lunes, 23 de mayo de 2011

MILES DAVIS: Miles Davis Quintet with John Coltrane, The Legendary 1960 European Tour

MILES DAVIS: 
Miles Davis Quintet with John Coltrane, The Legendary 1960 European Tour

- Miles Davis: Trompera.
- John coltrane: Saxo tenor.
- Wynton Kelly: Piano.
- Paul Chambers: Contrabajo.
- Jimmy Cobb: Batería.

CD1:
01. So What.
02. On Green Dolphin Street.
03. All Blues /The Theme.
04. So What.
05. All Of You (incompleto).
06. So What.

CD2:
01. So What.
02. Round Midnight.
03. Walkin’.
04. If I Were A Bell.
05. So What.
06. All Blues.
07. The Theme.

CD3:
01. Fran-Dance.
02. So What.
03. ‘Round Midnight.
04. On Green Dolphin Street.
05. Walkin´.
06. The Theme.
07. On Green Dolphin Street.
08. Autumn Leaves/What’s New?/Moonlight In Vermont.
09. Walkin´.
10. The Theme.

Fechas y lugares:
CD1 [1-3] Tivoli Konsertsal, Copenhagen, Dinamarca, Jueves, Marzo 24, 1960.
CD1 [4-5] Kongresshalle, Frankfurt, Alemania
, Miércoles, Marzo 30, 1960.
CD1 [6] & CD2 [1-3]: posiblemente Deutsches Museum, Kongress-Saal, Munich, Alemania, Domingo, Abril 3, 1960.
CD2 [4-7] & CD3 [1] Kongresshaus, Zurich, Suiza, Viernes, Abril 8, 1960.
CD3 [2-6] Kurhaus, Scheveningen, Netherlands, Sábado, Abril 9, 1960.CD 3 Bonus Tracks [7-10], los mismos músicos con la excepción de Miles Davis que no toca.

Stan Getz (saxo tenor), se añade en el tema "Moonlight in Vermont", Düsseldorf, Germany, Lunes, Marzo 28, 1960.

Jazz Plot Records
JPR 61623
3 CD, se incluye un libreto de 24 páginas.
3 CD 2011


Miles Davis & John Coltrane, The Legendary 1960 European Tour (Jazz Plot Records, 2011)

El mercado de grabaciones inéditas está deparando en los últimos años un buen número de títulos interesantes para los aficionados y completistas de muchos músicos, y muy en concreto del trompetista Miles Davis. Miles Davis Quintet with John Coltrane, The Legendary 1960 European Tour es la presentación por parte del desconocido sello discográfico Jazz Plot Records de algunas de las grabaciones de la famosa gira que Miles Davis y John Coltrane llevaron a cabo a principios del año 1960. El título que da nombre a la presente grabación, la legendaria gira europea de 1960, da justa medida de lo que fueron estas grabaciones tanto para Miles Davis, pero muy especcialmente para John Coltrane.

Las presentes grabaciones (tal y como señala la carpetilla trasera de este compacto) recoge por primera vez las grabaciones supervivientes de la mencionada gira (a excepción de las conocidas grabaciones del concierto del Olimpia en Paris del 21 Marzo -grabadas por la radio francesa Europa 1 y publicadas por el sello Trema- y las más conocidas aún de Estocolmo de fecha 22 Marzo de 1960 -grabas por al radio sueca y publicadas originalmente primero en un LP doble en el año 1985 y más tarde en CD por el sello discográfico sueco Dragon Records-). No es cierto del todo lo señalado en la carpetilla del compacto, pues algunas de las grabaciones que se publican en esta edición, aparecieron en otros sellos independientes, pero por desgracia son de muy difícil o imposible localización para los aficionados. Todas las grabaciones de esta gira pueden ser consideradas como pequeños tesoros y deben de tener la condición de rarezas que bien vale la pena coleccionar.


Miles Davis & John Coltrane, Live in Stockholm 1960 (Dragon Records LP, 1985

El interés de las presentes grabaciones radica en que aportaran para muchos aficionados tanto a Miles Davis como a John Coltrane material inédito de una gira que fue memorable en diversos aspectos. Personalmente a lo largo de los años he ido buscando y coleccionando todo el material que se ha ido publicando de esta gira del año 1960 (repitiendo los conciertos), la mayoría de las veces publicados sellos completamente desconocidos, tanto en formato LP como en compacto y muy difíciles de conseguir en la actualidad muchos de ellos.

La gira que llevó a cabo Miles Davis en Europa entre el 21 de Marzo y el 10 de Abril de 1960 significó como gran novedad la primera visita de John Coltrane a este continente. Fue la presentación de Coltrane para los aficionados europeos, y por tanto la posibilidad de disfrutar y de ver en directo por vez primera al saxofonista estadounidense, toda una novedad para la época. La gira de Miles Davis estaba encuadrada bajo el auspicio de los famosos conciertos de Jazz At The Philarmonic (JATP) producidos por Noman Granz; junto a Miles Davis actuó el grupo de Oscar Peterson y el Stan Getz. El número de conciertos de esta gira fue bastante voluminoso, tal y como se puede comprobar en la relación que se acompaña, y hubo la suerte que con el tiempo fueron apareciendo determinadas grabaciones de los mismos:

Marzo: 21, Olympia Theatre, Paris; 22, Konserthuset, Stockholm; 23, Njardhallen, Oslo (or Goteburg, Sweden); 24, Tivoli Konsertsal, Copenhagen; 25, Niedersachsenhalle, Hannove; 26, Weser-Ems-Halle, Oldenburg; 27 Sportspalast, Berlin; 28, WDR Studio, Düsseldorf (Miles Davis no actuó); 29, Musikhalle, Hamburg; 30, Kongresshalle, Frankfurt am Main; 31, Teatro Lirico, Milan.

Abril: 1, Fruchthalle, Kaiserslautern; 2, Messehalle, Köln; 3, Deutsches Museum, Kongress-Saal, Munich; 4, Stadthalle, Karlsruhe; 6, Stadthalle, Vienna; 7, Messehaus, Nürnberg; 8, Kongresshaus, Zürich9, Kurhaus, Scheveningen; 9, Concertgebouw, Amsterdam; 10, Liederhalle, Beethoven-Saal, Stuttgart.


Nota: En negrita se han resaltado los conciertos que aparecen en los discos de Jazz Plot Records.


Norman Granz´JATP program 1960


La presencia de Coltrane fue todo un aliciente en esta gira principalmente porqué venia de grabar con Miles Davis unos discos en Prestige (los famosos Relaxin´, Workin´, Steamin´ y Cookin´), así como algunas sesiones de grabación para el disco de Miles Davis, Kind of Blue. Con la excepción de la participación de John Coltrane en dos temas durante las sessiones grabación para el disco Someday My Prince Will Come ("Someday My Prince Will Come" y "Teo"), la gira europea de 1960 marca el final de la colaboración y de las grabaciones de Miles Davis y Coltrane. Además se da la circunstancia que Coltrane no quería llevar a cabo esta gira por Europa, así lo podemos comprobar en la autobiografía de Miles Davis (DAVIS, Miles & TROUPE, Quincy, Miles, La Autobiografía; Gubern, Jordi (trad.). 1ª edición Barcelona: Ediciones B, 1991, 249 pag. ISBN 84-406-1975-8) al señalar textualmente que: 


"Era a principios de 1960 y Norman Granz nos había contratado a mí y a mi banda para una gira por Europa. Iba a ser una gira bastante larga, que empezaría en marzo y se extendería al mes de abril. Trane no quería viajar a Europa y se preparaba para dejarnos antes de que partiéramos. Una noche recibí una llamada telefónica de un saxo tenor nuevo en la escena musical, llamado Wayne Shorter, quien me dijo que Trane le había hablado de que yo necesitaba un saxofonista y que Trane le recomendaba. Me quedé asombrado. Empezaba casi a colgar el teléfono cuando dije algo como: -¡Si necesito un saxofonista lo buscaré yo mismo!-. Y colgué: !BLAM¡. Cuando vi a Trane le espeté: -No vayas diciendo a la gente que me llame como ha hecho ese tipo, y si quieres despedirte, despídete, pero ¿por qué no lo haces cuando hayamos regresado de Europa?-. Si se hubiese despedido en aquellos momentos me habría dejado realmente colgado, puesto que nadie más conocía nuestro repertorio y la gira era muy importante. Optó por venir con nosotros, pero refunfuñó, se quejó y se mantuvo a parte todo el tiempo que estuvimos fuera. Me anunció que dejaría el grupo tan pronto regresáramos a casa."

Nada más llegar a Estados Unidos Coltrane abandonó el grupo de Miles Davis para formar su propio banda de música. Miles Davis volvió de nuevo a girar por Europa a finales de 1960 pero con el saxofonista Sonny Sttit en el lugar de Coltrane como paso previo para constituir su segundo quinteto (una de las mejores formaciones de Miles Davis y de la historia del jazz) con Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams. Durante este tiempo Coltrane grabó para Atlantic Records su famoso disco My Favorite Things, en compañía del que sería uno de los mejores grupos de jazz junto al pianista McCoy Tyner y el baterista Elvin Jones.

La gira de 1960 cosechó un buen número de críticas negativas, muy especialmente en Paris, a consecuencia de la forma de tocar de Coltrane. En las grabaciones del teatro Olympia de Paris del 21 de Marzo se puede escuchar de forma clara y contundente los abucheos y silbidos del público parisino tras alguno de los largísimos solos del saxofonista. La forma de tocar de Coltrane se repitió en todos los conciertos de la gira, y es posible comprobarlo en los que aparecen en las presentes grabaciones, todo y que no se escuchan los mencionados abucheos de Paris. Los solos de Coltrane duplicaban en duración a los que llevaba el propio Miles Davis (según las crónicas de la época, el propio Davis desaparecía del escenario ante la incontinencia interpretativa del saxofonista), su interpretación tendía a explorar de forma vertiginosa múltiples recovecos, siendo en algunos momentos muy agresivo en la elaboración de sus solos y explorando su sonoridad en múltiples direcciones, e incluso llegando en algún momento a "pisar" musicalmente a su jefe de filas, tal y como sucede en la interpretación del tema "Round Midnight" del concierto del Kurhaus, Scheveningen (Holanda) de fecha 9 de Abril de 1960 (Disco 3). Es indudable que el público europeo esperaba escuchar el sonido de Coltrane contenido en las grabaciones de Miles Davis (con una sonoridad muy bella y melódica), y por contra se encontraron con un músico en plena transformación musical, demostrando unas ideas musicales muy avanzadas y con una potencia de sonido realmente portentosa, lo que provocó cierta tensión y diferencia musical no sólo con Miles Davis sino también con la sección rítmica. La música de Coltrane se encontraba en muchos sentidos mucho más allá de lo que era el grupo musical de Miles Davis, ya fuese a nivel armónico o rítmico. A pesar de las críticas que recibió Coltrane, la música que se desprende todos estos conciertos en sencillamente fabulosa, y cuesta ceer hoy en dia que algunos de los conciertos de la gira de 1960 tuviese reacciones tan encontradas en su momento.

El repertorio que se desarrolla a lo largo de todos los conciertos es material que el grupo de Miles Davis conocía a la perfección (incluyendo Coltrane), material que procede de las sesiones de grabación para los discos Prestige y de la sesiones del Kind of Blue, por tanto no hay ninguna sorpresa en cuanto a los temas escogidos. Como se podrá comprobar por la información de los conciertos en los tres compactos, muchos temas tienen una duración extraordinariamente larga (duran casi un cuarto de hora) a consecuencia de las largas improvisaciones de Coltrane. Se puede escuchar a un saxofonista muy aguerrido musicalmente, mientras que por el contrario Miles Davis se encuentra muy comedido y en ciertos momentos ausente, en tanto que la sección rítmica disfruta de bastantes minutos para su lucimiento, muy especialmente Wynton Kelly y Paul Chambers, siempre solventes, melódicos y con mucho swing. Por lo que se refiere a la calidad de los conciertos apuntar que el concierto Copenhague de 24 Marzo es de estupenda calidad; el de Frankfurt de 30 de Marzo es bastante pobre y el tema "All Of You" finaliza de forma abrupta en medio del solo de Coltrane, por tanto se encuentra incompleto; el concierto que se da como probable en Munich del 3 de Abril la calidad del sonido es francamente bueno y el concierto de Zurich de 8 Abril de 1960, es de buena calidad sonora. En esta edición se han incluído como "bonus o material extra" cuatro temas del concierto ofrecido en Düsseldorf el 28 de Marzo. Este concierto tenía que ser interpretado originalmente por el grupo de Miles Davis y así mismo tenía que ser filmado por la televisión pública alemana, pero parece ser que por problemas de acuerdo económico, Davis finalmente no dio la autorización para la filmación, lo que hizo que Norman Granz cambiase de opinión y el grupo tocase sin Miles Davis, con la sección rítmica del trompetista, la presencia de Coltrane y en formato de cuarteto. Stan Getz que también se encontraba dentro de la gira de conciertos de Granz se unió al grupo para interpretar un medley de baladas. Getz toca tan solo en el tema "Moonlight In Vermont", precedido anteriormente Coltrane en "What´s New" y Wynton Kelly" en el solo para el tema "Autum Leaves".

En definitiva un pequeño tesoro que no debería faltar en toda buena discoteca.

jueves, 5 de mayo de 2011

FRED HERSCH: Alone at The Vanguard

FRED HERSCH:
Alone At The Vanguard

- Fred Hersch: Piano.

1.- In The Wee Small Hours Of The Moorning.
2.- Down Home.
3.- Echoes.
4.- Lee´s Dream.
5.- Pastorale.
6.- Doce De Coco.
7.- Memories Of You.
8.- Work.
9.- Encore: Doxy.

Palmetto Records
PM 2147
CD 2011

Fred Hersch, Alone At The Vanguard (Palmetto Records, 2011)

La producción musical de Fred Hersch desde su total recuperación en los últimos tiempos está siendo bastante abundante, para dicha de todos los aficionados al piano y muy especialmente para los seguidores del pianista norte-americano. Tras la aparición de los trabajos discográficos en formación de trio, Whirl (Palmetto Records, 2010) y Everybody´s Song But My Own (Venus Records, 2011), comentados en este blog, en el presente año se ha publicado el compacto que se reseña, una grabación en solitario y en directo en el mítico club de jazz de Nueva York, el Village Vanguard.

El formato en solitario es una de las propuestas musicales más arriesgadas para un pianista, pero para Fred Hersch es su elemento natural, un lugar comfortable y en donde el pianista tiene la posibilidad de mostrar todas sus superlativas cualidades interpretativas, que son muchas. Alone At The Vanguard tal y como señala el propio Hersch en la carpetilla del compacto, fue una grabación llevada a cabo en el afamado club Village Vanguard, en donde se grabaron los seis días que actuó (dos pases por día), en total doce pases. Tanta música donde escoger supuso al final un problema para el propio pianista, por ese motivo se decidió a publicar un pase en su totalidad y sin ningún tipo de corte, y no una recopilación de los mejores temas de todas las actuaciones. Es por ello que el aficionado puede disfrutar en este compacto del último pase del último concierto de la semana que tocó, teniendo en cuenta que quedan bastantes horas de música que dormirán en los anaqueles de la compañía discográfica y que se supone que con el tiempo irán apareciendo de forma "comercialmente" estratégica de forma individual o en un caja con las grabaciones completas. Pero por ahora esta grabación es una buena muestra de la música que unos cuantos privilegiados pudieron disfrutar en riguroso directo.

El concierto a piano solo que llevó a cabo Fred Hersch es una delicia de principio a fin, una velada íntima en donde la imaginación melódica es una de las constantes del mismo (y una de las cualidades más sobresalientes del pianista), así como una capacidad técnica e interpretativa en donde mezcla de forma magistral elementos jazzísticos con otros de la música culta, construyendo un discurso narrativo rico en ideas y matices, muy especialmente en las baladas como en el tema que abre la grabación "In The Wee Small Hours Of The Moorning". En algunos otros temas Hersch se presenta como un pianista más intelectual, mucho más técnico y en algunos momentos muy profundos, como en el tema "Echoes", o con una visión más clásica en la elaboración e interpretación y por momentos contenida, como en el tema original que dedica a Robert Schumannn, "Pastorale".  También en el concierto hace un homenaje a uno de sus músicos favoritos, T. Monk, al ejecutar del mismo el tema "Work", pero en una interpretación muy personal, muy rítmica y rica en matices, con un uso de ambos manos a diversos niveles musicales y con una sonoridad muy poco "monkiana"; un auténtico regalo para los oídos.

Una nueva oportunidad para disfrutar uno de los mejores pianistas de la actualidad, y esta vez a piano solo.

lunes, 2 de mayo de 2011

MILES DAVIS: Miles Davis, Bitches Brew Live

MILES DAVIS: 
Bitches Brew Live

Temas # 1 a 3 (*):
- Miles Davis: Trompeta.
- Chick Corea: Piano eléctrico.
- Dave Holland: Contrabajo.
- Jack DeJohnette: Batería.
Grabado en directo en el Newport Jazz Festival, Newport, el 5 de Julio de 1969.

Temas # 4 a 9 (+):
- Miles Davis: Trompeta.
- Gary Bartz: Saxo alto y soprano.
- Chick Corea: Piano eléctrico.
- Keith Jarrett: Órgano.
- Dave Holland: Contrabajo.
- Jack DeJohnette: Batería.
- Airto Moreira: Percusión.
Grabado en directo en The Isle of Wight, el 29 de Agosto  1970.

1.- Miles Runs The Voodoo Down (*).
2.- Sanctuary (*).
3.- It´s About That Time/The Theme (*).
4.- Directions (+).
5.- Bitches Brew (+).
6.- It´s About That Time (+).
7.- Sanctuary (+).
8.- Spanish Key (+).
9- The Theme (+).

Sony Music/Columbia Legacy.
CD 2011

Miles Davis, Bitches Brew Live (Sony Music/Columbia Legacy, 2011)

Las compañías discográficas siguen haciendo de las suyas. Y es que cualquier material inédito de Miles Davis, es escrupulosamente racionado para obtener del mismo el máximo beneficio posible en el mercado discográfico. Este comentario es debido a que Bitches Brew Live presenta dos curiosidades, por una parte (nunca se sabe a ciencia cierta, y menos con Miles Davis) parece ser que se presenta en su total integridad la grabación del concierto en directo que Miles Davis y su grupo ofreció en la Isla de Wight en 1970, y que apareció publicado por primera vez en el año 1971 en un triple LP referenciado como The First Great Rock Festivals of The Seventies, Isle Of Wight/Atlanta Pop Festival (Columbia G3K 30805) y en donde Davis aparecía junto a otros músicos como Jimi Hendrix, Sly and Family Stone o Leonard Cohen. Se publicó del mencionado concierto un único tema con el nombre de "Call It Anything´", que era un una especie de medley con empalmes del mismo, con los temas y minutajes siguientes: "Directions" 6:31; "Bitches Brew" 0:05; "It's About That Time" 4:37; "Spanish Key" 5:31 y "The Theme" 0:44. Posteriormente se publicaron diversas ediciones incompletas del concierto tanto en los temas como en la duración de los minutos. La música que desarrolló Miles Davis en este festival de rock (en una especie de suite), se encontraba en la frontera entre el jazz, el rock y la fusión. Con un grupo voluminoso (un septeto) la música interpretada es a base de ritmos muy marcados afro americanos (especialmente funky), aires afro brasileños y ciertos elementos del free, todo ello aderezado con suculentas participaciones del saxo incisivo y punzante de Gary Bartz, o las aportaciones eléctricas y muy libres de Keith Jarrett (apuntar que Jarrett había pasado por el filtro musical y filosófico de Charles Lloyd).

LP Columbia de 1971 The First Great Rock Festivals of The Seventies.
El concierto de la Isla de Wight tal tal y como está recogido en el presente compacto apareció publicado de forma oficial y en su integridad en la mastodóntica caja de más de 70 CD, Miles Davis: The Complete Columbia Album Collection (Columbia, 2009), y representa la oportunidad de adquirir el mismo a los aficionados que no tuvieron la posibilidad de incluirlo en su discoteca a consecuencia del elevado precio de la citada caja. La música del concierto de la Isla de Wight se encuentra entre las sesiones de grabación del disco Bitches Brew de Agosto de 1969 y Live-Evil, procedente del club The Cellar Door de Washington de Diciembre de 1970. 
Miles Davis: The Complete Columbia Album Collection
La segunda curiosidad, y la más significativa, es la inclusión de un concierto "completamente inédito" hasta la fecha del Festival de Newport del 5 de Julio de 1969. Concierto que no apareció en la caja de Columbia, y que comercialmente se dejó fuera de la misma con la intención de obtener réditos a posteriori como así ha sucedido. Este concierto contiene la que se puede decir que es la primera grabación profesional en directo del tema "Miles Runs The Voodoo Down" (se tiene conocimiento de grabaciones de público con escasa calidad de este tema procedentes de actuaciones en clubes de Nueva York durante los meses de Mayo y Junio de 1969), así como la primera grabación conocida en versión eléctrica del tema "Sanctuary". Estas grabaciones son anteriores (un mes exactamente) a las que darían como fruto el afamado Bitches Brew y presentan la característica que el grupo de Miles Davis se encuentra en formato de cuarteto a consecuencia que Wayne Shorter se perdió el concierto, quedando reducido el grupo a una formación más pequeña, y en donde la sección rítmica desencadena una música densa y espesa con ciertos planteamientos del free jazz que el propio Davis aprovecha para su discurso musical.

El repertorio de ambos conciertos es material que aparece en Bitches Brew, a la excepción del tema "It´s About Time" del trabajo In A Silent Way.

Un compacto que los coleccionistas y completistas de Miles Davis no deben de dejar pasar y que aporta más música inédita de una de las figuras capitales del jazz de todos los tiempos.

martes, 26 de abril de 2011

JOE LOVANO: US FIVE, Bird Songs

JOE LOVANO: 
US FIVE, Bird Songs.

- Joe Lovano: Saxo Tenor, mezzo soprano y aulochrome.
- James Weidman: Piano.
- Esperanza Spalding: Contrabajo.
- Ottis Brown III: Batería y Percusión.
- Francisco Mela: Batería y Percusión.

01- Passport.
02- Donna Lee.
03- Barbados.
04- Moose The Mooche.
05- Lover Man.
06- Birdyard.
07- Ko Ko.
08- Blues Collage.
09- Dexterity.
10- Dewey Square.
11- Yardbird Suite.

Blue Note Records
CD 2011

Joe Lovano, US FIVE, Love Songs (Blue Note Records, 2011)

Cada nuevo proyecto de Joe Lovano no deja de sorprender, a pesar de su larga y extensa carrera discográfica (el presente trabajo es el número vigésimo tercero para el sello discográfico Blue Note). Para ello ha vuelto a reunir la formación denominada "US Five" con la que grabó el estupendo trabajo Folk Art (Blue Note, 2009), y que presentó como novedad la presencia de la talentosa contrabajista Esperanza Splading (premio Grammy 2010 a la mejor artista revelación en la categoría de jazz), así como la incorporación de dos bateristas y percusionistas de calado musical bien distintos, Ottis Brown III y Francisco Mela.

El presente proyecto presenta la música de uno de los creadores más apasionantes en toda la historia del jazz, Charlie "Bird" Parker, así como la confirmación del quinteto liderado por Joe Lovano "US Five" a consecuencia de la extraordinaria versatilidad que presenta, pues si el anterior trabajo se encontraba focalizado en planteamientos provenientes del free jazz y ciertas sonoridades latinas, Bird Songs está prácticamente dedicado en exclusiva a la música de Charlie Parker, pero no como un homenaje (circunstancia esta que el mismo Lovano reconoce de forma expresa), sino como una aventura musical con un punto de vista sumamente personal y con un planteamiento extraordinariamente moderno por la presencia de dos bateristas en la formación, que crean una rica amalgama de sonidos que permiten tanto a Joe Lovano como al resto de la sección rítmica, explorar los límites de la músicalidad que se produce a lo largo de todos los temas. El compacto recoge temas tan importantes en la carrera musical de Parker como fueron, "Donna Lee", "Moose The Mooche", "Ko Ko" o "Yardbird Suite", sólo por citar algunos.

La música que despliega el quinteto de Lovano es arriesgada y nada acomodaticia, no conformándose con la mera presentación melódica de los temas, sino con la deconstrucción de los mismos, muy especialmente en diferentes planos sonoros que viene en algunos casos de la utilización de dos bateristas tan diferentes, como en el tema "Ko Ko", un trio conformado por los dos baterías y el saxo de Lovano, y donde la abstracción interpretativa de Lovano contrasta con los diferentes tempos y timbres que presentan los percusionistas; o por el uso del aulochrome (doble soprano) en "Birdyard" una rearmonización del tema "Yardbird Suite" pero interpretado a base de diversas variaciones. O los temas "Barbados" y "Dewey Square" donde el colorido y las texturas sonoras provenientes del aire caribeño en que se presenta el primero, o de las influencias brasileñas del segundo, permiten apreciar la estupenda sección rítmica que acompaña a Lovano, comenzando por el piano lírico de James Widman o las paletas sonoras rítmicas de Ottis Brown y Francisco Mela. La grabación finaliza con la interpretación de uno de los temas más emblemáticos de Parker, "Yardbird Suite", ejecutado con una mezcla de motivos armónicos y rítmicos basados en la gran tradición del jazz y otros componentes más modernos, que hacen del mismo una lectura magistral y deliciosa.

En definitiva un estupendo disco que sigue confirmando a Lovano como uno de los mejores saxofonistas de nuestro de tiempo y que no debería pasar por alto a los aficionados.

martes, 19 de abril de 2011

MATTEO SABATTINI: Matteo Sabattini MSNYQ, Dawning

Matteo Sabattini MSNYQ:
Dawning

- Matteo Sabattini: Saxo alto.
- Mike Moreno: Guitarra.
- Lage Lund: Guitarra en el tema 7.
- Kristjan Randalu: Piano.
- Matt Clohesy: Contrabajo.
- Obed Calvaire: Batería.

01. Estate (7:25)
02. Dawning (6:37)
03. Prism (12:52)
04. My Journey (9:41)
05. Distensions (6:00)
06. Sons Of A Mitch (7:37)
07. The Quiet Before Sunrise (5:59)
08. The Nearness Of You (6:47)

Fresh Sound New Talent.
FSNT 380
CD 2011


Matteo Sabatini, Dawning (Fresh Sound Records New Talent, 2011)

Saxofonista italiano emigrado a  Nueva York, su primer trabajo discográfico para Fresh Sound New Talent presenta un proyecto con un sonido sugestivo, fresco e innovador. Apoyándose en una fuerte tradición musical, en elaboradas y modernas composiciones (muy especialmente a nivel armónico), desafiantes exploraciones rítmicas fundamentadas en un audaz concepto polirítmico y armónico, Sabattini ofrece una música muy elaborada a diversos niveles interpretativos, siendo la propia sección rítmica la gran protagonista y responsable del fuerte sentido musical en todo el compacto.

La presente grabación es sin lugar a dudas una excelente y agradable sorpresa. El saxofonista italiano Matteo Sabattini aporta con su música una sonoridad que aunque basada en la gran tradición del saxo alto (muy especialmente de Charlie Parker), exhibe concepciones modernas y muy próximas al post-bop, con un fuerte sentido melódico-lírico pero con importantes aportaciones armoniosas y armónicas, escúchese a modo de ejemplo el tema que da título al compacto, "Dawning".  La sección que acompaña al líder se encuentra en una estupenda forma interpretativa, destacar al guitarrista Mike Moreno (abierto, muy dinámico, y perfectamente conocedor de la escuela moderna de su instrumento encabezada tanto por Ben Monder como Kurt Rosenwinkel), al pianista Kristjan Randalu, (con aportaciones ricas y dinámicas como en el tema "Sons Of a Mitch") y el baterista Obed Calvaire (excelente en el control sonoro de los temas). Todo y la fuerte carga rítmica que destila toda la grabación,  el grupo también sabe expresar y demostrar su cara más contenida, poética y sensual, así es posible apreciarla en la  interpretación del tema de H. Carmichael "The Nearness Of You", una pequeña joya de extraordinarios quilates. La totalidad de la grabación es altamente disfrutable y resultará un auténtico descubrimiento para más de un aficionado.

Sin duda alguna un extraordinario músico al cual no hay que perder la pista y del que ya esperamos de forma ferviente su próxima grabación.

viernes, 15 de abril de 2011

FRED HERSCH: Fred Hersch Trio, Everybody´s Song But My Own

FRED HERSCH:
Everybody´s Song But My Own

- Fred Hersch: Piano.
- John Hebert: Contrabajo.
- Eric McPherson: Batéría.

01- East Of The Sun.
02- Shall We Dance.
03- I Conentrate On You.
04- From This Moment On.
05- Two For The Road.
06- Invitation.
07- The Wind/Moon And Sand.
08- Everybody´s Song But My Own.
09- In The Wee Small Hours.
10- Three Little Words.

VENUS Records.
VHCD-1049
Importación Japón
CD 2011

Fred Hersch, Everybody´s Song But My Own (Venus Records, 2011)

El presente trabajo discográfico publicado en el sello audiófilo japonés Venus Records (el primero para esta discográfica), se podría decir que es la continuación del compacto comentado en este blog, Whirl (Palmetto Records, 2010). La formación de este cedé es la misma que consta en el disco de Palmetto, John Hebert al contrabajo y Eric McPherson a la batería. Si Whirl ya era de por si una delicia, esta grabación sigue por la misma línea pero con la diferencia que no hay ningún tema original del pianista, y el repertorio esta conformado en su casi totalidad por standards, entre otras composiciones señalar "Shall We Dance" de Richard Rogers, "I Concentrate On You" y "From This Moment On" de Cole Porter, "Two For The Road" de Henry Mancini  o el tema de Kenny Wheeler que da título al trabajo "Everybody´s Song But My Own".

En Everybody´s Song But My Own Hersch continua exhibiendo las credenciales del excelso pianista en que se ha convertido y su condición como músico de culto. Es por ello que no hay ninguna dificultad para calificar al pianista americano de auténtico poeta del jazz. Hersch a lo largo de todo el compacto evidencia una predisposición para tratar su instrumento de una forma más lírica que percusiva, siempre de forma muy emocional y melódica, y con un dimensión narrativa que se centra principalmente en el tratamiento verstil del rítmo, fuente inagotable de su discurso musical. Por todo ello Hersch despliega su tono más impecable, pulcro y lírico, siempre repleto de imaginación, como en el tema "In The Wee Small Hours",  y en determinados momentos demuestra cierta fiereza interpretativa y creativa, como en el tema "Three Little Words". Resaltar la lectura distinguida, refinada y cuidadosa de los standards que desarrolla, demostrando un tratamiento muy moderno del piano, con frases meditadas, largas y ante todo, perfectamente secundado por la sección rítmica tanto en las aportaciones al grupo como en las correspondientes contribuciones solistas por parte de los mismos, con una solidez que cohesiona el grupo como unidad productiva de música. La interacción de toda la formación es manifiesta, y la comodidad en la que se encuentra Hersch es más que evidente, lo que nos proporciona cataratas de musicalidad y de buen gusto.

Una nueva oportunidad para seguir disfrutando de uno de los pianistas más interesantes de la actualidad.

martes, 12 de abril de 2011

BSO: Paris Blues de Duke Ellington

BSO: 
PARIS BLUES de Duke Ellington featuring Louis Armstrong.

Temas 1, 4, 6-8, 10 & 14: Duke Ellington: Piano; Willie Cook, Ed Mullens, Cat Anderson Clark Terry (trompetas); Ray Nance (trompeta, vln y vcl); Britt Woodman, Juan Tizol, Lawrence Brown, Murray McEachern y Louis Blackburn (trombones); Jimmy Hamilton (clarinete y saxo tenor); Russell Procope (saxo alto y clarinete); Johnny Hodges, Oliver Nelson (saxo alto); Russell Procope (saxo alto y clarinete); Paul Gonsalves (saxo Tenor); Babe Clark (saxo tenor y clarinete);  Harry Carney (saxo barítono, clarinete y clarinete bajo); Harry Smiles (oboe); Les Spann (guitarra y flauta); Aaron Bell (contrabajo); Sonny Greer, Dave Jackson, Jimmy Johnson, Philly Joe Jones, Max Roach (baterías).
Grabado en Neuva York, 1-3 Mayo, 1961.

En los temas 3 & 9: Louis Armstrong (trompeta) con la studio orquesta dirigida por Duke Ellington (con la participación de Guy Lafitte en el saxo tenor y faluta).Grabado en Paris (Francia), 15-16 Diciembre, 1960.

Los temas 2, 5, 11 & 13: Consisten en diálogos de la pélicula.

En el tema 12: Jimmy Gourley (solo de guitarra).

1. Take the "A" Train' (Billy Strayhorn) 2:14
2. You Know Something? 0:24
3. Battle Royal 4:31
4. Bird Jungle 1:59
5. What's Paris Blues? 0:45
6. Mood Indigo" (Ellington, Barney Bigard, Irving Mills) 3:15
7. Autumnal Suite 3:14
8. Nite 3:32
9. Wild Man Moore 1:49
10. Paris Stairs 3:05
11. I Wasn't Shopping 0:21
12. Guitar Amour" 2:02
13. A Return Reservation 0:33
14. Paris Blues 5:53

Jazz Soundtrack.
CD 2011
REEDICIÓN

Duke Ellington featuring Louis Armstrong, Paris Blues (Soundtrack, 2011)

Se ha reeditado en el presente año la banda sonora que compuso Duke Ellington (con la ayuda de Billy Strayhorn) para la película dirigida por Martin Ritt, Paris Blues, y que fue nominada en 1961 al Oscar a la mejor banda sonora (año que ganó en esta categoría West Side Story de Leonard Bernstein). El film narra las desventuras románticas de dos músicos de jazz norteamericanos protagonizados por Paul Newman (como trombonista) y Sidney Poitier (como saxo tenor) que tocan en un club nocturno de París. Acompañan en el reparto Joanne Woodward (la que fue mujer de Newman hasta su muerte) y Diahann Carroll.

Cartel de la película Paris Blues
Duke Ellington escribió la música para la citada película, llegando a participar en alguna de las escenas de la misma, al igual que sucedió con la presencia de Louis Armstrong.


Escena del film Paris Blues.
La banda sonora fue editada originalmente por United Artist y posteriormente reeditada en 1998 por el sello discográfico Rykodisc, en el presente año se ha vuelto a reeditar la música de esta película que permanecía ilocalizable para los aficionados de la música de Duke Ellington.

Portada CD Paris Blues, reedición de 1998.
Duke Ellington a lo largo de los años treinta, cuarenta y cincuenta se dedicó a realizar contribuciones para el cine mediante apariciones puntuales de su orquesta, en concreto pequeñas participaciones que en la actualidad equivaldrían a los videos musicales. Sin embargo, Ellington tuvo que esperar hasta el año 1959 para poder componer una banda sonora al completo, fue Otto Preminger quien recabó sus servicios para que escribiera la música del thriller Anatomía de un asesinato (en la presente reedición se acompaña como bonus la banda sonora del citado film al completo), y dos años más tarde, en 1961, junto a Billy Srayhorn se encargó de musicar la película del director Martin Ritt, Paris Blues.

Sin ser una de las mejores partituras de Ellington, la presente reedición permitirá a los aficionados disfrutar de nuevo de esta música que hasta la fecha era de muy difícil localización. La información de la carpetilla de esta reedición es más bien escasa, principalmente al no identificar en ningún momento los músicos que llevan a cabo los solos a lo largo de los temas así como no señalar en cuales de los mismos participan. A pesar de ello es posible deleitarse con títulos tan emblemáticos en la discografía de Ellington como son "Take The A Train" o "Mood Indigo", así como escuchar la participación estelar de la trompeta de Louis Armstrong en dos temas "Battle Royal" y "Wild Man Moore", con su característico estilo a base de frases cortas, brillantes y cargadas de un fuerte vibrato, y desarrollando un swing como elemento rítmico. La música que se puede percibir en la grabación es la que por aquellas fechas llevaba a cabo la orquesta de Ellington, perfectamente secundada por músicos de gran solvencia musical y calidad interpretativa como fueron Clark Terry, Ray Nance o Paul Gonsalves, sólo por citar a algunos.

Parece ser que de la sesión de grabación que dio origen a esta música hay mucho más material inédito que se encuentra durmiendo plácidamente en los anaqueles de la compañía discográfica. Mientras no se decidan a publicar todo este material extra que existe, la presente reedición bien vale la pena ser adquirida para formar parte de cualquier buena discoteca que se precie de la música de Duke Ellington.

viernes, 8 de abril de 2011

OAM TRIO: OAM Trio + MARK TURNER: Now & Here

OAM TRIO + MARK TURNER:
Now & here

- Omer Avital: Contrabajo.
- Aaron Goldberg: Piano.
- Marc Miralta: Batería.
- Invitado Mark Turner: Saxo tenor.

1.- Faith.
2.- Night Song.
3.- Oud to Omer.
4.- Vicent.
5.- Second Chance.
6.- Lennie Groove.
7.- Now and Here.
8.- Myron´s World.


Nuba Records/Producciones Contabaix
KAR 7814
CD 2009

OAM Trio + Mark Turner, Now & Here (Nuba Recods/Produccions Contrabaix, 2009)

Now & here es el título del último proyecto discográfico del OAM Trio, una formación liderada por los músicos Omer Avital, Aaron Goldberg y Marc Miralta, y que cuentan a sus espaldas con una colaboración de más de diez años. Esta circunstancia permite confirmar que el OAM Trio se encuentra plenamente asentado como unidad creativa, a pesar de los compromisos profesionales que cada uno de los músicos desarrolla tanto en la faceta de líderes como de acompañantes de otras ofertas musicales.

La propuesta musical de OAM se basa en la aportación de las diversas fuentes musicales de las que beben los tres músicos como génesis creativa; Avital con las referencias a la música tradicional judía, a Goldberg con las influencias más vanguardistas y contemporáneas del jazz y a Marc Miralta, con las propuestas más latinas y aflamencadas. Ello nos posibilita encontrarnos a un grupo sin un líder definido, en donde la suma de elementos e influencias hacen de la formación la protagonista de la propuesta musical. Junto a estos planteamientos se ha añadido a la grabación la presencia del saxofonista norte-americano Mark Turner; con este mismo grupo se llevó a cabo el trabajo discográfico, OAM Trio + Mark Turner, Live in Sevilla (Lola Records, 2003). La presencia de Turner al presente disco no es meramente circunstancial (aporta dos temas de autoría al mismo), y es por ello que el grupo actúa más como cuarteto que como trío.

La música desarrollada a lo largo de la grabación permite comprobar la excelsa y perfecta compenetración que existe en el trío, y demuestra como los años han hecho mejorar si cabe a cada uno de los músicos, gracias a las diversas propuestas musicales de las que parten, así como de las experiencias que han vivido. Ello se traduce que estemos ante un trío a nivel musical fuera de los cánones tradicionales, pero con un punto de modernidad y de amalgama de estilos bien diversos. A este punto de modernidad colabora sin duda alguna Mark Turner, que con su evidente apego a la escuela de Lennie Tristano o por el rigor y la austeridad del saxofonismo de Warne Marsh que a menudo se le ha asociado, propone unas aportaciones propias del estilo neo-bop. A pesar de ello, sus contribuciones musicales derivadas del estilo tardío de John Coltrane, presentan una marcada personalidad, con un gusto por las líneas largas, rebuscadas y abiertas, con una sobriedad en el fraseo, denso en determinados momentos, pero también sutil, fluido y con profundidad, pero ante todo con una continua búsqueda sonora en donde se aprecian gran cantidad de ideas desprovistas de todo adorno superfluo, y dotado de una facilidad para encontrar sonoridades poco convencionales, así es posible percibirlo en los temas "Lennie Groove" o "Myron´s World". El resultado de todo lo señalado es un compacto de gran calidad musical, y altamente recomendable, y más teniendo en cuenta las pocas posibilidades de encontrar grabaciones como líder del saxofonista Mark Turner.

lunes, 4 de abril de 2011

FRED HERSCH: Fred Hersch Trio, Whirl

FRED HERSCH: 
Whirl

- Fred Hersch: Piano.
- John Hebert: Contrabajo.
- Eric McPherson: Batería.

01- You´re My Everything.
02- Snow Is Falling ...
03- Blue Midnight.
04- Skipping.
05- Mandevilla.
06- When Your Love Has Gone.
07- Whirl.
08- Sad Poet.
09- Mrs. Parker of K.C.
10- Still Here.

Palmetto Records
PM 2143
CD 2010


Fred Hersch, Whirl (Palmetto Records, 2010)

Fred Hersch es sin duda alguna uno de los pianistas más musicales y talentosos de la escena jazzística actual, su calidad interpretativa por desgracia no va acompañada de un reconocimiento por parte de los aficionados, cuestión esta que por el contrario no le hace desmerecer el tener una de las carreras pianísticas más brillantes de su generación, aunque llena de obstáculos. Cuando Fred Hersch grabó el presente trabajo, se había recuperado de un coma durante dos meses así como de un fuerte tratamiento médico como consecuencia de su síndrome de inmunodeficiencia adquirida.

El resultado de la grabación es sencillamente portentoso, y se encuentra caracterizada por la presentación de una buena cantidad de ideas tanto a nivel melódico, rítmico como armónico. El formato a trío junto con el de los conciertos en solitario, son dos de los formatos en donde el pianista americano se mueve como pez en el agua y es un consumado especialista. Whirl es un compacto conformado por standards y composiciones propias dedicadas a ciertos artistas a los que Hersch siente una profunda admiración, entre ellos a la bailarina Suzanne Farrell, el compositor brasileño Antonio Carlos Jobim, o los músicos Jacki Byard o Wayne Shorter. La música del trabajo discurre por un sentido narrativo basado en la melodía y el lirismo sustentado en líneas musicales largas y muy fluidas, particularmente intensas y ricas armónicamente, algunas de ellas muy poéticas, claro ejemplo de ello son las composiciones originales del pianista "Snow Is Falling...", "Whirl", el tema a ritmo de habanera "Mandevilla", o el exquisito tema, (todo un trabajo de orfebrería) "Still Here". También señalar la interpretación del tema de Paul Motian "Blue Midnight", en donde el tono intimista y poético por parte de toda la formación nos recuerda los desarrollos del mismo Motian, especialmente por el tratamiento de las mazas del baterista Eric McPherson. Ante todo esta catarata de musicalidad la sección rítmica a cargo de John Hebert y Eric McPherson se imbuyen del piano colorista de Hersch, funcionando como un reloj y apoyando a su líder en todo momento, con unas aportaciones siempre solventes y cuidadas. El trabajo se cierra con el ya mencionado tema "Still Here" y que viene a ser una especie de reafirmación por parte del pianista al señalar que todavía se encuentra entre nosotros.

Un trabajo excepcional de uno de los mejores pianistas de la actualidad que no debería de pasar inadvertido para los amantes al piano.

viernes, 1 de abril de 2011

LLUIS VIDAL: Lluis Vidal Trio feat Dave Douglas & Perico Sambeat, Mompiana

LLUIS VIDAL TRIO:
feat. Dave Douglas & Perico Sambeat
Mompiana

- Lluís Vidal: Piano.
- David Xirgu: Batería.
- Massa Kamaguchi: Contrabajo.
- Dave Douglas: Trompeta.
- Perico Sambeat: Saxos y flauta.

Producciones Contabaix/Universal
0602527159959
CD 2009

Lluis Vial Trio feat. Dave Douglas & Perico Sambeat, Mompiana (Produccions Contarbaix, 2009)

Producciones como las que se comentan a continuación, dan la justa medida de la gran cantidad de proyectos que hay en el territorio estatal. Esta iniciativa en concreto, concebida por el pequeño pero inquieto sello catalán ContraBaix, ha de ser aplaudida tanto por la concepción e idealización de la misma como por el rigor y calidad que atesora. La música de Frederic Mompou ha sido reinterpretada con anterioridad a niveles jazzísticos, en ocasiones con resultados paupérrimos, pero tras la escucha del proyecto llevado a cabo por el grupo de Lluís Vidal es posible afirmar que la música del maestro Mompou obtiene su máxima plenitud expresiva con la presente grabación.

La obra del compositor catalán Frederic Mompou ha tenido en el piano su principal aliado, siendo la más conocida de todas ellas, Música Callada (una composición dividida en cuatro Cuadernos, escritos entre los años 1959 y 1967). Junto a esta magna obra, Mompou escribe un buen número de piezas para piano solo, entre ellas, Cançons i danses (Canciones y Danzas), Cançons de Cuna (Canciones de Cuna), Cants Màgics (Cantos Mágicos), Preludios, y un largo etcétera. En todas ellas, Mompou orienta su estilo hacia un retorno a las formas primitivas, y a la búsqueda de una música “en estrado puro”, con una exploración de la simplicidad y la síntesis como leitmotiv. La concepción musical de Mompou hacía que fuese considerado un avanzado en su tiempo, teniendo como concepción, en concreto para Música Callada, la de expresar la idea de una música que fuese la voz misma del silencio.

Partiendo de estas ideas, queda patente el reto al que se enfrentaba Lluís Vidal, ya que las concepciones armónicas de Mompou son muy propias del jazz.  Vidal ha seleccionado cuatro piezas de la excelsa obra de Mompou, Música Callada; dos extractos de de la obra Suburbis (Suburbios), “El carrer, el guitarrista i el vell caball” y “Gitanes I”; así mismo ha incorporado la célebre “Cançó i dansa 6”; y ha recuperado la pieza “Temps de blues” (una de las escasas composiciones con influencias jazzísticas), para acabar con la inclusión de un tema original del propio pianista con connotaciones mompianas, “Cançó i dansa 1”. El éxito del proyecto radica en el máximo respeto a la obra de Mompou, pero con las consabidas relecturas y arreglos para su desarrollo jazzístico, es por ello que la música de las composiciones son perfectamente reconocibles, con un fuerte sustrato melódico y armónico. A ello contribuye el excelente trabajo de la sección rítmica, tanto de David Xirgu (fiel escudero de batalla de Vidal en múltiples proyectos) como de Massa Kamaguchi, pero muy especialmente de las aportaciones de Dave Douglas y de Perico Sambeat. Las contribuciones del trompetista y del saxofonista permiten dotar al proyecto de una dimensión heterogénea gracias a las sonoridades tan diferentes de sus instrumentos, la melodía, la elegancia y el buen gusto de Douglas, así como la sonoridad, la experiencia y buen hacer de Sambeat.

Mompiana es una obra concebida para disfrutar y ser disfrutada en múltiples escuchas, un proyecto de extraordinaria calidad, pero principalmente de musicalidad, que servirá para deleitarse con la obra de Frederic Mompou.