FOTO-SILVIA PÉREZ CRUZ & JAVIER COLINA. Foto del concierto SILVIA PÉREZ CRUZ & JAVIER COLINA en el 52º Festival Jazz Barcelona (Barcelona)

FOTO-SILVIA PÉREZ CRUZ & JAVIER COLINA. Foto del concierto SILVIA PÉREZ CRUZ & JAVIER COLINA en el 52º Festival Jazz Barcelona (Barcelona).

- Silvia Pérez Cruz: Voz.
- Javier Colina: Contrabajo.

BARTS.
Barcelona.
29 Octubre 2020

Silvia Pérez Cruz & Javier Colina © Photo by Joan Carles Abelenda

ENRIQUE OLIVER & JAUME LLOMBART: Everything I Love

ENRIQUE OLIVER & JAUME LLOMBART:
Everything I Love

- Enrique Oliver: Saxo tenor.
- Jaume Llombart: Guitarra.
- Felix Rossy: Trompeta en los temas 7 y 12.

01. There Shall Be No Night 04:05
02. For Heaven's Sake 03:06
03. Tangerine 02:32
04. Daydream/After All 03:11
05. Everything I love 02:27
06. But Beautiful 04:28
07. If ever I would Leave You 04:59
08. Georgia On My Mind 02:10
09. I surrender, Dear 04:39
10. Raincheck 02:47
11. Lush Life 03:54
12. Love Me Tender 02:41
13. Lotus Bolsón 5:11 (Bonus track CD).

Underpool.
UNDP-047
CD 2020

Enrique Olive & Jaume Llombart, Everything I Love (UnderPool, 2020)

Gratamente sorprendido por la nueva producción de Underpool, muy especialmente por la concepción que con se ha ideado (formato de dúo saxo y guitarra) y principalmente por la ejecución que han llevado a cabo Enrique Oliver y Jaume Llombart del proyecto. Y es que hay grabaciones que requieren de muy poco o de mucho (depende como se mire) para poder ser llevadas a cabo con cierto éxito.

EveryThing I love se centra al completo en el repertorio de standards del cancionero americano sin que ninguno de los músicos aporte composición propia al proyecto. Es un gran ejercicio de musicalidad y de riesgo interpretativo llevar a cabo una sesión de grabación con temas tan conocidos y reconocidos del repertorio jazzístico. Pero ese compromiso bien vale la pena llevarlo a cabo cuando se ejercita con respeto y especialmente con buen gusto, como es el trabajo discográfico que se comenta.

Enrique Oliver y Jaume Llombart es un dúo asociativo que con instrumentos musicalmente tan diferentes como son el saxo y la guitarra, se complementan y se alían en pos de un diálogo creativo, de igual a igual y sin contraposiciones, con el único y exclusivo objetivo de elaborar un discurso conjunto. Ese discurso esta basado en el uso de la melodía y de manera significativa por el exquisito gusto interpretativo de ambos músicos, todo ello sin caer en excesos y mucho menos en la desnaturalización de los temas interpretados –circunstancia que no se produce en ningún momento-, para evidenciar todo ello que se pueden escuchar temas como “Daydream/After All”, “But Beautiful” o “Lush Life” a modo de ejemplo.

Otro a punto a destacar de la grabación es que muchos de los temas no son extensos en cuanto minutaje, sino que se tratan de pequeñas piezas musicales en donde los intérpretes concentran la ejecución y el discurso narrativo, y por tanto eliminando elementos musicales superfluos para la escucha del aficionado. Por último apuntar la presencia como invitado en dos temas, “If ever I would Leave You” y “Love Me Tender” del  trompetista Felix Rossy, y que supone el contrapunto diferencial del proyecto a dúo interpretado por Enrique Oliver y Jaume Llombart. Excelente disco.

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-ALBERT BOVER

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-ALBERT BOVER
Concierto ANTON JARL QUARTET

- Vicent Maciàn: Saxo tenor y soprano.
- Albert Bover: Piano.
- Tom Warburton: Contrabajo.
- Anton jarl: Batería.

Jamboree Jazz Club.
15 Agosto 2017

Albert Bover © Photo by Joan Carles Abelenda

FOTO-ARIEL BRÍNGUEZ: Foto del concierto YONATHAN AVISHAI Trio & ARIEL BRÍNGUEZ en el 39 Festival Jazz Terrassa (Barcelona)

FOTO-ARIEL BRÍNGUEZ: Foto del concierto YONATHAN AVISHAI Trio & ARIEL BRÍNGUEZ en el 39 Festival Jazz Terrassa (Barcelona).

- Yonathan Avishai: Piano.
- Ariel Brínguez: Saxo tenor.
- Yoni Zelnik: Contrabajo.
- Donald Kontomanou: Batería

Nova Jazz Cava. Terrassa.
10 Octubre 2020

Ariel Brínguez © Photo by Joan Carles Abelenda

JOSHUA REDMAN: JOSHUA REDMAN & BROOKLYN RIDER, Sun on Sand

JOSHUA REDMAN:
JOSHUA REDMAN & BROOKLYN RIDER
Composed and arranged by Patrick Zimmerli
Sun on Sand

- Joshua Redman: Saxo tenor.
- Scott Colley: Contrabajo
- Satoshi Takeishi: Batería.

Brooklyn Rider:
- Colin Jacobsen: Violin.
- Johnny Gandelsman: Violin
- Nicholas Cords: Viola.
- Eric Jacobsen: Chelo.

01. Flash 4:45
02. Between Dog and Wolf 6:43
03. Sun on Sand 6:01
04. Dark White 3:15
05. Soft Focus 5:22
06. Through Mist 6:30
07. Starbursts and Haloes 5:27
08. Between Dog and Wolf: Reprise 2:20

Nonesuch Records.
75597946383
CD 2019

Joshua Redman & Brooklyn Rider, Sun on Sand (Nonesuch Records, 2019)

Interesante y muy atractiva propuesta la que propone el saxofonista Joshua Redman con esta grabación de la año 2019. Y es que a Redman le gusta desarrollar proyectos alejados de los cánones establecidos y con claras intenciones creativas. Éste es el caso de la grabación Sun on Sand en donde Redman se hace acompañar por una sección de jazz en formato de trío (saxo, contrabajo y batería) y de un cuarteto de cuerda, el Brooklyn Rider. El cuarteto Brooklyn Rider es una de las formaciones de cuerda más importantes que hay en la actualidad, su repertorio esta conformado por música contemporánea, entre las grabaciones que han llevado a cabo hay que apuntar los famosos cuartetos de cuerda de Philip Glass.

Sun on Sand está configurado por composiciones escritas y arregladas por el compositor Patrick Zimmerli y procede de una suite denominada “Aspects of Darkness and Light”, una composición que se inspira en la luz en todas sus formas para saxo tenor, cuarteto de cuerda, contrabajo y percusión que fue comisionada por el Seatle Commissioning Club e interpretada y estrenada por primera vez en el Wigmore Hall de Londres el 24 de Abril de 2014 (el concierto fue interpretado por el propio Joshua Redman, Scott Colley, Satoshi Takeishi y el Escher String Quartet). La grabación del proyecto para este compacto se llevó a cabo en Mayo de 2015 en la ciudad de Nueva York y fue publicada cinco años más tarde por el sello discográfico Nonesuch Records. La colaboración entre Zimmerli y Redman no es nueva ya que ambos trabajaron para la grabación del saxofonista del año 2013 Walking Shadows. Zimmerli escribió arreglos orquestales para el mencionado álbum.

La presente grabación tiene como principal objetivo integrar géneros musicales tan distintos como son el jazz, la música contemporánea y ciertas armonías de músicas del mundo, todo ello a través del uso de estructuras y superposiciones sonoras. Para ello el binomio Redman y Brooklyn Rider es ideal para el mencionado objetivo, pues al característico virtuosismo del saxofonista (acompañado de su grupo) se une las contrapuestas sonoridades del cuarteto de cuerda, lo que proporciona unas armonías diferentes y muy versátiles. Claro ejemplo de ello es el tema con que abre el compacto “Flash”, que tal como indica es un arrebato de energía y de cruce de resonancias por parte de todos los integrantes de la grabación.

La integración de géneros musicales es perfectamente deleitable en temas como “Between Dog and Wolf“, “Sofá Focus” o “Dark White”, éste último con un título altamente sugestivo y sin duda alguna uno de los mejores cortes de esta grabación.

A destacar igualmente el gran componente melódico que tienen muchas de las composiciones y en donde Joshua Redman se desenvuelve con gran soltura y heterogeneidad que combinado con el carácter ecléctico de la formación de cuerda proporcionan momentos de excelsa musicalidad, es por ello que el diálogo que tiene Redman y el Brooklyn Rider en el comienzo del tema “Starbursts and Haloes” roza lo emocional y etéreo, y es una prueba palpable y fehaciente de lo comentado.

Un estupendo y fantástico trabajo que pasó bastante desapercibido cuando se publicó y que bien valdría la pena escucharlo para poder comprobar la vertiente más creativa de unos de los saxo tenores más importantes de la actualidad jazzística. Una grabación diferente a lo que se suele escuchar hoy en día y que vale la pena disfrutar.

LINK: "Starbursts and Haloes" de Sund on Sand, Joshua Redman with Scott Colley & Satoshi Takeishi & Brooklyn Rider:

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-CHRISTOF SAENGER

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-CHRISTOF SAENGER
Concierto ERNIE WATTS Quartet.

- Ernie Watts: Saxo tenor, flauta y afuche.
- Christof Saenger: Piano.
- Rudi Engel: Contrabajo.
- Heinrich Koebberling: Batería.

Jamboree Jazz Club.
29 Julio 2017

Christof Saenger © Photo by Joan Carles Abelenda

MINGUS: "Three or Four Shades of Blues" por Jorge López de Guereñu

 MINGUS: Three or four shades of blues por Jorge López de Guereñu

Jorge López de Guereñu nacido en Bilbao, es artista, diseñador, urbanista, profesor, y empresario. Su afición por la música y en concreto por el jazz va más allá de una mera pasión, es un modo de vida que refleja una forma de ver y de entender ese estilo musical tan desdeñado como poco entendido, pero que en Guereñu es el leitmotiv de todos sus trabajos artísticos.

Jorge López de Guereñu se encuentra embarcado en un proyecto en donde quiere rendir homenaje a una de las figuras capitales del jazz, al gran músico, compositor, líder de banda y contrabajista, Charles Mingus. Para ello ha tomado como referencia el título de un disco del año 1977, Three or four shades of blues, de la discografía del músico norte-americano, que le ha servido como punto de partida para su ideario creativo y para desarrollar un trabajo artístico centrado única y exclusivamente en la figura del músico.

En la presente entrevista Guereñu comenta con detalle lo que supone para él la figura de Mingus y como lo ha intentado plasmar a nivel artístico para rendir su personal homenaje. Los trabajos de Guereñu se van a poder ver en la exposición que va a llevar a cabo del 17 Octubre a 30 de Noviembre 2020 en El Atrio/Librería-Flappers, Particular de Club 2, Las Arenas de Guecho.

.- Me interesaría que explicaras cual ha sido la génesis y el motivo de llevar a cabo este proyecto tan específico.

Pues parte de varias cosas; de que nunca en mi vida había dibujado ni pintado nada sobre Mingus, motivo suficiente para ir al infierno, de un reencuentro con un gran amigo, Hipólito García, que me presenta al dueño de un  local en Las Arenas que me propone hacer algo en él, y de que está al lado de la librería/bar de otra amiga, Flappers, en la que sobre la estantería de los libros estaba el curioso disco de Mingus en solitario al piano, además en una edición española rarísima. Ese disco me lo compró mi madre cuando yo tenía doce o trece años, ya me encantaba su música y como los dos tocábamos ese instrumento, pues cayó en la cesta, el segundo disco que tuve de él, y mira que es extraño en su discografía. La dueña de la librería ya me había comentado hacer algo ahí también, así que decidimos esta exposición doble en los dos locales de la calle Particular de Club, y convertirla durante algo más de un mes en la calle particular de Mingus.

.- ¿Cómo ha sido este “digamos” proceso creativo de concentración en la figura del gran contrabajista Charles Mingus y en concreto en relación con el título de un disco del año 1977? ¿Cuál ha sido el motivo de la elección de este disco del periodo Atlantic de los años 70 y no otro específico, teniendo en cuenta que Mingus cuenta con otras excelsas y superlativas grabaciones en su discografía?

Mingus era un revolucionario, y según llega Nueva York, muy joven, se junta enseguida con las grandes luminarias del be bop, su encuentro con Monk, Charlie Parker y compañía es fundamental. La oferta me pilla justo cuando estoy haciendo una trilogía de mis típicos Cutheads/Headhunters sobre Parker, para celebrar su centenario. Decido hacerlos en los azules típicos de mis primeras obras ya centradas absolutamente en la Gran Música Negra, y en concreto en el jazz, de los noventa. Era un homenaje a ese gran músico, pero también a mi mismo: en esa época es en la que realmente empiezo a trasladar mi amor por esta música a lo que hago, y me encuentro a mi mismo como artista. Sé que ese es un disco menor en la obra de Mingus, ni mucho menos tan importante como otros, ya en el ocaso de su carrera y cuando empezaba a deteriorarse por la enfermedad que apenas le dejaba tocar por entonces, pero siempre me ha fascinado su título, tan sugestivo. Mingus, como Monk, es un maestro poniendo nombres poéticos y evocadores a sus discos y sus composiciones, títulos que siempre definen perfectamente su música.

.- ¿Qué representa para ti Charles Mingus?

Junto a Monk, el gran heredero de Ellington, el gran compositor del jazz. Mingus además lo adoraba, por mucho que lo echase de su orquesta tras un breve paso por ella. Y con él honor de que en vez de mandar a alguien a comunicárselo, como Duke, hacía siempre, tras enfadarle aunque no sabemos exactamente por qué, dijo, textualmente: “de este me encargo yo, personalmente”. El carácter del contrabajista era tan aguerrido como su música (y como el mío, jajaja), y eso es lo que más me ha atraído tanto de su obra como de su figura, siempre.

.- ¿Esa idea que tienes del contrabajista la has podido plasmar en tus ilustraciones?¿Qué has querido aportar con tu trabajo en relación a la figura de Mingus?

He hecho una serie de piezas no muy grandes  y otras realmente pequeñas. En Flappers habrá dos tintas sobre los collages tan característicos en mi obra sobre papel de los últimos años, y dos o tres lienzos de lino crudo apenas rozados con acrílico y resinas. En El Atrio habrá dos o tres Cutheads más, en su tamaño habitual de 24 x 19 cms. y un lienzo más alargado pero no muy grande, realmente espectacular por la imagen de partida, soberbia; también cuatro detalles, en lienzos pequeños también, de sus manos tocando el contrabajo, y once miniaturas en tablillas sacadas de cajas de vino, con retratos y otros dos detalles de sus manos. Las imágenes de las que he partido van desde su juventud hasta su ocaso, y a través de ellas he intentado transmitir esa evolución también en su música, que es la que es desde principios de los cincuenta, pero no deja de evolucionar sobre todo a lo largo de esa década y las dos siguientes.

.- ¿Es posible trasladar a tus trabajos lo que piensas y sientes en relación a los músicos que sueles pintar?

Eso es exactamente lo que trato de hacer. El retrato está bien, es un tema que me fascina, pero yo intento ir más allá del retrato de la persona, por mucho que me interese, y retratar en alguna forma lo que hacen los músicos a los que retrato. El dibujo es una parte fundamental para lo primero, pero el color, la composición y los materiales son esenciales en lo segundo. Para mi es fundamental escuchar su música mientras pinto sobre ellos, así que supongo que seguirás viendo obras mías sobre músicos que te encantan, como a mi. Me temo que en cambio, por eso no verás nunca algo sobre McCartney, Julio Iglesias o la Pantoja.

.- ¿Cuál ha sido el material que has utilizado para llevar a cabo el proyecto así como el formato que has concebido para la realización de las ilustraciones?

No he concebido nunca mi obra como ilustraciones, aunque parte de ella ha aparecido en portadas de discos y revistas, o ha acompañado artículos sobre música, muchos escritos por mi. Creo que además de esa utilidad, que me parece estupenda, la obra que hago tiene su propia entidad, y aunque está relacionada e inspirada por la música, por suerte llega a un público más amplio que el directamente relacionado con la música. En Bilbao he plantado a Coltrane en el tercer mural más grande que hay en el mundo (soy el autor de los cuatro más grandes, y tengo un Guinness Record por ello, aunque sólo me parece una anécdota divertida), y aunque gran parte de la gente que tiene que verlo todos los días (se ve prácticamente desde todo el centro de la ciudad) no sabe quien es, les gusta, creo… Lo más interesante sobre el material en esta serie para mi son las cajas de vino. Estoy ahora mismo preparando una serie sobre Sun Ra y como no puedo hacer nada normal sobre él (se lo tomaría mal), esto es una prueba para algo que voy a hacer en una especie de pinturas/esculturas a partir de ese material. Será una “marcianada” que seguro que a él le gustaría, y además un ensayo para una escultura enorme que quiero hacer para el siguiente Festival de Jazz en Guecho, sobre la idea de los cien años de esta música que hemos vivido desde que se empieza a grabar.

.- El color forma parte inseparable de tus trabajos. ¿Qué tipo de color o colores has utilizado para Three or four shades of blues, parece ser que has tenido bastante inclinación por los azules? Has buscado concentrar la ejecución de las obras en la figura de Mingus eliminando todo lo que pudiera ser superfluo en la figura del contrabajista.

Siempre voy a lo esencial, o lo intento. El azul es un color esencial en parte de mi obra, y todos sus matices y derivaciones son lo que he intentado explorar aquí. Además de por el título y lo que sugiere, que me vino directamente a la cabeza, he trabajado siempre con el blues en mi cabeza cuando estaba haciendo esta serie. De hecho, un día típico durante ello alternaba los discos de sus grandes épocas en Atlantic, Columbia y Candid, con discos de blues de entreguerras, otra de mis muchas pasiones. Cada música tiene su color, el año que viene espero exponer en Sevilla durante el ciclo de clásica contemporánea que organiza nuestro amigo Manuel Ferrand allí, como sabes compartimos tu pasión sobre esa música contigo. Desde los primeros bocetos que empecé a hacer hace meses para ello, la gama en la que estoy trabajando es completamente distinta, un casi blanco y negro aunque no lo es, también tiene su color pero más bien sugerido, no con la evidencia e importancia en otras partes de mi obra.

.- ¿Dónde expones el proyecto de Mingus y cuál es el motivo de haberlo llevado en ese lugar?

El o los motivos ya los he contado, el lugar también lo he explicado, pero hay otro matiz importante. Yo soy de Algorta, uno de los cuatro pueblos que formaron el municipio de Guecho, donde me crié. Hace dos años hice una exposición en Neguri, otro de sus pueblos, ahora barrios, muy distinta. Era la primera vez que exponía en mi lugar de origen, mi hermana once meses más joven que yo había muerto poco antes, y lo que empezó como unas series sobre papel dedicadas a la americana, otra música que escucho mucho, terminó por ampliarse con el rock y soul que escuchábamos juntos de niños y adolescentes, alternados con la clásica y muchas otras cosas que compartíamos con mi madre, entre ellas el jazz, que es mi música primordial desde niño. Poco después me ofrecieron hacer una retrospectiva sobre mi obra relacionada con el jazz en el Festival de Guecho que al suspenderse este año en plena pandemia, se ha pospuesto al siguiente. Ese proyecto ya había cambiado, ya que la sala en la que lo iba a hacer me dio la idea de hacer algo específico para ella y para el festival, en vez de una retrospectiva. Si lo hacemos el verano que viene, volverá a mutar, ya que la sala donde lo íbamos a hacer originalmente ya no existe, y probablemente lo trasladaremos al Musikaberri, el estupendo lugar donde se hacen los conciertos desde el año pasado. Esta exposición sobre Mingus me viene muy bien para solidificar la relación con mi lugar de origen, y también para probar aquí cosas que haré en esa siguiente ocasión si la situación mejora y se puede llevar a cabo. Tanto esta exposición como ese otro futuro proyecto me hacen mucha ilusión, al fin y al cabo, son mi música y mi pueblo. Además, gente como los dueños de estos dos locales, auténticos promotores de cultura, merecen cualquier esfuerzo que yo pueda aportar, y personajes como Mingus deberían de ser recordados más a menudo. El amor y la pasión que siento por su música y con los que he hecho esto, son mi granito de arena, mi contribución. A mi pueblo, su gente que siempre me ha mostrado un gran cariño, al jazz, y a la cultura en general.

Espacio de trabajo del artista Jorge López de Guereñu © Photo by Jorge López de Guereñu

Todas las obras/foto han estado amablemente cedidas por Jorge López de Guereñu para poder ilustrar la presente entrevista.

JOHN COLTRANE: Giant Steps-Deluxe Edition 60th Anniversary

JOHN COLTRANE:
Giant Steps-Deluxe Edition 60th Anniversary

-Contrabajo: Paul Chambers (3).
- Batería: Art Taylor (tracks: 1-1 to 1-5, 1-7, 2-4 to 2-6, 2-8), Jimmy Cobb (tracks: 1-6), Les Humphries* (tracks: 2-1 to 2-3, 2-7).
- Piano: Cedar Walton (tracks: 2-1 to 2-3, 2-7), Tommy Flanagan (tracks: 1-1 to 1-5, 1-7, 2-4 to 2-6, 2-8), Wynton Kelly (tracks: 1-6).
- Saxo tenor: John Coltrane.

CD 1 Giant Steps (Remastered):
01. Giant Steps 4:43
02. Cousin Mary 5:45
03. Countdown 2:21
04. Spiral 3:56
05. Syeeda’s Song Flute 7:00
08. Naima 4:22
09. Mr. P.C. 6:57

CD 2 The Outtakes:
01. Giant Steps (Alternate, Take 1, Incomplete) 4:44
02. Naima (Alternate Take) 4:27
03. Like Sonny (Alternate Take) 6:03
04. Countdown (Alternate Take) 4:33
05. Syeeda’s Song Flute (Alternate Take) 7:02
06. Cousin Mary (Alternate Take) 5:54
07. Giant Steps (Alternate Version Two False Start) 3:40
08. Giant Steps (Alternate Take) 4:55

Disc 2, tracks 1, 2, 3, and 7: Recorded on Thursday, March 26, 1959, Atlantic Studios, New York City.
Disc 1, tracks 3 and 4. Disc 2, track 4: Recorded on Monday, may 4, 1959, Atlantic Studios, New York City.
Disc 1, tracks 1, 2, 5, and 7. Disc 2, tracks 5, 6, and 8: Recorded on Tuesday, May 5, 1959, Atlantic Studios, New York City.
Disc 1, track 6: Recorded on Wednesday, December 2, 1959, Atlantic Studios, New York City.

Atlantic/Warner Bros
R2625106/603497848393
2 CD 2020

John Coltrane, Giant Steps (Atlantic/Warner Bros, 2020)

Con motivo del 60 aniversario de la publicación de la grabación de John Coltrane Giant Steps, Atlantic/Warner ha publicado una edición conmemorativa con el título de Giant Steps: 60th ANNIVERSARY DELUXE EDITION y que los aficionados pueden adquirir en dos formatos, en una edición de doble LP de 180 gramos y otra de doble CD. Ambas versiones incluyen la versión recién remasterizada del álbum original más ocho tomas alternativas. Las grabaciones vienen empaquetadas en una réplica de la carátula original y las etiquetas utilizadas para la primera impresión en estéreo del álbum, y los paquetes, cada uno con un folleto, incluyen fotografías, imágenes nunca antes vistas de Atlantic Records, notas originales y novedades. Las notas escritas de esta edición están llevadas a cabo por el historiador y crítico, Ashley Kahn. Como bono especial, los fanáticos y seguidores de Coltrane que hicieran el encargo a la casa discográfica de la versión de 2 LP recibían un disco sencillo de vinilo de edición exclusivamente limitado de 7 pulgadas con tomas alternativas de "Giant Steps" y "Naima".

John Coltrane-Deluxe Edition 60th Anniversary, Giant Steps (Atlantic/Warner Bros, 2020)

La edición en doble compacto “deluxe edition” contiene la versión recién remasterizada del álbum original más ocho tomas alternativas de diversos temas. Mientras que por el contrario la edición en vinilo y que se denomina “super deluxe edition” contiene un total de 35 pistas en donde se incluye el álbum original, la ocho tomas alternativas que aparecen en la edición compacto y 20 tomas descartadas en su momento, todas ellas totalmente remasterizadas. Señalar que muchas de estas tomas tan solo se podía encontrar en la edición de 1995 The Heavyweight Champion: John Coltrane-The Complete Atlantic Recordings, en concreto en un disco adicional que contenía temas que eran inéditos y no publicados cuando se publicó en el año 1995. La relación de estos títulos es la siguiente:

 

Giant Steps (Alternate Version):

Master #3420

7-1 Take 1 [Incomplete] 4:45

7-2 Take 2 [False Start] 0:14

7-3 Take 3 [Incomplete] 2:51

7-4 Take 4 [Incomplete] 1:20

7-5 Take 5 [Alternate]    3:40

7-6 Take 6 [False Start] 0:32

7-7 Take 7 [Incomplete] 4:13

La toma # 8 fue originalmente publicada en el disco Alternate Takes

Naima (Alternate Version):

Master #3421

7-8   Take 1 [Incomplete] 3:20

7-9   Take 2 [Incomplete] 3:24

7-10 Take 4 [False Start] 0:16

7-11 Take 5 [Alternate] 3:51

7-12 Take 6 [Alternate] 3:38

La toma # 3 fue originalmente publicada en el disco Alternate Takes

Like Sonny (Alternate Version):

Master #3422

7-13 Rehearsal 1 [False Start] 0:09

7-14 Rehearsal 2 [Incomplete] 1:33

7-15 Take 1 [False Start] 0:20

7-16 Take 2 [Incomplete] 3:10

7-17 Take 3 [Incomplete] 1:08

7-18 Take 4 [False Start] 0:08

7-19 Take 5 [Alternate] 8:25

7-20 Take 6 [Incomplete] 1:09

La toma # 7 fue originalmente publicada en el disco Alternate Takes

Giant Steps:

Master #3468

7-21 Take 3 [Incomplete] 4:06

7-22 Take 6 [Alternate] 4:55

Blues To Elvin:

Master #5134

7-23 Take 2 [False Start] 0:10

7-24 Take 3 [Alternate] 6:02

Blues To You:

Master #5136

7-25 Take 2 [Alternate] 5:31

Así mismo se acompaña la relación de los temas incluidos en la “súper deluxe edition”:

1. “Giant Steps”

2. “Cousin Mary”

3. “Countdown”

4. “Spiral”

5. “Syeeda’s Song Flute”

6. “Naima”

7. “Mr. P.C.”

The Outtakes

8.    “Giant Steps” (Alternate, Take 1, Incomplete)

9.    “Giant Steps” (Alternate, Take 2, False Start)

10.  “Giant Steps” (Alternate, Take 3, Incomplete)

11.  “Giant Steps” (Alternate, Take 4, Incomplete)

12.  “Giant Steps” (Alternate, Take 5)

13.  “Giant Steps” (Alternate, Take 6, False Start)

14.  “Giant Steps” (Alternate, Take 7, Incomplete)

15.  “Giant Steps” (Alternate, Take 8)

16.  “Naima” (Alternate, Take 1, False Start)

17.  “Naima” (Alternate, Take 2, Incomplete)

18.  “Naima” (Alternate, Take 3)

19.  “Naima” (Alternate, Take 4, False Start)

20.  “Naima” (Alternate, Take 5)

21.  “Naima” (Alternate, Take 6)

22.  “Like Sonny” (Rehearsal 1, False Start)

23.  “Like Sonny” (Rehearsal 2, Incomplete)

24.  “Like Sonny” (Alternate, Take 1, False Start)

25.  “Like Sonny” (Alternate, Take 2, Incomplete)

26.  “Like Sonny” (Alternate, Take 3, Incomplete)

27.  “Like Sonny” (Alternate, Take 4, False Start)

28.  “Like Sonny” (Alternate, Take 5)

29.  “Like Sonny” (Alternate, Take 6, Incomplete)

30.  “Like Sonny” (Alternate, Take 7)

31.  “Countdown” (Alternate Take)

32.  “Syeeda’s Song Flute” (Alternate Take)

33.  “Cousin Mary” (Alternate Take)

34.  “Giant Steps” Take 3 (Incomplete)

35.  “Giant Steps” Take 6 (Alternate)

La edición en compacto doble no añade nada nuevo que los aficionados no conociesen ya por la edición de 1995 The Heavyweight Champion: John Coltrane-The Complete Atlantic Recordings, aunque hay que advertir que el contenido de las tomas alternativas es parcial, para poder disfrutar de todo las grabaciones los aficionados coleccionistas y fetichistas deberán adquirir la edición de súper de lujo en vinilo que incluye al completo todo el material aparecido en la mencionada edición de 1995.

John Coltrane, The Heavyweight Champion-The Complete Atlantic Recordings (Atlantic, 1995)
&
John Coltrane-Deluxe Edition 60th Anniversary, Giant Steps (Atlantic/Warner Bros, 2020)

En relación a esta grabación apuntar que el primer disco como líder absoluto en el sello discográfico Atlantic llevó un título importante y significativo, Giant Steps y apareció en el mercado discográfico en Enero de 1960. Este disco estuvo conformado por dos sesiones de grabación del 4 y 5 de Mayo y una del 2 de Diciembre de 1959, y a pesar de que hubo dos títulos de este disco que ya habían sido grabados en Marzo de 1959 pero no formaron parte de la edición original sino que fueron publicados en un elepé en el año 1974 bajo el nombre de Alternate Takes y que tal como señala su título era una recopilación de tomas alternativas de diversas sesiones de grabación para los discos Giant Steps, Coltrane Jazz y Coltrane's Sound. Giant Steps fue un proyecto altamente experimental, muy especialmente a nivel armónico y en donde Coltrane sigue desarrollando sus famosas “láminas sonoras” así como ejecutando unos solos terroríficos en un tempo extraordinariamente rápido y contundente. En esta grabación Coltrane va a poner las bases de algunas de las características del período Atlantic como fueron unas excepcionales facultades para los arreglos, un tratamiento diferente en la forma de desarrollar la melodía, un gusto exquisito por el blues (lo que propició la publicación del disco Coltrane Plays The Blues de 1962) así como la constatación de unas grandes dotes para la composición. En Giant Steps todos los temas son propios del saxofonista y deja títulos emblemáticos en la discografía del saxofonista como el mismo que da nombre al disco, o “Naima” o “Countdown”. La música es fantástica y deliciosa a partes iguales y esta nueva edición con motivo del 60 aniversario de su publicación puede ser la excusa perfecta (si es que necesaria la misma para escuchar a Coltrane) para volver a este extraordinario disco.

Por último comentar que la edición viene acompañada de un libro perfectamente ilustrado con fotos y un texto a cargo del conocido crítico Ashley Kahn, todo un especialista y entendido en la música de Coltrane ya que en su momento publicó un libro de absoluta referencia, A Love Supreme y John Coltrane: La historia de un álbum emblemático (Alba Editorial, 1994).

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-URI CAINE

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-URI CAINE
Concierto URI CAINE.

- Uri Caine: Piano.

Jamboree Jazz Club.
28 Julio 2017

Uri Caine © Photo by Joan Carles Abelenda

TETE MONTOLIU: TETE MONTOLIU TRIO-Barcelona meeting

TETE MONTOLIU
TETE MONTOLIU TRIO:
Barcelona meeting

- Tete Montoliu: Piano.
- Reggie Johnson: Contrabajo.
- Alvin Queen: Batería.

01. All The Things You Are (J. Kern-O. Hammerstein II) 5:10
02. Have You Met Miss Jones? (R. Rodgers-l. Hart) 4:45
03. Solar (Miles Davis) 7:40
04. Old Folks/All Blues (Robinson-Hill/Miles Davis) 13:10
05. What's New? (B. Haggart-J. Burke) 5:04
06. Jo vull que m'acariciis (Tete Montoliu) 7:22
07. Oleo (Sonny Rollins) 10:20
08. I Love You (Cole Porter) 7:32
09. I Can't Get Started (V. Duke-G. Gershwin) 6:20

Fresh Sound Records.
FSRCD5060
CD 2019

Tete Montoliu Trio, Barcelona Meeting (Fresh Sound Records, 2020)

Cualquier aficionado al jazz y muy en concreto los devotos al piano conocen y saben de la importancia del pianista Tete Montoliu en la evolución del jazz nacional. Montoliu fue durante muchos años el gran buque insignia del jazz español, y gracias a sus grandes cualidades como improvisador le posibilitó actuar y grabar con algunos de los mejores músicos de jazz de la época.

La valía como intérprete y compositor de Tete Montoliu está fuera de toda duda en el mundo jazzístico, es por ello que no se entiende como el lanzamiento el año pasado de una grabación de estudio completa inédita de mas de treinta años del pianista catalán por el sello discográfico  Fresh Sound Records del productor Jordi Pujol, haya pasado completamente desapercibida para los aficionados al jazz y para gran parte de la crítica especializada.

Barcelona meeting se trata de una grabación que se llevó a cabo el 22 de mayo de 1988, en ese momento, Tete Montoliu, Reggie Johnson y Alvin Queen eran la sección rítmica del saxofonista norte americano Jerome Richardson, que por esas fechas estaba actuando en la antigua Cova del Drac de Barcelona. Según las notas de la carpetilla del compacto Jerome Richardson tenía contratada una sesión para grabar un disco en la ciudad de Barcelona. Esa sesión fue altamente provechosa hasta el punto que el grupo del saxofonista la realizó de manera muy precisa, los temas se grabaron en una o dos tomas como mucho. La sección rítmica, Tete Montoliu, Reggie Johnson y Alvin Queen, decidieron seguir tocando con la finalidad de grabar un disco. Ése disco que llevaron a cabo en el año 1988 es el que ahora se comenta, un registro que ha permanecido más de treinta años en los archivos de la discográfica, y como se ha apuntado ha pasado muy desapercibido en el ambiente jazzístico, muy al contrario de lo que ha ocurrido en los últimos años con grabaciones de estudio de músicos de la talla de John Coltrane o Miles Davis, solo por citar algunos ejemplos.

© Photos by Jordi Suñol

Barcelona meeting se encuentra conformado por temas clásicos del repertorio procedentes de autores como Miles Davis, “Solar”, de Sonny Rollins, “Oleo”, de J. Kern y O. Hammerstein, “All The Things You Are” o de V. Duke y G. Gershwin, “I Can't Get Started”. También hay un tema del propio Tete Montoliu, “Jo vull que m'acariciis”.

Tete Montoliu despliega a lo largo de todo el repertorio una extraordinaria técnica basada en un estilo muy personal, en concreto una pulsación muy sonora y percusiva basada principalmente en una gran carga (y por momentos vertiginosa) de notas musicales, lo que demuestra la excelente forma musical que tenía por esas fechas. El aficionado apreciará como el pianista tiene un control absoluto del repertorio que desarrolla (temas del cancionero norteamericano algunos de ellos considerados como clásicos o standards), lo que le permite dotarlos de personalidad propia con un interpretación fluida, cómoda y ágil, y en algunos momentos con cierto toque nervioso, muy especialmente en los solos que lleva a cabo. El planteamiento de la grabación con una tendencia clásica en su ejecución (en muchos momentos con aires y gusto a blues), pero muy especialmente el correcto gusto interpretativo por parte de Montoliu depara una sesión altamente deleitable a la que contribuye la aportación de la sección rítmica conformada por Reggie Johnson y Alvin Queen, perfectos en todo momento y que son el complemento ideal para el líder de la sesión.

Una excelente grabación que ha pasado completamente desapercibida para los aficionaos y a la que se le tendría que haber prestado más atención, pues no todos los días aparecen grabaciones de estudio “inéditas” del pianista catalán Tete Montoliu. Sirva el presente comentario de este compacto para reivindicar la importancia de la publicación de esta sesión, así como para incidir en la figura del pianista, uno de las máximos exponentes del jazz de todos los tiempos. Por último felicitar al productor Jordi Pujol y su sello discográfico Fresh Sound Records por el excelente trabajo que hace años están llevando a cabo, aportando documentos musicales de primer orden y en muchos casos inéditos, una labor en muchas ocasiones ha estado muy poco reconocida dentro de nuestras propias fronteras.

RUBÉN REINALDO & KELY GARCÍA: Acuarel

RUBÉN REINALDO & KELY GARCÍA:
Acuarel

- Rubén Reinaldo: Guitarra.
- Kely García: Guitarra.

01. Manchita 6:36
02. Dovela Clave 8:08
03. Coscovals 5:44
04. Acuarel 3:46
05. A.M. 7:56
06. Naturaleza Par 5:28
07. Jacobo 7:22
08. Beiramar Blues 3:27

FreeCode Records
FC132CD

CD 2020

Kely García & Rubén Reinaldo, Acuarel (Free Code Records, 2020)

Antes de comentar el presente disco hay que hacer una advertencia sobre el mismo, éste trabajo que presentan los guitarristas Rubén Reinaldo y Kely García no es un disco para todos los aficionados. El hecho de concepcionar el proyecto en exclusiva y en torno a dos guitarras eléctricas (ambas de la marca Gibson), confiere al proyecto una dimensión tanto estilística como musical completamente diferente del resto de formaciones al uso. En este dúo de guitarras ambos músicos se presentan como líderes y así mismo como acompañantes, sin formación alguna que pueda arroparlos y con el consiguiente riesgo interpretativo.

Acuarel presenta ocho temas originales procedentes de la pluma de ambos músicos. Además, según los créditos de la carpetilla del compacto se trata de un trabajo discográfico conceptual a base de dos guitarras y teniendo como punto de inspiración “la riqueza del agua que tiene Galicia”. De hecho, los títulos y los comentarios que acompañan a los mismos en el compacto aportan suficientes datos sobre la concepción estilística que se ha querido conceder al proyecto.

Desde el primer tema al último el aficionado se ve abocado a un travesía musical repleta de ideas y proposiciones musicales por parte de ambos guitarristas, y en donde se entrelazan los discursos musicales personales de cada intérprete pero así mismo repleto de matices (en algunas ocasiones sutiles y etéreos, lo que obligará al aficionado a estar bien atento), de acordes, armonías o líneas instrumentales de apoyo que ofrecen un resultado rico en música y ante todo altamente expresivo.

Rubén Reinaldo y Kely García sin lugar a duda salen victoriosos del reto que se proponen,  con un muestrario musical en donde el oyente deberá de reiterase, ya que Acuarel no se agota con una única escucha, sino todo lo contrario, se requiere de múltiples sesiones para poder extraer la extensa paleta sonora que contiene, circunstancia que viene acompañada por una excelente y cuidada toma de sonido en la grabación.

Por último resaltar la atractiva y esmerada edición por parte de Free Code Records lo que proporciona un producto altamente fetichista que no debería de faltar en toda buena discoteca que se precie, muy especialmente para los aficionados a la guitarra.

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-BILL EVANS

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-BILL EVANS
Concierto BILL EVANS & DEAN BROWN, BILL EVANS.

- Bill Evans: Saxo tenor, saxo soprano y piano.
- Dean Brown: Guitarra.
- Etienne Mbappé: Bajo eléctrico.
- Keith Carlock: Batería.

Jamboree Jazz Club.
2 Julio 2017

Bill Evans © Photo by Joan Carles Abelenda

JOHN COLTRANE: LOS AÑOS ATLANTIC

Con motivo de la reciente publicación de la edición de lujo y super de lujo en vinilo y compacto del disco de John Coltrane Giant Steps, grabado originalmente para el sello discográfico Atlantic, con motivo del 60 aniversario de su publicación, me ha parecido oportuno rescatar un artículo respecto de los años en donde John Coltrane grabó para la mencionada casa discográfica, y entre cuyos frutos musicales se encuentra Giant Stps.

John Coltrane, Giant Steps Super Deluxe Edition (Atlantic/Warner Music, 2020)

JOHN COLTRANE: LOS AÑOS ATLANTIC:

No es ningún secreto para los aficionados a la música en general que el coleccionismo de vinilos a lo largo de los últimos años ha tomado un impulso inusitado e inesperado que ha cogido por sorpresa a la industria musical. Se han intentado dar algunas explicaciones a este fenómeno como que se trata de una moda puntual y pasajera, o que es una actitud perteneciente a unos cuantos “locos” y “románticos” de la música. Pero sin lugar a dudas y se trata de un hecho completamente constatable, los vinilos o elepés nunca habían desaparecido del todo (siempre se han producido ediciones o reediciones de LP y se han llevando a cabo ferias dedicadas al vinilo por todo el mundo), si a caso se podría decir que han vuelto, y que además lo ha hecho de forma contundente para quedarse por más tiempo de lo que alguno se podía esperar.

Esta “moda” de los vinilos ha traído consigo una alta producción de nuevas ediciones y de reediciones en todos los estilos de música a la que el jazz no se ha quedado ajeno. Dentro del basto campo de las reediciones se ha llevado a cabo una que los coleccionistas más fetichistas al jazz a buen seguro se deleitaran con la misma. El año pasado apareció publicado en una caja de 6 discos, John Coltrane The Atlantic Years In Mono, la reedición de algunas de las grabaciones que John Coltrane llevó a cabo para el sello discográfico Atlantic durante los años 1959, 1960 y 1961 (hay que recordar que Coltrane firmó un contrato con Atlantic después de finalizar su alianza con el sello Prestige). Esta reedición ha servido para dar a conocer de nuevo una de las etapas más interesantes en la carrera musical de Coltrane, la de las grabaciones Atlantic que de alguna manera se podía señalar que se trata del período intermedio en su carrera musical, es decir, el flanqueado por las iniciales grabaciones Prestige como sus años de formación musical, y el de las grabaciones con Impulse Records que supuso la creación cuarteto clásico y por ello el afianzamiento estilístico, creativo y musical de Coltrane.

John Coltrane, The Atlantic Years in Mono (Atlantic, 2016)

En esta nueva reedición no se presentan todas las grabaciones que Coltrane realizó para Atlantic, sino que tan solo se han publicado los trabajos (con sus correspondientes portadas originales) de Giant Steps (1960), Bags & Trane con Milt Jackson (1961), Ole Coltrane (1962), Coltrane Plays The Blues (1962) y The Avant Garde con Don Cherry (1966), quedando fuera de la misma los discos My Favorite Things (1961), Coltrane Jazz (1961) y Coltrane´s Sound (1964). Estos tres últimos discos no se han incluido debido a que los masters originales se perdieron en un incendio lo que imposibilitó su inclusión en esta caja. Es por ello que hay que advertir a los aficionados que esta reedición no tiene en ningún momento la intención de ser completa y quien desee tener la discografía en su totalidad tendrá que acudir a la primera reedición en formato compacto que llevó a cabo este mismo sello discográfico en el año 1995 y referenciada como, The Heavywitght Champion, John Coltrane The Complete Atlantic Recordings, o la publicación por segunda vez en el año 2000 de este mismo material, reedición en un formato diferente y en una edición limitada de tan solo 3000 unidades (estas ediciones recogían todas las grabaciones para Atlantic de Coltrane, incluyendo un buen número de tomas inéditas, en estricto orden cronológico y ofreciendo un disco entero de pistas alternativas).

John Coltrane, The Heavyweight Champion, The Complete Atlantic Recordings (Atlantic, 1995)

La música que el aficionado encontrará en el período Atlantic forma parte del desarrollo musical y sonoro que a finales de los años 50 y principios de los años 60 estaba llevando a cabo John Coltrane. Atlantic es el paso intermedio del músico aprendiz y promesa de las grabaciones Prestige al músico completo y maduro del sello Impulse. En Prestige Records Coltrane grabó un elevado número de sesiones como músico acompañante lo que le posibilitó dar muestras de un enorme talento musical y le abrió las puertas para ser contratado por Prestige. En este sello discográfico el saxofonista se da a conocer no solo como músico y compositor, sino también como un excelente baladista. El propietario de Prestige, Bob Weinstock, era partidario de llevar a cabo un elevado número de sesiones y de extraer de las mismas el máximo rédito musical publicando varios discos de cada sesión.

Los años finales de 1950 son momentos extraordinariamente convulsos para Coltrane (tanto a nivel personal como musical), pues participa de las famosas y maratonianas sesiones para Prestige que Miles Davis tuvo que llevar a cabo para poder grabar con Columbia y que dieron como fruto cuatro discos imprescindibles de cualquier discoteca de jazz que se precie, Cookin' (1957), Relaxin' (1957), Workin' (1958) y Steamin' (1961); Miles Davis lo despidió por conducta indecorosa y poco profesional; toca en el cuarteto de Thelonious Monk durante seis meses, etapa ésta especialmente provechosa pues Coltrane aprende de primera mano de uno de los grandes arquitectos musicales como era Monk y en donde su sonido se vuelve más contundente, aprende a tocar muchas notas pero una de forma más ordenada y sus solos crecen en intensidad y en extensión; regresó al grupo de Miles Davis a principios de 1958 y es la época en la cual el crítico de jazz Ira Gitler (en las notas de la carpetilla del disco Soul Trane para Prestige) acuña la famosa expresión “láminas de sonido” (conocidas como sheets of sound), una forma de desarrollar música novedosa por esos tiempos en donde junto a una portentosa sonoridad Coltrane desarrollaba unos solos en donde emplea líneas de improvisación recargadas de sonoridades que emitía a una extraordinaria velocidad, una catarata de notas en todos los registros (tanto agudos como graves) y que resultaba ser una marea de sonido vertiginoso. Esa forma de improvisar Coltrane la aprendido de su breve estancia con Thelonious Monk y la perfeccionó en el grupo de Miles Davis (y la desarrolló y la puso aún más de manifiesto en las grabaciones Atlantic), una formación que le sirvió para poner en práctica sus recursos y que en la famosa gira de Miles Davis en el año 1960 por Europa (la primera vez que Coltrane visitó el continente europeo) en algunas ciudades, Coltrane tras sus terroríficos y extenuantes solos, era silbado y abucheado; en la primavera de 1959 Coltrane participa en las sesiones de creación de una de las obras capitales del jazz, el afamado Kind of Blue y su jazz modal; así como que Coltrane empieza a independizarse de forma casi definitiva de Miles Davis y lo hace dejando el grupo nada más llegar a Estados Unidos tras gira de Europa junto a Miles en 1960.

The Miles Davis Quintet, Cookin´, Relaxin´, Workin´, Steamin´ (Prestige, 1957, 1957, 1958 y 1961)

La primera sesión de grabación con Atlantic se llevó a cabo el 15 de Enero de 1959 junto al vibrafonista Milt Jackson, el pianista Hank Jones, el contrabajista Paul Chambers y el baterista Connie Kay, unas grabaciones que no vieron la luz hasta el año 1961 bajo el título Bags & Trane y que supuso la cuarta grabación cronológicamente hablando para Atlantic. El primer disco como líder absoluto lleva un título importante y significativo Giant Steps y apareció en el mercado discográfico en Enero de 1960. Este disco estuvo conformado por dos sesiones de grabación del 4 y 5 de Mayo y una del 2 de Diciembre de 1959, y a pesar de que hubo dos títulos de este disco que ya habían sido grabados en Marzo de 1959 pero no formaron parte de la edición original sino que fueron publicados en un elepé en el año 1974 bajo el nombre de Alternate Takes y que tal como señala su título era una recopilación de tomas alternativas de diversas sesiones de grabación para los discos Giant Steps, Coltrane Jazz y Coltrane's Sound. Giant Steps fue un proyecto altamente experimental, muy especialmente a nivel armónico y en donde Coltrane sigue desarrollando sus famosas “láminas sonoras” así como ejecutando unos solos terroríficos en un tempo extraordinariamente rápido y contundente. En esta grabación Coltrane va a poner las bases de algunas de las características del período Atlantic, unas excepcionales facultades para los arreglos, un tratamiento diferente en la forma de desarrollar la melodía, un gusto exquisito por el blues (lo que propició la publicación del disco Coltrane Plays The Blues de 1962) así como la constatación de unas grandes dotes para la composición. En Giant Steps todos los temas son propios del saxofonista y deja títulos emblemáticos en la discografía del saxofonista como el mismo que da nombre al disco, “Naima” o “Countdown”.

John Coltrane, Giant Steps (Atlantic, 1960)

Hay que esperar hasta Febrero de 1961 para ver su segunda grabación como líder en Atlantic, Coltrane Jazz, un disco cuyas sesiones de grabación pertenecían al año 1959 con la salvedad de un tema que era de 1960. En Coltrane Jazz  la formación que le acompañaba es la sección rítmica de Miles Davis, es decir, Wynton Kelly al piano, Paul Chambers al contrabajo y Jimmy Cobb a la batería pero con la particularidad que en el tema grabado en 1960 ya aparecen algunos de los miembros del cuatro clásico de Coltrane en Impulse Records, McCoy Tyner al piano, Steve Davis al contrabajo y Elvin Jones a la batería, un disco que era continuista a nivel musical de lo publicado en Giant Steps.

Atlantic permitió a Coltrane llevar a cabo un elevado número de sesiones de grabación para confeccionar sus grabaciones y prueba de ello es que muchos de los discos están compuestos por diversas fechas de entrada a los estudios, a la vez que le permitió considerables períodos de inactividad musical. Hay que recordar que por esas fechas Coltrane sigue tocando para Miles Davis y lleva a cabo la famosa gira del verano de 1960 por Europa junto al trompetista y su grupo. Unos conciertos que demostraron que el sonido de Coltrane estaba extraordinariamente avanzado y en busca de nuevos retos musicales, una circunstancia que parte del público europeo no llegó a entender pues esperaban oír el sonido de Coltrane de las grabaciones Prestige tanto a su nombre como a nombre de Miles Davis, pero el Coltrane de Europa hacía muchos años que había dejado atrás el sonido Prestige y andaba en la búsqueda de un nueva manera de expresarse y principalmente de entender y de relacionarse con la música, Coltrane iba incrementando a pasos agigantados su estilo interpretativo y su sonoridad.

Durante esta época también se produce un hecho significativo en la carrera musical de Coltrane pues a principios del año 60 empieza a practicar y posteriormente a grabar con el saxo soprano (instrumento que simultaneo de forma regular con el saxo tenor a mediados de los años 60). Por esas fechas el saxo soprano era un instrumento que prácticamente no se utilizaba, parece ser que Coltrane lo tocaba en público después de haber encontrado uno olvidado en un coche por un músico que hacía autostop. A través de ese instrumento el saxofonista llevó a cabo una obra maestra para la posterioridad con el tema “My Favorite Things” para el nombre del mismo álbum del año 1961 (y tercero para el sello Atlantic), una composición sobre el cual llegó a confesar el propio saxofonista que era una de sus piezas favoritas entre todo lo que había grabado. Para Coltrane ese vals con un sonido oriental tenía algo de especial tanto si el mismo se tocaba de forma lenta como si se tocaba de forma más rápida. My Favorite Things contenía la formación de McCoy Tyner, Steve Davis y Elvin Jones y estaba conformado por temas provenientes del cancionero popular de Cole Porter, George & Ira Gershwin o de Oscar Hammerstein & Richard Rodgers y además no contenía ninguna composición original de Coltrane. Este disco supuso una búsqueda sonora tendente a la modalidad por parte no solo de Coltrane sino también del grupo, muy especialmente de McCoy Tyner. Señalar a modo informativo que en la reedición en elepé de John Coltrane The Atlantic Years In Mono se acompaña una réplica de un single de 7 pulgas con los temas de “My Favourite Things (Part I)” y “My Favorite Things (Part II)”, por extrañas circunstancias estas tomas no aparecieron en la edición completa de las grabaciones Atlantic en el año 1995 y por su puesto tampoco en la posterior reedición del año 2000.

John Coltrane, My Favorite Things (Atlantic, 1961)

A finales de 1959 una de las sensaciones musicales del momento fue la aparición del cuarteto sin piano de Ornette Coleman en Nueva York. Coleman también grabaría como líder para Atlantic y en el mismo dejó algunas de las mejores grabaciones de su discografía a la vez que ponía los fundamentos del estilo avant-garde. Coltrane quedó profundamente impactado por el planteamiento de hacer música sin piano o sin ningún instrumento armónico, y la influencia de estas ideas interpretativas dio como fruto el disco en coautoría junto al trompetista Don Cherry The Avantgarde de 1966. Coltrane eliminó el piano en las dos sesiones de grabación de 1960 que realizó para confeccionar el repertorio del disco (compuesto por temas en su mayoría de Don Cherry y Ornette Coleman) y contó con la presencia de músicos que habían participado de las ideas de Coleman, en concreto Charlie Haden al contrabajo y Ed Blackwell a la batería. Este disco no presenta ideas rompedoras ni arriesgados planteamientos a nivel musical tal como había llevado a cabo en su momento Ornette Coleman, de hecho, Coltrane no acabó muy contento con el planteamiento de tocar sin pianista, hasta el punto de llegar a afirmar que la presencia de McCoy Tyner hacía que se olvidará de la armonía a la vez que le daba alas para poder volar musicalmente.

El resto de discos para Atlantic, Coltrane Plays the Blues, Coltrane's Sound, y Coltrane Legacy (éste publicado en el año 1970) se llevan a cabo en sesiones de grabación muy cortas en el tiempo a finales de 1960 a excepción del álbum Ole que se graba a inicios de 1961 aunque el mismo se publica en el año 1962. En estas grabaciones Coltrane perfila mucho más el sonido del saxo soprano, dotándolo de una personalidad afilada y pronunciada, un instrumento que convierte en habitual y que combinará junto al saxo tenor. Coltrane ya no se encuentra obsesionado por la técnica ni el estilo, sino por el sonido. Significativo es el titulo de la grabación publicada en 1964, Coltrane's Sound, en donde el saxofonista hace una declaración de intenciones en cuanto a la búsqueda de un sonido y de una sonoridad que permitiese a los aficionados apreciar la mayor o menor intensidad del discurso musical del saxofonista. Coltrane tocaba cada más fuerte, con más potencia y sus solos eran más sostenidos en el tiempo debido a la gran cantidad de notas que desarrollaba.

John Coltrane, Olé Coltrane (Atlantic, 1962)

Uno de los discos más interesantes de este período (y también menos valorado) es el referenciado como Olé Coltrane de 1962 y realizado en la última sesión de grabación para Atlantic en 1961. Históricamente este disco fue grabado dos días después de sus primeras sesiones para Impulse Records con la formación habitual de Coltrane y el añadido de Reggie Workman, Eric Dolphy (en la contracubierta del disco apareció bajo el seudónimo de George Lane debido a problemas contractuales) y Freddie Hubbard. Dolphy era otro músico que al igual que Coltrane estaba obsesionado con la música y la manera en que la misma repercutía. Un músico al que Coltrane tenía un gran aprecio y tenía enorme interés por incluirlo en su grupo. Olé Coltrane se trata de un disco confeccionado por arduos esquemas rítmicos y complicadas estructuras sonoras que dio como resultado una sesión de tan solo tres temas llena de hard bop y avant-garde. El mismo se encuentra marcado por el tema de dieciocho minutos de duración “Ole” en donde Coltrane demuestra todo su poderío sonoro en el saxo soprano y donde se encuentra acompañado de una sección rítmica a base de dos contrabajistas. De alguna forma esta última grabación para Atlantic ya insinuaba algunas de la ideas que iba a desarrollar en Impulse en los años venideros.

No hay duda que los tres años de grabaciones que llevó a cabo John Coltrane para Atlantic sirvieron para el desarrollo de uno de los músicos más importantes en la historia del jazz a consecuencia de todos los avatares y circunstancias que vivió. Las aventuras sonoras de Coltrane no finalizaron con Atlantic, sino que tuvieron una continuidad importante en Impulse Records, pero sin duda alguna esa es otra historia.