domingo, 19 de enero de 2020

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-GEORGE CABLES


FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-GEORGE CABLES
Concierto THE COOKERS:

- Bill Harper: Saxo tenor.
- Donald Harrison: Saxo alto.
- Eddie Henderson: Trompeta.
- David Weiss: Trompeta.
- George Cables: Piano.
- Cecil McBee: Contrabajo.
- Billy Hart: Batería.

Jamboree Jazz Club.
16 Marzo 2016


George Cables © Photo by Joan Carles Abelenda

domingo, 12 de enero de 2020

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE- CHRIS PATTISHALL

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE- CHRIS PATTISHALL
Concierto JAMISON ROS QUARTET:

- Jamison Ross: Voz y batería.
- Rick Lollar: Guitarra.
- Chris Pattishall: Piano.
- Barry Stephenson: Bajo.

Jamboree Jazz Club.
25 Febrero 2016


Chris Pattishall © Photo by Joan Carles Abelenda

jueves, 9 de enero de 2020

LORENZO AZCONA: Soplo de vida

LORENZO AZCONA:
Soplo de vida

- Lorenzo Azcona: Saxos, Flauta, Clarinete Bajo, Percusión y Teclados.
- Colaboración de un ecléctico y variado listado de músicos:
Rubén Rebolleda (Piano y Teclados en 1, 2, 3 y 5).
Luis Pérez Escribano (contrabajo en 1 y 6).
Sergio Urquía (Percusión en 1).
Carlos Hipólito (Trombón en 1 y 3).
Nacho Muñoz (Fliscorno en 1 y Trompeta en 3), Carlos Beceiro (Bajo en 2 y 7), Peter Oteo (Bajo en 3 y 5), Jonatan Temprano (Batería en 2, 3, 5 y 6), Benjamin Prado (Voz en 3), Josete Ordóñez (Guitarras en 4), Alberto Torres (Violín en 4), Fidel Cordero (Teclados y Melódica y Teclados en 6), Toni Vázquez (Platos en 6), Sebastián Rubio (Percusión en 6 y Batería en 7), Alexis Fernández (Piano y Teclados en 7) y Antonio Toledo (Guitarras en 8).

01. D’Abuty (Lorenzo Azcona) 5:00
02. Agosto en Diciembre (Lorenzo Azcona) 4:41
03. El Influjo del 31 (Lorenzo Azcona y Ángela Bautista) 3:58
04. Tiempo Sanador (Lorenzo Azcona) 4:44
05. Recreo (Lorenzo Azcona). 4:55
06. Paciencia (Lorenzo Azcona) 5:24
07. En el lago (Jesús de la Rosa) 9:11
08. El Capricho de un Minuto (Lorenzo Azcona) 1:00

Autoeditado
E164512
CD 2017



 Lorenzo Azcona, Soplo de Vida (Autoeditado, 2017)


Soplo de vida representó en su momento el tercer disco como líder del multi-instrumentista y compositor Lorenzo Azcona. Azcona es un veterano de la música en nuestro país lo que le ha llevado a colaborar con un largo e importante listado de músicos, lo que ha comportado un reconocido currículo, entre ellos hay que destacar a Manolo Tena, Hilario Camacho, Hevia o La Unión tan solo a modo de ejemplo.

El trabajo que se comenta la mayoría de las composiciones son de autoría propia de Azcona a excepción del tema compartido con Ángela Bautista, “El Influjo del 31” (y que incluye un recitativo de Benjamín Prado sobre un texto de Ángela Bautista) y el tema “En el lago”, una composición firmada por Jesús de la Rosa del famoso grupo Triana (el tema procede de una interpretación directo en la sala Manuel de Falla).

La música del repertorio que interpreta Azona y el grupo que le secunda es muy heterogéneo y ecléctico, lo denota las preferencias del líder por sonoridades variadas y de distinta procedencia, tan solo hay que escuchar como se inicia el compacto, el tema “D´Abuty” se nos presenta con ciertos aires caribeños o antillanos. Pero si hay un estilo que Azcona gusta de desarrollar y de interpretar ese es del smooth jazz, estilo que podemos apreciar en temas como por ejemplo “El influjo del 31” o “Recreo” (una excelente composición a base de fusionar smooth jazz y sonoridades funk en donde Azcona hace una alarde interpretativo con el saxo soprano y el saxo barítono).

Por el contrario “Tiempo Sanador” nos invita a sumergirnos en unas mezcla de sonoridades, desde las influencias de la música española (excelente la guitarra de Josete Ordóñez), de variaciones con gusto a moderno procedente del clarinete bajo y saxo soprano de Lorenzo Azcona, hasta la belleza del violín de Alberto Torres con claras influencias de la música folk.

“En el lago” es la composición con mayor minutaje del compacto, casi diez minutos de música (interpretada y grabada en directo en la sala Manuel de Falla), una composición firmada por Jesús de la Rosa del grupo Triana tal y como ya se había comentado, y que de alguna manera recoge el saber musical del líder en esta ocasión con el saxo soprano, con una ejecución llena de lirismo y de buen hacer interpretativo, y que demuestra el excelente músico que es Lorenzo Azcona, perfectamente acompañado por un reducido grupo de músicos como son Alexis Fernández en el piano y los teclados, Carlos Beceiro al bajo y Sebastián Rubio a la batería.

En definitiva, una muy interesante grabación que puede servir de resumen por ahora de la carrera musical de este excepcional músico que es Lorenzo Azcona y que los aficionados deberían de conocer y ante todo disfrutar de su arte. Altamente recomendable.

domingo, 5 de enero de 2020

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-GIOVANNI GUIDI


FOTO-Los pianistas del JAMBOREE- GIOVANNI GUIDI
Concierto GIANLUCA PETRELLA & GIOVANNI GUIDI:

- Gianluca Petrella: Contrabajo.
- Giovanni Guidi: Piano.

Jamboree Jazz Club.
18 Febrero 2016


Giovanni Guidi © Photo by Joan Carles Abelenda

domingo, 29 de diciembre de 2019

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-BEN SIDRAN

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-BEN SIDRAN
Concierto BEN SIDRAN QUARTET:

- Ben Sidran: Voz y piano.
- Leo Sidran: Batería.
- Tom Warburton: Contrabajo.
- Frederik Carlquist: Saxo tenor.

Jamboree Jazz Club.
26 Noviembre 2015


Ben Sidran © Photo by Joan Carles Abelenda


viernes, 27 de diciembre de 2019

MILES DAVIS: Friday and Saturday nights. Miles Davis in Person At The Blackhawk-San Francisco

MILES DAVIS:
Friday and Saturday nights

Miles Davis in Person At The Blackhawk-San Francisco

- Miles Davis: Trompeta.
- Hank Mobley: Saxo tenor.
- Wynton Kelly: Piano.
- Paul Chambers: Contrabajo.
- Jimmy Cobb: Batería.

CD 1:
01. Walkin’.
02. Bye Bye blackbird.
03. All of you.
04. No blues.
05. Bye Bye (theme).
06. Love, I’ve found you.
07. On green dolphin street.
08. Two bass hit.

Total Time: 78:23 minutos.

CD 2:
01. Well you needn’t.
02. The theme.
03. Ffran-Dance.
04. So what.
05. No blues (theme).
06. Oleo.
07. If I were a bell.
08. Neo [aka TEO].
09. ‘Round Midnight.
10. Softly, as in A Morning Sunrise.
11. The Theme.

Total time: 77:29 minutos.

Grabado en directo en el Blackhawk de San Francisco, Vienes, 21 Abril & Sábado 22 de Abril de 1961.
“Love, I’ve Found You” es una una interpretación a piano de Wynton Kelly.

Poll Winners Records.
PWR 27373
REEDICIÓN.
2 CD 2018



Portadas frontal y trasera
Miles Davis, In person At The Blackhaawk San Francsico (Poll Winners Records, 2018)


Poll Winners Records es una discográfica muy desconocida para los aficionados que en los últimos años se ha dedicado a reeditar (algo que ha suscitado las dudas así como las críticas a estas ediciones) los discos esenciales de la historia del jazz, basado en las máximas calificaciones de la prestigiosa revista especializada Down Beat. Esta mítica revista fundada en el año 1934 con el tiempo se ha convertido en la revista de jazz más importante no solo para los aficionados anglosajones sino para todo aficionado que se precie de gustarle el jazz. Poll Winners Records se propuesto reeditar aquellos álbumes que recibieron las máximas calificaciones de 5, 4 ½ y 4 estrellas (Down Beat instauró el sistema de estrellas en 1952 coincidiendo con la implantación del LP en sustitución de los antiguos discos de 78 rpm; un sistema que servía para alabar pero así mismo como para denostar algunas grabaciones).

Este lanzamiento Poll Winners Records presenta el conjunto completo original de dos volúmenes grabado por el Miles Davis Quintet en vivo en Blackhawk de San Francisco, y que fue publicado por primera vez en dos vinilos separados con los títulos de Miles Davis, In Person, Friday Night At The Blackhawk, San Francisco, Volume I (Columbia CL-1669 -mono- o CS8469 –estéreo-) y In Person, Friday Night At The Blackhawk, San Francisco, Volume II (Columbia CS 8470). Estas actuaciones es una de las pocas grabaciones que Miles hizo junto al saxo tenor Hank Mobley (las otros dos grabaciones oficiales de este quinteto fueron Someday My Prince Will Come y Miles Davis at Carnegie Hall) y acompañado por una sección de auténtico lujo como era Wynton Kelly en el piano, Paul Chambers en el contrabajo y Jimmy Cobb en la batería.



Miles Davis, Friday Night, In person At The Blackhaawk San Francsico-Volume I (Columbia, 1961)


Miles Davis, Friday Night, In person At The Blackhaawk San Francsico-Volume II (Columbia, 1961)

Estas grabaciones que ahora se comentan han sido reeditas en infinidad de ocasiones tanto en LP como en compacto, llegando a cambiar la portada original de las grabaciones dependiendo del país en donde se publicasen. Incluso en Estados Unidos se llegó a publicar una portada en vinilo que posteriormente también se reprodujo en formato compacto en donde aparecía el nombre de Miles Davis utilizando una representación atmosférica del exterior del Black Hawk tomada durante la actuación de Davis. Respecto a la fantástica portada con que se publicaron los álbumes originales de 1961 y las reediciones completas de 2003 (tanto de 4 discos como de 2 discos) apuntar que se trata de una fotografía realizada por Leigh Wiener de Miles Davis junto a su primera esposa, Frances Taylor. La imagen es icónica y llena de sensualidad al jugar con el fondo en negro y la figura del trompetista y la cara de la esposa del mismo.




Respecto a estas grabaciones así mismo hay que señalar que el año 2003 se publicaron la grabaciones completas de los conciertos de 1961 en una edición sin edición y referenciada con el título de In Person Friday and Saturday Nights at the Blackhawk, Complete.

The Complete Blackhawk es una colección que consta de cuatro discos de todas las actuaciones del quinteto de Miles Davis registradas en vivo de 1961 en Blackhawk de San Francisco y donde presentaba catorce temas hasta la fecha no publicados. Este material como se ha comentado fue publicado por primera vez por Columbia Records en dos álbumes en septiembre de 1961, los sets completos no estuvieron disponibles comercialmente hasta que Sony Records no llevó a cabo una masterización completa de los mismos. Señalar así mismo para los completistas a las grabaciones de Miles Davis que simultáneamente a este lanzamiento, el material se puso a disposición en dos álbumes dobles separados titulados Friday Night: In Person at the Blackhawk in San Francisco, Complete y Saturday Night: In Person at the Blackhawk en San Francisco, Complete. Esta colección incluía las notas originales que aparecieron en la edición original de 1961 Ralph J. Gleason, así como notas adicionales del trompetista Eddie Henderson.

Igualmente señalar que la famosa casa discográfica de reediciones Mosaic Records en el año 2003 publicó una reedición de 6 vinilos de este material en una edición exclusiva y limitada a 3000 unidades, y que hoy en día es tan solo localizable a través de subastas y pagando elevados precios.


Miles Davis, The Complete Blackhaawk Sessions (Mosaic Records, 2003)


El presente lanzamiento de Poll Winners Records presenta un conjunto de estas grabaciones que más de un aficionado conocerá y que sin duda alguna tendrá en su discoteca. Se trata de las grabaciones que Miles Davis llevó junto al saxo tenor Hank Mobley, participación que comenzó en diciembre de 1960, cuando reemplazó a Sonny Stitt en un compromiso en el club nocturno The Cloister en Chicago. La presencia de Mobley en la banda de Miles Davis fue efímera y corta, el propio Miles Davis lo reconoce en su autobiografía al señalar que “aquella primavera de 1961 (creo que fue en Abril) decidí marcharme en coche a California para actuar en el Blackhawk de San Francisco. Había estado tocando en el Village Vanguard mientras me encontraba en Nueva York, pero la música empezaba a aburrirme porque no me gustaba lo que Hank Mobley tocaba en la banda…Tocar con Hank no me divertía nada: no me estimulaba mi imaginación” (DAVIS, Miles & TROUPE, Quincy, Miles, La Autobiografía; Gubern, Jordi (trad.). 1ª edición Barcelona: Ediciones B, 1991, 255 pag. ISBN 84-406-1975-8). De hecho incluso se puede apreciar como de alguna manera Mobley molestaba a Miles Davis, hay que fijarse como en el inico del tema “Round Midnight”, Davis “pisa” y no deja tocar al saxofonista de una manera clara e intencionada en el momento que le corresponde actuar. Las interpretaciones de Mobley no es que sean desacertadas o malas, simplemente que después de haber pasado Coltrane por el grupo del trompetista, la presencia de Mobley carecía de la personalidad sonora  y potencia interpretativa de Coltrane. Esta circunstancia es algo evidente para cualquier aficionado que escuche la música interpretada por el gran John Coltrane durante su estancia en el grupo (muy especialmente en la gira que llevó a cabo con Davis por Europa durante el años 1960).

La música interpretada es sencillamente fantástica y presenta el repertorio que por aquellas fechas estaba desarrollando Miles Davis, temas emblemáticos de la discografía de Miles Davis como son entre otros “On Green Dolphin Street”, Round Midnight”, “Oleo” o “So What”. Además la sección rítmica estaba conformada por un auténtico lujo de músicos como eran Wynton Kelly al piano, Paul Chambers al contrabajo y Jimmy Cobb a la batería.

Un gran disco y una pieza esencial en la discografía de Miles Davis y sin lugar a dudas una grabación de discoteca básica que todo aficionado debería de tener.



lunes, 23 de diciembre de 2019

BRAD MEHLDAU: LA BÚSQUEDA INCESANTE

BRAD MEHLDAU: LA BÚSQUEDA INCESANTE


Hoy en día no cabe la menor duda para ningún aficionado que el pianista americano Brad Mehldau, es uno de los músicos más avanzados a nivel musical que hay en el panorama jazzístico actual. Mehldau ha trabajado de manera ardua y esforzada desde sus inicios para labrarse una carrera musical no solo diferente sino también diferenciada del resto de músicos de su generación, y ello lo ha conseguido a través de un proceso de asimilación de diversas fuentes musicales provenientes de los más diversos estilos, del jazz, del pop, del rock y sin lugar a duda de la música culta (clásica).

A lo largo de su ya dilatada trayectoria discográfica, Mehldau ha exhibido una gran maestría para tejer un lenguaje y un sonido extremadamente avanzado en donde la combinación de géneros musicales heterogéneos le ha proporcionado un estilo musical donde se entremezclan conceptos armónicos y sonoros, todo ello combinado con concienzuda utilización de ideas melódicas e estilos interpretativos (citar como ejemplo la técnica de independencia de manos, un estilo más propio del  música clásica que del jazz). Al tomar prestado de diversos géneros, Mehldau ha entendido y se ha hermanado con conceptos musicales como el romanticismo del siglo XIX, provenientes de músicos como Brahms, Beethoven o el mismo Chopin. Ello ha provocado que tanto a lo largo de su discografía y como en los conciertos en público que ofrece aparezca la influencia de la música clásica.


Brad Mehldau © Photo by Joan Carles Abelenda

El pianista empezó a sacar ideas y planteamientos provenientes de la música clásica con el primero trabajo en solitario titulado Elegiac Cycle (Warner Bros. Records, 1999). Elegiac Cycle es sin ningún tipo de  discusión un manifiesto a favor del romanticismo, a favor de la pasión y de la afectividad, todo ello expresado a través de pensamientos elegíacos. Es una grabación con un valioso rédito intelectual (referencias a la poesía -muy especialmente de Rainer  Maria Rilke-  y a la música romántica entre ellos el compositor Ludwig Van Beethoven) y con unas notas en la carpetilla del propio pianista que no tienen desperdicio y que permiten comprobar los planteamientos intelectuales en donde buceaba Mehldau a la hora de buscar inspiración musical. La aparición de este trabajo conllevó uno de los discos a piano solo más introspectivos y de planteamientos musicales más importante desde la aparición de los famosos conciertos en solitario de Keith Jarrett.

Esta manifiesta tendencia clásica y contemporánea con los años se ha ido amplificando y proporcionando proyectos del tamaño y la calidad como el de Love Sublime (Nonesuch Records, 2006), con la mezzosoprano Renee Fleming (ciclo de canciones sobre poemas de Rainer Maria Rilke y Louise Bogan) o de Love Songs (Naïve, 2006), acompañado por la también mezzosoprano sueca Anne Sofie Von Otter, un trabajo con dos compactos bien diferenciados, uno de ellos estructurado sobre poemas de Sarah Teasdale y musicados en su integridad por Mehldau. Tendencias clásicas por el planteamiento musical utilizado del piano y de la voz, y que de alguna manera rememora la forma musical del “lied” alemán (el término “lied” hace referencia a un tipo de canción breve y lírica cuya letra es un poema en habla alemana que floreció y tuvo su auge en el Romanticismo del siglo XIX y que se proyectó en la primera mitad del siglo XX), y contemporánea, por el tratamiento (a veces poco accesible) del piano, más cerca de la línea de la Segunda Escuela de Viena (en donde ostentaron un papel fundamental, Arnold Schönberg, Alban Berg y Antón Webern), aunque con un trabajo mucho más enfocado al uso de la tonalidad que a la utilización de diferentes y cambiantes acordes a que nos tenía acostumbrados Mehldau.


Anne Sofie Von Otter & Brad Mehldau, Love Songs (Naïve, 2006)


La parte más contemporánea y “moderna” de Mehldau así mismo se puede apreciar en la grabación titulada con el nombre explícito de Modern Music (Nonesuch Records, 2011). Es la primera vez que se tiene conocimiento de la colaboración de Mehldau con otro pianista en una grabación, en este caso Kevin Hays. El trabajo se encuentra conformado por composiciones de la escuela minimalista de Steve Reich y Philip Glass, de Patrick Zimmerli, así como la famosa composición de Ornette Coleman “Lonely Woman”. Un nuevo proyecto intelectual en esta ocasión con una formación a base de dos pianos y teniendo como base principal del mismo la música contemporánea.

Pero la vertiente culta de Brad Mehldau que estamos comentando los aficionados lo han podido atestiguar no solo en las grabaciones que apuntamos sino así mismo en los conciertos a piano que el pianista ha ofrecido a lo largo de los años. Para poder comprobar ello tan solo hay que acudir a la excepcional caja de cuatro compactos que publicó Nonesuch Records en el año 2015 para celebrar los diez años de recitales a piano solo por el continente europeo. Una caja que recopila una selección de temas todos ellos de diversos conciertos en directo y en donde se pueden encontrar interpretaciones del compositor alemán Johannes Brahms, en concreto los Intermezzos Op.76 Nº 4 y el Op. 119 Nº 2. Aunque la caja tal y como se ha apuntado es tan solo una recopilación de temas de los directos, la presencia de estos temas de Brahms evidencia y atestiguan de manera clara la idea de Mehldau de “bucear” e inspirarse en las composiciones del compositor romántico alemán. De hecho en las notas de la carpetilla del compacto el propio Mehldau afirma de manera clara que “la música de Brahms abarca mucho de lo que hago, así que pensé que era apropiado aprovechar su influencia en el contexto de los conciertos de piano solo”. Mehldau enfoca el planteamiento e influencia musical culta de Brahms en la utilización y la yuxtaposición de dos tonalidades en un mismo momento interpretativo, un efecto que descubrió por primera vez en la música del compositor alemán proveniente tanto de su trabajo sinfónico como en la música de cámara.


Brad Mehldau, 10 Years Solo Live (Nonesuch Records, 2015)


El último proyecto musical grabado en donde Mehldau utiliza música culta se trata de su particular homenaje a la música de J.S. Bach, disco publicado con la referencia de Alter Bach (Nonesuch Records, 2018). Un proyecto que maduró de durante varios años, de hecho el proyecto estuvo cocomisionado en el año 2015 por el Carnegie Hall de Nueva York, el Wigmore Hall de Londres, The Royal Conservatory of Music de Toronto y The National Concert Hall de Dublín, y en donde se le encargó componer nuevas piezas basadas en las improvisaciones musicales de Bach, el proyecto se llamo Three Pieces After Bach. Este proyecto lo desarrollo en conciertos en las ciudades señalas y sirvió posteriormente de base para este álbum. After Bach consiste en interpretaciones de cuatro preludios y una fuga de J.S. del Clavier Bien Temperado de Bach, cada uno seguido de una interpretación "After Bach (después de Bach)" de Mehldau. En la presente grabación el pianista nos demuestra una música cargada de sentimiento, de expresividad y de emotividad, todo ello unido al talante inequívocamente improvisador que ostenta Mehldau. Con respecto a la interpretación de las composiciones de Bach se puede apreciar a un Mehldau que se siente próximo a la música del compositor alemán, pero ante todo se puede comprobar el gran respeto que tiene por la tradición musical proveniente de la música culta (son muchos los pianistas de jazz que se encuentran muy de cerca de la música de Bach). Algunas de las composiciones del propio pianista denotan una gran sensibilidad y expresividad, y con cierto punto romántico, un elemento muy recurrente en la concepción musical interpretativa que ha tenido a lo largo de los años Mehldau.

Por último es necesario comentar y destacar dos proyectos que por ahora no se encuentran formalizados en formato disco pero que se han podido ver en directo en diversos escenarios de Barcelona. El primero de ellos la presentación en exclusiva del Concierto para piano y orquesta del propio Mehldau, proyecto que ha estado cocomisionado por la Orchestre national d'Île-de-France y Jazz à la Villette Festival, L’Auditori de Barcelona, el Witold Lutoslawski National Forum of Music, Breslavia, Polonia (Jazztopad Festival), el Barbican Centre de Londres y la Britten Sinfonia, la Philharmonie Luxembourg y Orchestre Philharmonique du Luxembourg y Los Angeles Philharmonic Association. Una composición marcada por la contemporaneidad y con cierto carácter experimental en donde Mehldau deja de lado el lado más sensible para centrarse en un ejercicio musical virtuoso especialmente en lo que hace a la composición, y a la interacción entre la orquesta y el piano.



Brad Mehldau © Photo by Carme Llusà


El último y más reciente proyecto musical, y presentado este mismo año (y el cual se pudo disfrutar en la temporada de cámara de L´Auditori de Barcelona) corre a cargo de Mehldau junto al prestigioso tenor inglés Ian ‎Bostridge. Bostridge es un especialista en la modalidad de recital y muy en concreto en la de “lied” (apuntar que este año la editorial Acantilado ha publicado el libro que escribió en su momento Ian Bostridge titulado “Viaje de invierno” de Schubert. Anatomía de una obsesión; un libro esperado por los amante del “lied” y en donde Bostridge lo dedicaba a la colección de “lieder” -que es la cumbre de la canción “culta” alemana- del Winterreise -“Viaje de invierno”- de Franz Schubert). Después de verse actuar el uno al otro en Alemania en 2015, Mehldau y Bostridge ‎se conocieron y se confesaron su admiración mutua. Este contacto inicial se extendió a una correspondencia, en la cual debatían sobre su pasión en común: la música en su vertiente más amplia, desde Bach hasta el jazz. Mehldau a raíz de esta amistad compuso varias canciones pensando específicamente en la voz de Bostridge. Después de la experiencia que supuso compartir estas piezas, los dos músicos decidieron convertirlas en un ciclo de conciertos que gira en torno a textos de William Shakespeare, William Blake, Bertold Brech, Johann Wolfgang Von Goethe o e.e. cummings y musicados por Mehldau, y en donde tratan temas que los dos intérpretes querían explorar, en concreto la sinuosa naturaleza del deseo humano expresada a través del amor y la adoración. Una segunda parte del recital que ofrecieron en Barcelona estuvo conformada por música de Robert Schumann (otro de los grandes románticos en la historia de la música culta) y muy en concreto por el ciclo de canciones Dichterliebe (“Amor de poeta”), y en donde Mehldau utiliza la ironía romántica (de nuevo maneja motivos románticos para su concepción creativa) como es la autocensura. Con toda esta temática central como caudal creativo, Mehldau escribió un ciclo de canciones que el dúo ha ido presentado y sigue presentando en público, y en donde se puede apreciar la incansable búsqueda creativa ya no solo musical sino así mismo a través de los textos escogidos para el proyecto.

Como se ha podido comprobar Mehldau a parte de sus conocidas propuestas jazzísticas ha desplegado a lo largo su trayectoria como músico interesantes proyectos creativos inspirados en la música culta, algunos de ellos cargados de un fuerte calado intelectual y de los cuales esperamos su plasmación discográfica a la par que seguiremos esperando las nuevas proposiciones y retos musicales de este excepcional creador.



P.D.: El presente artículo ha aparecido publicado en su integridad en la Revista Más Jazz en el número 48 de Diciembre 2019.

domingo, 22 de diciembre de 2019

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-JAN LUNDGREN

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-JAN LUNDGREN
Concierto JAN LUNDGREN featuring MATTIAS SVENSSON:

- Jan Lundgren: Piano.
- Mattias Svenson: Contrabajo.

Jamboree Jazz Club.
18 Noviembre 2015



Jan Lundgren © Photo by Joan Carles Abelenda

jueves, 19 de diciembre de 2019

MAKAYA McGRAVEN: Universal Beings

MAKAYA McGRAVEN:
Universal Beings

- Tracks 1-6 (New York Side) recorded live @ H0L0,
Ridgewood, Queens, NY, August 29th, 2017.
Brandee Younger (harp).
Joel Ross (vibraphone).
Tomeka Reid (cello).
Dezron Douglas (double bass).
Makaya McCraven (drums).

- Tracks 7-11 (Chicago Side) recorded live @ Co-Prosperity Sphere,
Bridgeport, Chicago, IL, September 2nd, 2017.
Shabaka Hutchings (tenor saxophone).
Tomeka Reid (cello).
Junius Paul (double bass).
Makaya McCraven (drums).

- Tracks 12-16 (London Side) recorded @ Total Refreshment Studios,
Stoke Newington, London, UK, October 19th, 2017.
Nubya Garcia (tenor saxophone).
Ashley Henry (Rhodes piano).
Daniel Casimir (double bass).
Makaya McCraven (drums).

- Tracks 17-22 (Los Angeles Side) recorded @ Jeff Parker's house,
Altadena, Los Angeles County, CA, January 30th, 2018.
Josh Johnson (alto saxophone).
Miguel Atwood-Ferguson (violin).
Jeff Parker (guitar).
Anna Butterss (double bass).
Carlos Niño (percussion).
Makaya McCraven (drums).


CD 1:
New York Side:
01. A Queen's Intro 00:32
02. Holy Lands (feat. Brandee Younger) 05:14
03. Young Genius (feat. Joel Ross) 05:32
04. Black Lion (feat. Dezron Douglas) 02:56
05. Tall Tales (feat. Tomeka Reid) 04:16
06. Mantra 03:48
07. Pharaoh's Intro 01:58

Chicago Side:
08. Atlantic Black 09:10
09. Inner Flight 03:02
10. Wise Man, Wiser Woman (feat. Shabaka Hutchings) 03:13
11. Prosperity's Fear (feat. Junius Paul) 06:11

CD 2:
London Side:
12. Flipped OUT 02:40
13. Voila (feat. Daniel Casimir) 05:00
14. Suite Haus (feat. Nubya Garcia) 05:09
15. The Newbies Lift Off (feat. Ashley Henry) 06:19
16. The Royal Outro 01:44

Los Angeles Side:
17. The Count Off (feat. Carlos Niño) 01:09
18. Butterss's (feat. Anna Butterss) 02:59
19. Turtle Tricks (feat. Jeff Parker) 04:15
20. The Fifth Monk 08:01
21. Brighter Days Beginning (feat. Josh Johnson) 02:32
22. Universal Beings (feat. Miguel Atwood-Ferguson) 04:08

International Anthen Recording Co.
IARC  0022
2 CD 2018


Makaya McGraven, Universal Beings (International Anthen Recording Co, 2018)


Interesante y muy atractivo el trabajo que propone el baterista y productor Makaya McGraven con este doble disco titulado Universal Beings. Hijo del también baterista Steve McGraven, Makaya se presenta como baterísta, productor y especialmente como “científico del ritmo” (beat scientist), -así se puede ver esta descripción en su página web-. Makaya McGraven es el líder de formaciones que tiene como finalidad explorar las musicalidades y las sonoridades que le rodean, basadas especialmente en las músicas modernas y actuales con la idea de vigorizar y de expandir estos planteamientos a una nueva audiencia.

El trabajo se encuentra planteado en cuatro sesiones grabadas en cuatro ciudades diferentes, Nueva York, Chicago, Londres y Los Ángeles. La idea de McGraven con Universal Beings es hacer música con músicos locales totalmente diferentes y de esta forma llevar a cabo el proyecto de documentar la escena musical de cada ciudad pero dentro de un contexto global. Se podría decir que se trata de un ideario comunitario de compartir música y principalmente de tocar con músicos de afinidades parecidas. McGraven no entiende de escenas musicales individuales (a veces concepcionadas de manera estanca y cerrada) sino que las entiende de modo abierto y participativo.

La sesión de New York Side presenta a una formación en formato de quinteto en donde llama la atención los instrumentistas que la conforman, un arpa (como elemento sonoro diferenciador), un vibráfono y un chelo, que sirven de punto específico a lo largo de los seis temas en que se basa la sesión. La musicalidad de estos tres instrumentos, teniendo como voz principal el arpa de Brandee Younger, sirven de contrapunto a la batería de McGraven. La música resultante roza el misticismo y recuerda las sonoridades de los años 70.

La sesión denominada Chicago Side por el contrario cambia de instrumentistas y presenta a una formación en cuarteto capitaneada por el saxo tenor de Shabaka Hutchings. McGraven despliega una musicalidad aguerrida basada en interpretaciones muy sonoras y rítmicas presentando ciertos pasajes obsesivos en cuando a la repetición de métricas cadenciosas. Es esa obsesión de ideas uno de los atractivos de la música de McGraven así mismo como la extraordinaria explosión sonora y rítmica que despliega, un batería al que gusta hacerse oír y hacer notar su presencia.

La sesión de London Side presenta a una formación también en cuarteto que tiene como parámetro musical el ritmo y ciertos ideas provenientes del hip-hop. La sustancia rítmica de los temas hacen de la sesión un auténtico laboratorio de ideas y de sonidos pero principalmente de ritmos en donde se puede apreciar el gusto de McGraven por la reiteración y obsesión de parámetros rítmicos como fuente creativa.

Por el contrario con la última sesión, la denominada como Los Angeles Side, el aficionado se va encontrar con la sesión más experimental de las cuatro de la grabación. Comenzando por una formación en sexteto a base de cuerdas (cuenta con la presencia del estupendo guitarrista Jeff Parker y del violín de Miguel Atwood-Ferguson), el saxofonista Josh Johnson o el percusionista Carlos Niño. Con ello McGraven se dispone a ofrecernos la consabida ración de ritmo y de repetición de ideas en este caso acompañado por las aportaciones de la guitarra de Parker, músico proveniente de la libe improvisación, que deja destellos de su contrastada calidad.

En resumen un excelente proyecto al que los aficionados a nuevas aventuras musicales y sonoras disfrutaran de principio a fin. Abstenerse de este proyecto los conocidos puristas y los defensores a ultranza del jazz tradicional.

martes, 17 de diciembre de 2019

FOTO-MAKAYA McGRAVEN: Foto del concierto MAKAYA McGRAVEN, en el 51º Festival Jazz Barcelona (Barcelona).

FOTO-MAKAYA McGRAVEN: Foto del concierto MAKAYA McGRAVEN, en el 51º Festival Jazz Barcelona (Barcelona).

- Makaya McCraven: Batería.
- Greg Spero: Piano y teclados.
- Irvin Pierce: Saxo tenor.
- Matt Gold: Guitarra.
- Junius Paul: Bajo eléctrico.

Sala Apolo.
Barcelona.
7 Noviembre 2019


Makaya McGraven © Photo by Joan Carles Abelenda