de las mismas. El resultado de toda la grabación es sencillamente excelente, con una música que fluye de manera natural y sin esfuerzo alguno, y con una interacción y un entendimiento de todos los integrantes de la formación, una circunstancia solo al alcance de músicos de la calidad de la presente grabación.
En definitiva una excelente grabación que sin duda alguna se encontrará dentro de las mejores del año en curso.
LINK: Redman Mehldau McBride Blade "Right Back Round Again":
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| Christian Sands © Photo by Joan Carles Abelenda |
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| Ben Wendel, High Heart (Edition Records, 2020) |
El saxofonista, compositor y productor canadiense Ben Wendel presenta su nuevo trabajo discográfico como líder de sesión, el primero para el sello discográfico inglés Edition Records. Para llevarlo a cabo se ha rodeado de un elenco de músicos de extraordinario talento como son Shai Maestro y Gerald Clayton en los pianos y fender rhodes, Michael Mayo en la voz y efectos, Joe Sanders en el contrabajo y Nate Wood en la batería. Según palabras del propio saxofonista High Heart se refiere “al deseo humano de conectarse y expresarse a través de los nuevos medios –en referencia a la tecnología actual de las redes sociales- a riesgo de sentirse aislado y separado”.
High Heart está conformado por ocho temas, todos ellos procedentes de la pluma del propio Wendel, y en la mayoría de los mismos con planteamientos musicales muy contemporáneos gracias a la incorporación de la participación vocal y de la utilización de un instrumento como el fender rhodes. Wendel se aleja de manera expresa de las agrupaciones de jazz convencionales y busca para ello una sonoridad diferente y ante todo personal. Esa impronta original la consigue gracias a la presencia de la extraordinaria voz de Michael Mayo que detenta la cualidad de un instrumento más dentro de la formación -un cantante a tener muy en cuenta y que dará que hablar-, y que desde el primer tema del compacto demuestra unas excelentes cualidades interpretativas. Wendel se apoya en esa presencial vocal, baste escuchar temas como “Less” o el imponente “Traveler”, para poder apreciar el diálogo que lleva a cabo junto a Michael Mayo, el cual demuestra a lo largo de las diversas composiciones momentos fastuosos y muy enfáticos o en su contra otras aportaciones más minimalistas. Todo ello permite a Wendel construir un discurso elaborado, fértil a nivel creativo y dotado de una gran elocuencia tanto interpretativa como sonora. A todo ello contribuye la presencia de los músicos que acompañan al saxofonista, muy especialmente los pianistas Shai Maestro y Gerald Clayton, que con la aportación del fender rhodes brindan unas armonías diferentes y sugestivas, todo ello correctamente secundado por Joe Sanders y un Nate Wood muy activo a la batería.
No cabe duda que Ben Wendel en High Heart presenta un proyecto con ideas innovadoras y planteamientos sonoros no convencionales que no va a dejar indiferente al aficionado que se aproxime a su escucha.
LINK: Ben Wendel "Drawn Away" del disco High Heart:
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| Giovanni Di Mateo © Photo by Joan Carles Abelenda |
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| Pedro Iturralde © Photo by Joan Carles Abelenda |
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| Pedro Iturralde © Photo by Joan Carles Abelenda |
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| Charles Lloyd, 8 Kindred Spirits-Live from The Lobero Theatre (Impulse, 2020) |
Los aficionados al jazz estamos de enhorabuena con la
salud artística del saxofonista norte americano Charles Lloyd, y es que cada
trabajo que publica es una auténtica delicia musical. Charles Lloyd celebró su
80 cumpleaños el 15 de Marzo de 2018 en un local de su ciudad natal, en el
Teatro Lobero de Santa Bárbara. Para ese concierto Charles Lloyd se encontró
arropado con excelentes músicos como fueron el guitarrista Julian Lage, el
pianista Gerald Clayton, el contrabajista Reuben Rogers y el baterista Eric
Harland; la actuación contó con diversos músicos invitados como fueron el
organista Booker T. Jones y el bajista (y presidente de Blue Note Records) Don Was
De ese concierto ha aparecido este fantástico álbum de Lloyd 8: Kindred Spirits (Live from The Lobero), del cual se ha publicado una caja de lujo de edición muy limitada que incluye 3 LP, 2 CD y un DVD del concierto al completo. Esta edición se acompaña de un excelente libro de tapa dura de 96 páginas repleto de fotografías sobre los conciertos y actividades del saxofonista y 2 copias de fotografías, una de ellas firmada por el músico. Esta grabación se ha publicado igualmente en dos versiones más sencillas y de precio más asequible en formato LP/DVD o de CD/DVD y que contienen tan solo la mitad del concierto que ofreció Lloyd.
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| Edición de lujo de Charles Lloyd, 8 Kindred Spirits-Live from The Lobero Theatre (Impulse, 2020) |
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| Edición LP/DVD de Charles Lloyd, 8 Kindred Spirits-Live from The Lobero Theatre (Impulse, 2020) |
Un extraordinario disco que no debería de faltar en
toda buena discoteca que se precie. Altamente recomendable esta edición a pesar
de que sea complicado la adquisición de la edición de lujo de vinilos, CD y
DVD.
LINK: "Requiem" de Charles Lloyd-8 Kindred Spirits (Live From the Lobero Theatre):
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| Lina Lomanto © Photo by Joan Carles Abelenda |
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| Silvia Pérez Cruz & Javier Colina © Photo by Joan Carles Abelenda |
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| Enrique Olive & Jaume Llombart, Everything I Love (UnderPool, 2020) |
Gratamente sorprendido por la nueva producción de
Underpool, muy especialmente por la concepción que con se ha ideado (formato de
dúo saxo y guitarra) y principalmente por la ejecución que han llevado a cabo Enrique
Oliver y Jaume Llombart del proyecto. Y es que hay grabaciones que requieren de
muy poco o de mucho (depende como se mire) para poder ser llevadas a cabo con
cierto éxito.
EveryThing I love se centra al completo en el repertorio de standards del cancionero americano sin que ninguno de los músicos aporte composición propia al proyecto. Es un gran ejercicio de musicalidad y de riesgo interpretativo llevar a cabo una sesión de grabación con temas tan conocidos y reconocidos del repertorio jazzístico. Pero ese compromiso bien vale la pena llevarlo a cabo cuando se ejercita con respeto y especialmente con buen gusto, como es el trabajo discográfico que se comenta.
Enrique Oliver y Jaume Llombart es un dúo asociativo
que con instrumentos musicalmente tan diferentes como son el saxo y la guitarra,
se complementan y se alían en pos de un diálogo creativo, de igual a igual y sin
contraposiciones, con el único y exclusivo objetivo de elaborar un discurso
conjunto. Ese discurso esta basado en el uso de la melodía y de manera
significativa por el exquisito gusto interpretativo de ambos músicos, todo ello
sin caer en excesos y mucho menos en la desnaturalización de los temas
interpretados –circunstancia que no se produce en ningún momento-, para
evidenciar todo ello que se pueden escuchar temas como “Daydream/After All”, “But
Beautiful” o “Lush Life” a modo de ejemplo.
Otro a punto a destacar de la grabación es que muchos de los temas no son extensos en cuanto minutaje, sino que se tratan de pequeñas piezas musicales en donde los intérpretes concentran la ejecución y el discurso narrativo, y por tanto eliminando elementos musicales superfluos para la escucha del aficionado. Por último apuntar la presencia como invitado en dos temas, “If ever I would Leave You” y “Love Me Tender” del trompetista Felix Rossy, y que supone el contrapunto diferencial del proyecto a dúo interpretado por Enrique Oliver y Jaume Llombart. Excelente disco.
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| Albert Bover © Photo by Joan Carles Abelenda |
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| Ariel Brínguez © Photo by Joan Carles Abelenda |
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| Joshua Redman & Brooklyn Rider, Sun on Sand (Nonesuch Records, 2019) |
Interesante y muy atractiva propuesta la que propone
el saxofonista Joshua Redman con esta grabación de la año 2019. Y es que a Redman
le gusta desarrollar proyectos alejados de los cánones establecidos y con claras
intenciones creativas. Éste es el caso de la grabación Sun on Sand en donde Redman se hace acompañar por una sección de
jazz en formato de trío (saxo, contrabajo y batería) y de un cuarteto de
cuerda, el Brooklyn Rider. El cuarteto Brooklyn Rider es una de las formaciones
de cuerda más importantes que hay en la actualidad, su repertorio esta
conformado por música contemporánea, entre las grabaciones que han llevado a
cabo hay que apuntar los famosos cuartetos de cuerda de Philip Glass.
Sun on Sand está configurado por composiciones escritas y arregladas por el compositor Patrick Zimmerli y procede de una suite denominada “Aspects of Darkness and Light”, una composición que se inspira en la luz en todas sus formas para saxo tenor, cuarteto de cuerda, contrabajo y percusión que fue comisionada por el Seatle Commissioning Club e interpretada y estrenada por primera vez en el Wigmore Hall de Londres el 24 de Abril de 2014 (el concierto fue interpretado por el propio Joshua Redman, Scott Colley, Satoshi Takeishi y el Escher String Quartet). La grabación del proyecto para este compacto se llevó a cabo en Mayo de 2015 en la ciudad de Nueva York y fue publicada cinco años más tarde por el sello discográfico Nonesuch Records. La colaboración entre Zimmerli y Redman no es nueva ya que ambos trabajaron para la grabación del saxofonista del año 2013 Walking Shadows. Zimmerli escribió arreglos orquestales para el mencionado álbum.
La presente grabación tiene como principal objetivo integrar géneros musicales tan distintos como son el jazz, la música contemporánea y ciertas armonías de músicas del mundo, todo ello a través del uso de estructuras y superposiciones sonoras. Para ello el binomio Redman y Brooklyn Rider es ideal para el mencionado objetivo, pues al característico virtuosismo del saxofonista (acompañado de su grupo) se une las contrapuestas sonoridades del cuarteto de cuerda, lo que proporciona unas armonías diferentes y muy versátiles. Claro ejemplo de ello es el tema con que abre el compacto “Flash”, que tal como indica es un arrebato de energía y de cruce de resonancias por parte de todos los integrantes de la grabación.
La integración de géneros musicales es perfectamente deleitable en temas como “Between Dog and Wolf“, “Sofá Focus” o “Dark White”, éste último con un título altamente sugestivo y sin duda alguna uno de los mejores cortes de esta grabación.
A destacar igualmente el gran componente melódico que tienen muchas de las composiciones y en donde Joshua Redman se desenvuelve con gran soltura y heterogeneidad que combinado con el carácter ecléctico de la formación de cuerda proporcionan momentos de excelsa musicalidad, es por ello que el diálogo que tiene Redman y el Brooklyn Rider en el comienzo del tema “Starbursts and Haloes” roza lo emocional y etéreo, y es una prueba palpable y fehaciente de lo comentado.
Un estupendo y fantástico trabajo que pasó bastante desapercibido cuando se publicó y que bien valdría la pena escucharlo para poder comprobar la vertiente más creativa de unos de los saxo tenores más importantes de la actualidad jazzística. Una grabación diferente a lo que se suele escuchar hoy en día y que vale la pena disfrutar.
LINK: "Starbursts
and Haloes" de Sund on Sand, Joshua Redman with Scott Colley & Satoshi Takeishi &
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| Christof Saenger © Photo by Joan Carles Abelenda |
MINGUS: Three or four shades of blues por Jorge López de Guereñu
Jorge López de Guereñu nacido en Bilbao, es artista, diseñador, urbanista, profesor, y empresario. Su afición por la música y en concreto por el jazz va más allá de una mera pasión, es un modo de vida que refleja una forma de ver y de entender ese estilo musical tan desdeñado como poco entendido, pero que en Guereñu es el leitmotiv de todos sus trabajos artísticos.
Jorge López de Guereñu se encuentra embarcado en un proyecto en donde quiere rendir homenaje a una de las figuras capitales del jazz, al gran músico, compositor, líder de banda y contrabajista, Charles Mingus. Para ello ha tomado como referencia el título de un disco del año 1977, Three or four shades of blues, de la discografía del músico norte-americano, que le ha servido como punto de partida para su ideario creativo y para desarrollar un trabajo artístico centrado única y exclusivamente en la figura del músico.
En la presente entrevista Guereñu comenta con detalle lo que supone para él la figura de Mingus y como lo ha intentado plasmar a nivel artístico para rendir su personal homenaje. Los trabajos de Guereñu se van a poder ver en la exposición que va a llevar a cabo del 17 Octubre a 30 de Noviembre 2020 en El Atrio/Librería-Flappers, Particular de Club 2, Las Arenas de Guecho.
.- Me
interesaría que explicaras cual ha sido la génesis y el motivo de llevar a cabo
este proyecto tan específico.
Pues parte de varias cosas; de que nunca en mi vida había dibujado ni pintado nada sobre Mingus, motivo suficiente para ir al infierno, de un reencuentro con un gran amigo, Hipólito García, que me presenta al dueño de un local en Las Arenas que me propone hacer algo en él, y de que está al lado de la librería/bar de otra amiga, Flappers, en la que sobre la estantería de los libros estaba el curioso disco de Mingus en solitario al piano, además en una edición española rarísima. Ese disco me lo compró mi madre cuando yo tenía doce o trece años, ya me encantaba su música y como los dos tocábamos ese instrumento, pues cayó en la cesta, el segundo disco que tuve de él, y mira que es extraño en su discografía. La dueña de la librería ya me había comentado hacer algo ahí también, así que decidimos esta exposición doble en los dos locales de la calle Particular de Club, y convertirla durante algo más de un mes en la calle particular de Mingus.
.- ¿Cómo ha
sido este “digamos” proceso creativo de concentración en la figura del gran
contrabajista Charles Mingus y en concreto en relación con el título de un
disco del año 1977? ¿Cuál ha sido el motivo de la elección de este disco del
periodo Atlantic de los años 70 y no otro específico, teniendo en cuenta que
Mingus cuenta con otras excelsas y superlativas grabaciones en su discografía?
Mingus era un revolucionario, y según llega Nueva York, muy joven, se junta enseguida con las grandes luminarias del be bop, su encuentro con Monk, Charlie Parker y compañía es fundamental. La oferta me pilla justo cuando estoy haciendo una trilogía de mis típicos Cutheads/Headhunters sobre Parker, para celebrar su centenario. Decido hacerlos en los azules típicos de mis primeras obras ya centradas absolutamente en la Gran Música Negra, y en concreto en el jazz, de los noventa. Era un homenaje a ese gran músico, pero también a mi mismo: en esa época es en la que realmente empiezo a trasladar mi amor por esta música a lo que hago, y me encuentro a mi mismo como artista. Sé que ese es un disco menor en la obra de Mingus, ni mucho menos tan importante como otros, ya en el ocaso de su carrera y cuando empezaba a deteriorarse por la enfermedad que apenas le dejaba tocar por entonces, pero siempre me ha fascinado su título, tan sugestivo. Mingus, como Monk, es un maestro poniendo nombres poéticos y evocadores a sus discos y sus composiciones, títulos que siempre definen perfectamente su música.
.- ¿Qué
representa para ti Charles Mingus?
Junto a Monk, el gran heredero de Ellington, el gran compositor del jazz. Mingus además lo adoraba, por mucho que lo echase de su orquesta tras un breve paso por ella. Y con él honor de que en vez de mandar a alguien a comunicárselo, como Duke, hacía siempre, tras enfadarle aunque no sabemos exactamente por qué, dijo, textualmente: “de este me encargo yo, personalmente”. El carácter del contrabajista era tan aguerrido como su música (y como el mío, jajaja), y eso es lo que más me ha atraído tanto de su obra como de su figura, siempre.
.- ¿Esa idea
que tienes del contrabajista la has podido plasmar en tus ilustraciones?¿Qué
has querido aportar con tu trabajo en relación a la figura de Mingus?
He hecho una serie de piezas no muy grandes y otras realmente pequeñas. En Flappers habrá dos tintas sobre los collages tan característicos en mi obra sobre papel de los últimos años, y dos o tres lienzos de lino crudo apenas rozados con acrílico y resinas. En El Atrio habrá dos o tres Cutheads más, en su tamaño habitual de 24 x 19 cms. y un lienzo más alargado pero no muy grande, realmente espectacular por la imagen de partida, soberbia; también cuatro detalles, en lienzos pequeños también, de sus manos tocando el contrabajo, y once miniaturas en tablillas sacadas de cajas de vino, con retratos y otros dos detalles de sus manos. Las imágenes de las que he partido van desde su juventud hasta su ocaso, y a través de ellas he intentado transmitir esa evolución también en su música, que es la que es desde principios de los cincuenta, pero no deja de evolucionar sobre todo a lo largo de esa década y las dos siguientes.
.- ¿Es posible trasladar a tus trabajos lo que piensas y sientes en relación a los músicos que sueles pintar?
Eso es exactamente lo que trato de hacer. El retrato está bien, es un tema que me fascina, pero yo intento ir más allá del retrato de la persona, por mucho que me interese, y retratar en alguna forma lo que hacen los músicos a los que retrato. El dibujo es una parte fundamental para lo primero, pero el color, la composición y los materiales son esenciales en lo segundo. Para mi es fundamental escuchar su música mientras pinto sobre ellos, así que supongo que seguirás viendo obras mías sobre músicos que te encantan, como a mi. Me temo que en cambio, por eso no verás nunca algo sobre McCartney, Julio Iglesias o la Pantoja.
.- ¿Cuál ha
sido el material que has utilizado para llevar a cabo el proyecto así como el
formato que has concebido para la realización de las ilustraciones?
No he concebido nunca mi obra como ilustraciones, aunque parte de ella ha aparecido en portadas de discos y revistas, o ha acompañado artículos sobre música, muchos escritos por mi. Creo que además de esa utilidad, que me parece estupenda, la obra que hago tiene su propia entidad, y aunque está relacionada e inspirada por la música, por suerte llega a un público más amplio que el directamente relacionado con la música. En Bilbao he plantado a Coltrane en el tercer mural más grande que hay en el mundo (soy el autor de los cuatro más grandes, y tengo un Guinness Record por ello, aunque sólo me parece una anécdota divertida), y aunque gran parte de la gente que tiene que verlo todos los días (se ve prácticamente desde todo el centro de la ciudad) no sabe quien es, les gusta, creo… Lo más interesante sobre el material en esta serie para mi son las cajas de vino. Estoy ahora mismo preparando una serie sobre Sun Ra y como no puedo hacer nada normal sobre él (se lo tomaría mal), esto es una prueba para algo que voy a hacer en una especie de pinturas/esculturas a partir de ese material. Será una “marcianada” que seguro que a él le gustaría, y además un ensayo para una escultura enorme que quiero hacer para el siguiente Festival de Jazz en Guecho, sobre la idea de los cien años de esta música que hemos vivido desde que se empieza a grabar.
.- El color forma parte inseparable de tus trabajos. ¿Qué tipo de color o colores has utilizado para Three or four shades of blues, parece ser que has tenido bastante inclinación por los azules? Has buscado concentrar la ejecución de las obras en la figura de Mingus eliminando todo lo que pudiera ser superfluo en la figura del contrabajista.
Siempre voy a lo esencial, o lo intento. El azul es un color esencial en parte de mi obra, y todos sus matices y derivaciones son lo que he intentado explorar aquí. Además de por el título y lo que sugiere, que me vino directamente a la cabeza, he trabajado siempre con el blues en mi cabeza cuando estaba haciendo esta serie. De hecho, un día típico durante ello alternaba los discos de sus grandes épocas en Atlantic, Columbia y Candid, con discos de blues de entreguerras, otra de mis muchas pasiones. Cada música tiene su color, el año que viene espero exponer en Sevilla durante el ciclo de clásica contemporánea que organiza nuestro amigo Manuel Ferrand allí, como sabes compartimos tu pasión sobre esa música contigo. Desde los primeros bocetos que empecé a hacer hace meses para ello, la gama en la que estoy trabajando es completamente distinta, un casi blanco y negro aunque no lo es, también tiene su color pero más bien sugerido, no con la evidencia e importancia en otras partes de mi obra.
.- ¿Dónde
expones el proyecto de Mingus y cuál es el motivo de haberlo llevado en ese
lugar?
El o los motivos ya los he contado, el lugar también lo he explicado, pero hay otro matiz importante. Yo soy de Algorta, uno de los cuatro pueblos que formaron el municipio de Guecho, donde me crié. Hace dos años hice una exposición en Neguri, otro de sus pueblos, ahora barrios, muy distinta. Era la primera vez que exponía en mi lugar de origen, mi hermana once meses más joven que yo había muerto poco antes, y lo que empezó como unas series sobre papel dedicadas a la americana, otra música que escucho mucho, terminó por ampliarse con el rock y soul que escuchábamos juntos de niños y adolescentes, alternados con la clásica y muchas otras cosas que compartíamos con mi madre, entre ellas el jazz, que es mi música primordial desde niño. Poco después me ofrecieron hacer una retrospectiva sobre mi obra relacionada con el jazz en el Festival de Guecho que al suspenderse este año en plena pandemia, se ha pospuesto al siguiente. Ese proyecto ya había cambiado, ya que la sala en la que lo iba a hacer me dio la idea de hacer algo específico para ella y para el festival, en vez de una retrospectiva. Si lo hacemos el verano que viene, volverá a mutar, ya que la sala donde lo íbamos a hacer originalmente ya no existe, y probablemente lo trasladaremos al Musikaberri, el estupendo lugar donde se hacen los conciertos desde el año pasado. Esta exposición sobre Mingus me viene muy bien para solidificar la relación con mi lugar de origen, y también para probar aquí cosas que haré en esa siguiente ocasión si la situación mejora y se puede llevar a cabo. Tanto esta exposición como ese otro futuro proyecto me hacen mucha ilusión, al fin y al cabo, son mi música y mi pueblo. Además, gente como los dueños de estos dos locales, auténticos promotores de cultura, merecen cualquier esfuerzo que yo pueda aportar, y personajes como Mingus deberían de ser recordados más a menudo. El amor y la pasión que siento por su música y con los que he hecho esto, son mi granito de arena, mi contribución. A mi pueblo, su gente que siempre me ha mostrado un gran cariño, al jazz, y a la cultura en general.
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| Espacio de trabajo del artista Jorge López de Guereñu © Photo by Jorge López de Guereñu |
Todas las obras/foto han estado amablemente cedidas por Jorge López de Guereñu para poder ilustrar la presente entrevista.
