jueves, 20 de abril de 2017

ARTHUR BLYTHE: Lenox Avenue Breakdown

ARTHUR BLYTHE:
Lenox Avenue Breakdown

- Arthur Blythe: Saxo alto.
- James Newton: Flauta.
- Bob Stewart: Tuba.
- James “Blood” Ulmer: Guitarra.
- Cecil McBee: Contrabajo.
- Jack DeJohnette: Batería.
- Guillermo Franco: Percusión.

01. Down San Diego Way 07:46
02. Lenox Avenue Breakdown 13:27
03. Slidin´Through 09:37
04. Odessa 09:31

Koch Jazz
KCH-CD-7871
REEDICIÓN CD 1998 (Publicado originalmente en 1979 en Columbia JC35638).


Arthur Blythe, Lenox Avenue Breakdown (Koch Jazz, 1998)

El comentario de la presente grabación quiere ser un homenaje a la reciente muerte del saxofonista y compositor Arthur Blythe a la edad de 76 años en la localidad de Lancaster (California) como consecuencia de sus problemas con el parkinson.

Arthur Blythe comenzó a tocar el saxo alto que le regala su madre a la edad de nueve años en lugar del trombón que él quería y reclamaba. Empezó a estudiar música en San Diego para posteriormente seguir su desarrollo musical en Los Angeles a principio de los años 60. Blythe trabajó con nombres de la talla de Chico Hamilton, Lester Bowie o Gil Evans así como con un elevado número de músicos de la vanguardia de Nueva York. Su carrera discográfica empieza bastante tarde cuando ya cuenta con casi cuarenta años de edad y para entonces demuestra ser un artista muy equilibrado, un músico enraizado en las fuentes del jazz tradicional del bebop pero con claras influencias del free jazz y con sonoridades provenientes de John Coltrane y Eric Dolphy. A todo ello hay que sumar una voz propia, poderosa, de gran riqueza melódica y extraordinariamente elaborada que sin lugar a dudas hace percibir una multitud de corrientes negras (por ello se le llegó a conocer por el sobrenombre de “Black Arthur”), así como un gusto por formaciones inusuales por lo que hacía a la instrumentación que elegía para llevarlas a cabo.

Columbia Records a mediados de los años 70 lo ficha e intenta prepararlo para que triunfe como estrella del momento pero sus ideas y sonoridades de vanguardia unidas a planteamientos del post-bop y elementos provenientes de la tradición no musical occidental hace que su triunfo fuese muy poco visible. En esa discográfica Blythe graba diversos discos pero con un éxito desigual, Lenox Avenue Breakdown publicado en el año 1979 fue uno de los mejores de ese periodo y a la postre uno disco de referencia en toda su discografía. En relación a este período de Columbia el propio Blythe llego a manifestar que “Columbia estaba buscando algo diferente, pero no demasiado diferente, algo que pudiesen vender. Insistí en hacer el tipo de música que quería, pero con la promesa de que no iba a estar demasiado allá afuera. Era una relación. Iba y venía”.



Portada y contraportada edición original de Arthur Blythe, Lenox Avenue Breakdown (Columbia, 1979)


En relación a Lenox Avenue Breakdown la afamada guía de jazz “The Penguin Jazz Guide” de Richard Cook y Brian Morton llegó a calificar este disco como "una de las obras maestras del jazz moderno", una grabación que estuvo durante muchos años descatalogada y solo disponible en LP hasta su reedición en formato CD en 1998 de la mano del sello discográfico Kock Jazz un subsello de la discográfica Koch Records.


Arthur Blythe, Lenox Avenue Breakdown (Koch Jazz, 1998)


Lenox Avenue Breakdown consta de tan solo cuatro temas y demuestra el gusto por las sonoridades desiguales y ambivalentes de instrumentos como la flauta, muy principalmente de la tuba o la percusión y con algunos músicos muy sobresalientes como eran Cecil McBee al contrabajo y Jack DeJohnette a la batería (Blythe llegó a formar parte del grupo del baterista Special Edition en 1979). Junto al uso de instrumentos inusuales en formaciones jazzísticas como la tuba (hay que recordar que Miles Davis ya utilizó éste instrumento en su disco Birth Of The Cool, un grupo que fue conocido como el noneto de Miles Davis o como la banda de la tuba), así mismo Blythe hace gala del uso de estilos interpretativos variados, comenzando por los ritmos latinos y salseros del tema inicial “Down San Diego Way”, parámetros postbop mezclado con tras texturas sonoras de vanguardia y de libre improvisación en “Slidin´Through”, o el título que da nombre al disco, una pieza de trece minutos de duración que desarrolla ideas y solos de todos los músicos y con un Jack DeJohnette especialmente brillante. El  disco en su totalidad demuestra a la perfección la idea musical que por aquellas fechas tenía Arthur Blythe, es decir, la de la versatilidad como fuente creativa musical.



Arthur Blythe, Four Arthur Blythe Albums on Two Discs (BGO Records, 2016)

Para finalizar señalar a efectos de coleccionismo que el sello independiente inglés especialista en reediciones BGO Records y cuya actividad principal es remasterizar digitalmente álbumes previamente disponibles sólo en vinilo y emitirlos en CD, el año pasado reedito en un doble CD los cuatro primeros trabajos que Arthur Blythe llevó a cabo para Columbia Records, In The Tradition (1978), Lenox Avenue Breakdown (1979), Illusions (1980) y Blythe Spirit (1981) con el título de Four Arthur Blythe Albums On Two Discs. Estos trabajos se encuentran todos ellos digitalmente remasterizados y con extensas y nuevas notas a cerca de los mismos. Entre ellos se encuentra el disco comentado, y que ha servido en Jazz Recordings para rendir homenaje a este excelente instrumentista, aunque esta edición permitirá disfrutar del arte en tres grabaciones más de éste desconocido y muy poco valorado músico.

martes, 18 de abril de 2017

LIBRO: MÚSICA PARA LEER, JAZZ IMAGES by Jean-Pierre Leloir

LIBRO: MÚSICA PARA LEER
JAZZ IMAGES
by Jean-Pierre Leloir

Gerardo Cañellas Engel y Jordi Soley.
Editor: Martin Arias Goldestein.
Elemental Music Records.
164 Páginas.
Idioma: Inglés y francés con textos en castellano.
Encuadernación: Tapas blandas.
1ª Edición, 20161982.
Depósito Legal: B 22747-2016
2016

Contenido:

Introductión by Quincy Jones 07
A few words by Michel Legrand 08
A few words by Martial Solal 09
Preface by Ashley Kahn 10
Foreword by Marion Leloir
Músicos de la página 12 a 160
Textos en español 162


Jazz Images, by Jean-Pierre Leloir (Elemental Music Records, 2016)



El presente libro que se comenta es sin lugar a dudas un objeto para deleitarse principalmente a través de la vista, pero igualmente a través de los oídos. A través de la vista debido a que el mismo recoge el trabajo de uno de los mejores cazadores de instantes visuales del jazz, el fotógrafo francés Jean-Pierre Leloir.

Jean-Pierre Leloir fue uno de los fotógrafos más importante de la escena francesa durante los años 50, 60 y 70. Su pasión por la música le permitió vivir de muy cerca acontecimientos musicales lo que le posibilitó no solo obtener fotos en los escenarios de los conciertos, sino así mismo en momentos recogidos, de reposo, en las estancias de hoteles o en multitud de localizaciones átipicas, lo que permitía mostrar unas imágenes en muchos momentos alejadas de las inconfundibles fotografías de conciertos, lo que sin duda alguna posibilitaba a Leloir a exhibir unas imágenes de músicos mucho más humanas y corrientes, es decir, la de los artistas que todo el mundo podía ver en los conciertos o en las portadas tradicionales de discos que se editaban en su momento.





Jean-Pierre Leloir no solo retrató a músicos de jazz sino también a músicos provenientes de la música clásica, del rock o del blues. Entre sus archivos existen imágenes de Igor Stravinsky, Bob Marley, Edith Piaf, Charles Trenet, Maurice Chevallier, Johnny Hallyday, Led Zeppelín, Janis Joplin o el mismísimo Jimi Hendrix. Así mismo Leloir fue un incansable viajero lo que le posibilitó hacer un elevado número de fotos de sus visitas a países por todo el mundo.

Jazz Images es un libro de 164 páginas que sirve para mostrar las instantáneas de músicos de jazz, incluyendo más de 150 fotos muchas de las mismas nunca publicadas antes. Se podría decir que Leloir tiene prácticamente fotografiada la historia del jazz a tenor de la lista de nombres que aparecen en el libro entre ellos a Chet Baker, Art Blakey, Donald Byrd, John Coltrane, Sonny Criss, Miles Davis, Eric Dolphy, Kenny Dorham, Bill Evans, Wes Montgomery, Lee Morgan o Barney Wilen. Como se ha comentado muchas de las fotos que se muestran en el libro nunca se han visto antes, lo que de alguna forma representa ser todo un acontecimiento. Por el contrario, otras fotografías habían aparecido en las revistas de jazz francesas como fue Jazz Man o la todavía activa Jazz Magazine.






La selección de las fotografías ha estado a cargo de dos grandes conocedores del jazz, Gerardo Cañellas Engel reconocido fotógrafo a través de su proyecto Jazz Voyeur, empresario y coleccionista de discos, y Jordi Soley Pifarré, distribuidor, productor y coleccionista de discos, su colección particular sobrepasa las 50.000 referencias y se encuentra considerada una de las mejores de Europa. Ambos entendidos y acérrimos apasionados a la música de jazz han intentado mostrar una selección de imágenes diferentes y ante todo espontáneas con la intención de no caer en la típica selección de fotos de conciertos.


John Coltranee © Jean-Pierre Leloir


Así mismo el libro tiene una introducción especial llevada a cabo por el legendario Quincy Jones, prefacios de músicos franceses como Michel Legrand y Martial Solal, y unas notas del historiador y crítico de jazz Ashley Kahn, toda una autoridad jazzística. El libro igualmente cuenta con un prólogo a cargo de la hija de Jean-Pierre Leloir, Marion Leloir.

Para rendir homenaje al trabajo de Jean-Pierre Leloir, Jazz Images ha seleccionado los álbumes clásicos de jazz más importantes para que coincidan con las imágenes del fotógrafo francés. El resultado es una colección que consta de 50 LPs editados en vinilos de 180 gramos y 50 CDs bellamente presentados en ediciones abiertas, mostrando el trabajo del fotógrafo como denominador común y en una tirada limitada de los mismos.


Bill Evans, Portrait in Jazz (Jazz Images, 2016)

Stan Getz & Charlie Byrd, Jazz Samba (Jazz Images, 2016)


Para finalizar, el libro se puede disfrutar no solo visualmente sino también auditivamente pues contiene lo que podríamos denominar la banda sonora del mismo, es decir, una selección de 18 temas de los discos editados para que el aficionado pueda disfrutarlos a la par que lo hace deleitándose de las imágenes. En definitiva, un libro fetichista que no debería faltar en toda buena biblioteca de libros de fotografías de jazz que se precie.

domingo, 16 de abril de 2017

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-JON COWHERD

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-JON COWHERD
Concierto JON COHWERD featuring Brian Blade, Steve Cardenas & John Patitucci

- Jon Cowherd: Piano.
- Steve Cardenas: Guitarra.
- John Patitucci: Contrabajo.
- Brian Blade: Batería.

Jamboree Jazz Club.
14 Agosto 2012


Jon Cowherd © Photo by Joan Carles Abelenda

viernes, 14 de abril de 2017

ASHLEY SUMMERS: True North

ASHLEY SUMMERS:
True North

- Seamus Blake: Saxo.
- Daniel Bruce: Guitarra.
- Daniel Murphy: Piano.
- Chris Baker: Batería
- Ashley Summers: Contrabajo.

01. King of Swords 6:18
02. True North 7:30
03. The Matriarch 6:26
04. Against the Grain 7:53
05. Raîson d’Être 7:19
06. Eli 3:46

ears&eyes Records.
ee: 17-059
CD 2017


Ashley Summers, True North (ears&eyes Records, 2017)


El trabajo de presentación como líder de la contrabajista y educadora canadiense Ashley Summers pero afincada musicalmente en la ciudad de Chicago se podría decir que es toda una sorpresa musical. Una sorpresa debido a que en el ámbito del jazz no hay un exceso de mujeres contrabajistas, y en segundo lugar a consecuencia que nos encontramos con un excelente trabajo musical tanto a nivel compositivo como sonoro.

True North se nutre de seis composiciones todas ellas de la propia Ashley Summers que rezuman experiencias vitales y personales, siendo las mismas interpretadas y ejecutadas por una excelente sección rítmica liderada por el saxofonista Seamus Blake. Y es que la escritura de True North denota una atractiva creatividad compositiva y musical de Ashley Summers con una importante interacción por parte de los componentes de la formación que arropa a la contrabajista. Tanto Seamus Blake como Daniel Bruce llevan a cabo buenas muestras de sus conocidas capacidades musicales, muy especialmente por parte del saxofonista, acreditado por sus numerosas participaciones como líder o en grupos como Opus 5, y a pesar que su participación en el presente disco es bastante más moderada y lírica de lo acostumbrado, Seamus Blake demuestra su excelentes cualidades de músico acompañante con exquisito uso de amónicos principalmente en la zona de agudos.

True North representa ser el trabajo correctamente concebido y perfectamente ejecutado, lo que posibilita que la música fluya de forma natural y sin excesivos sobresaltos, y de alguna forma permite intuir que el grupo tiene bastante más recorrido que el que se muestra en la grabación. Ello no obsta para apreciar una líder de la sesión con unas excelentes dotes interpretativas principalmente en los solos que desarrolla, llenos de dinamismo y talento.

Un primer trabajo como líder que sirve de tarjeta de presentación y que augura nuevos y atractivos trabajos discográficos de esta contrabajista canadiense. Un músico a seguir.


LINKS about Ashley Summers:

Released by indie label, ears&eyes Records:

martes, 11 de abril de 2017

GONZALO DEL VAL: Koiné

GONZALO DEL VAL:
Koiné

- Gonzalo del Val: Batería.
- Marco Mezquida: Piano.
- David Mengual: Contrabajo.

01. Cantabile (Mezquida) 5:36
02. I Got Plenty O' Nuttin' (Gershwin) 6:33
03. Paradox (Jarrett) 3:51
04. Balada para Mauro (Del Val) 7:01
05. Koiné (Del Val-Mezquida-Mengual) 2:12
06. Inutil Paisagem (Jobim) 5:04
07. A Garraf (Del Val) 2:45
08. Com que Voz (Camoes-Oulman) 4:51
09. Kaixo Polita (Mengual) 2:34

Fresh Sound New Talent.
FSNT 498
CD 2016


Gonzalo del Val, Koine (Fresh Sound New Talentrds, 2016)

Excelente y superlativo trabajo el cuatro compacto que como líder nos presenta el baterista de Miranda del Ebro, Gonzalo del Val. Koiné es el segundo proyecto que lleva a cabo en formación de trío (el anterior fue Three Generations -Quadrant Records, 2011-) y acompañado por los mismos músicos, Marco Mezquida al piano y David Mengual al contrabajo, dos de los mejores jazzmen de la panorama jazzísitico actual.

Koiné nos muestra al Gonzalo del Val más maduro y comprometido musicalmente, si bien todos los trabajos que como líder absoluto tiene publicados (cuatro hasta la fecha) presentan una fuerte carga conceptual, esté último trabajo no lo es menos. Para ello tiene como punto de partida y de desarrollo la palabra del griego antiguo “koiné”, y que representa la lengua común que sirve de comunicación entre todos los integrantes. El trío de Gonzalo de Val, a pesar de ser tres generaciones de músicos diferentes, sin lugar a dudas hablan el lenguaje común del jazz, haciéndolo de igual a igual y de forma extraordinariamente honesta.


Gonzalo del Val © Photo by Joan Carles Abelenda
Koiné es un trabajo de grupo a nivel musical, no solo por que en el mismo aparezcan composiciones de los tres músicos, sino así mismo por que todos los temas que se desarrollan, (incluido las composiciones que no son propias, como las de Gershwing, Jarrett o Jobim –y que no forman parte del cancionero habitual de repertorio-), son ejecutadas con una empatía y sensación de coorporatividad que hoy es difícil de encontrar en los grupos nacionales.

El trabajo exquisito y poético de Mezquida (aunque también sonoro como en el tema que da título al trabajo), el sabio acompañamiento de David Mengual y el gusto por las texturas y sonoridades de Gonzalo del Val, ofrecen un trabajo musical en donde todos los elementos se encuentran perfectamente coaligados a favor de la creatividad musical, y a veces con una sencillez y una armonía que puede parecer fácil de conseguir, pero que tan solo es posible gracias a la maestría de estos tres músicos que ofrecen lirismo, templanza, improvisación y buen hacer.

Sin lugar a dudas uno de los mejores discos del año 2016.

NOTA:
La presente crítica se publicó en la revista cultural Sonograma Magazine en su "suplemento de discos":




domingo, 9 de abril de 2017

FOTO: Los pianistas del JAMBOREE-IVO NEAME

FOTO: Los pianistas del JAMBOREE-IVO NEAME
Concierto PHRONESIS Trio:

- Ivo Neame: Piano.
- Jasper Hoiby: Contrabajo.
- Anton Eger: Batería.

Jamboree Jazz Club, Barcelona.
21 Febrero 2017


Ivo Neame © Photo by Joan Carles Abelenda

martes, 4 de abril de 2017

BILL EVANS: Symbiosis

BILL EVANS:
Symbiosis

Bill Evans with Orchestra conducted by Claus Ogerman:
Phil Woods, Jerry Dodgion, Walt Levinsky, Harvey Estrin: Saxos altos; Bill Stapin, Don Hammond, Hubert Laws: Flautas; George Marge, Phil Bodner: Oboes; Danny Bank, Ron Janelly: Clarinetes y clarinetes bajos; Wally Kane: Fagot; Don McCourt: Contra fagot; Brooks Tillotson, James Buffington, Earl Chapin, Ray Alonge, Al Richmond, Pete Gordon: Cornos francés; Marvin Stamm, Johnny Frosk, Bernie Glow, Marky Markowitz, Victor Paz, Mel Davis: Trompetas; Urbie Green: Tenor trombón; Paul Faulise, Tom Mitchell: Tombones bajos; Don Butterfield: Tuba; George Devens, Dave Carey, Doug Allan: Peercusión; Ralph MacDonald: Conga y David Nedien: Concert master.

Bill Evans Trio:
- Bill Evans: Piano y Fender Rhodes piano.
- Eddie Gomez: Contrabajo.
- Marty Morell: Batería.

1st Movement (Moderato, Various Tempi): 24:58
a) 07:58
b) 05:17
c) 11:43

2nd Movement (Largo- Andante-Maestoso-Largo): 15:55
a) 09:11
b) 06:44

Todos los temas grabados en Nueva York los días 11, 12 y 14 de Febrero de 1974 en los Columbia Recording Studios.

MPS Records.
0211548MSW
CD 2016
Digipack Edition.
REEDICIÓN.


Bill Evans, Symbiosis (REEDICIÓN MPS, 2016)

Valoración Jazz Recordings:





Excelente y muy oportuna reedición la de este trabajo que se encontraba descatalogado durante muchos años y que llevó a cabo el pianista Bill Evans para la discográfica alemana MPS Records. La sesión de producción de este disco se llevó a cabo durante tres días de Febrero de 1974 en los estudios de grabación de la Columbia Recordings Studios en la ciudad de Nueva York.

Últimamente en el mercado discográfico están apareciendo o están a punto de aparecer algunas nuevas producciones que nos están aportando nueva música (en algunos casos inédita) de Bill Evans. Uno de los responsables de ello es el sello discográfico independiente Resonance Records con su estupenda labor de rescatar y sacar a luz un buen número de grabaciones no solo de Bill Evans sino que también de otros músicos. En Jazz Recordings nos hemos hecho eco y se ha comentado de forma muy extendida las producciones del pianista norteamericano como Live At Art D´Lugoff´s Top Of The Gate (Resonance Records, 2012) o la más reciente de Bill Evans, Some Other Time-The Lost Session from The Black Forest (Resonance Records, 2016). Así mismo estaremos pendiente de la nueva producción que está a punto de ver a la luz en 2017 de Bill Evans referenciada con el título de Another Time, The Hilversum Concert (Resonance Records, 2017). También hay que apuntar el trabajo que se va a publicar en Fantasy Records, en concreto una grabación de un concierto en directo que nunca antes se había publicado y según se señala en su publicidad nunca había aparecido en "bootleg" alguno. Se trata de On A Monday Evening, un concierto a trío junto a Eddie Gomez y Eliot Zigmund llevado a cabo el 15 de noviembre de 1976 y registrado en directo en Madison, Wisconsin Union Theatre, en una edición en formato CD y LP de 180 gramos, y de la cual estaremos bien atentos a la misma en Jazz Recordings.


The Bill EvansTrio, On A Monday Evening (Fantasy Records, 2017)

A finales del año pasado se reeditó un disco que se podría decir que es una de las grabaciones menos apreciadas y tenidas en cuenta del pianista Bill Evans. Se trata de las sesiones de grabación que se llevaron a cabo para el sello discográfico MPS Records junto a su trío (en esta ocasión conformado por Eddie Gomez y Marty Morell) y acompañado por la orquesta de Claus Ogerman, y que dio como fruto la grabación Symbiosis, una excelente y suculenta suite musical compuesta, arreglada y dirigida por el propio Ogerman de escasos cuarenta minutos de duración y en donde no había ningún tema de Evans, sino únicamente la mencionada suite.



Bill Evans, Symbiosis (LP REEDICIÓN MPS, 2016)


Claus Ogerman y Bill Evans no era la primera vez que trabajaban juntos en este tipo de formato, para el sello discográfico Verve ya habían aparecido con anterioridad dos publicaciones, en concreto el trabajo titulado Plays the Theme from The V.I.P.s and Other Great Songs (1963), una producción con un fuerte contenido comercial al desarrollar temas de Leonard Bernstein, de Henry Mancini, de Johnny Mercer junto a otras famosas composiciones de parecido estilo, y el de Bill Evans with Symphony Orchestra (1965), un trabajo basado principalmente en música de compositores clásicos (Granados, Bach, Scriabin o Chopin) junto a alguna pincelada de jazz. Es por ello que Symbiosis es todo lo contrario a las anteriores colaboraciones entre Ogerman y Evans, se trata de una composición extensa, escrita y arreglada por el propio Ogerman, en donde no aparece ningún repertorio afín a la espera musical de Evans, sino únicamente un concierto para orquesta y trío de jazz, compuesta de tan solo dos movimientos y con anotaciones propias de la música culta para su desarrollo (moderato, various tempi, largo, andante, maestoso y largo).

Symbiosis se publicó originalmente en el año 1974 en la discográfica MPS Records con el número de catálogo MPS Records-68.052, mientras que en Estados Unidos apareció bajo el paraguas de Pausa Records con el número de catálogo Pausa Records-7050. No fue hasta el año 1994 que esta obra fue reeditada en formato CD en Alemania y con una portada distinta a la original, en nuestro país y también en compacto Symbiosis se publicó bajo la colección “The Verve Collection” en 1999 (una colección de discos que se vendían en los kioscos junto a diarios y revistas de moda) y que comprendía un elevado número de grabaciones tanto clásicas como modernas de muy distintos artistas y entre las mismas se encontraba la obra que ahora se comenta con la misma portada de la reedición alemana no original. Hay que apuntar a nivel informativo que en el año 1981 se llevó a cabo una reedición en LP de Symbiosis por parte de la Compañía Fonográfica Española (CFE) dentro de la colección “Stop Jazz” y que coordinaba el locutor de jazz, Juan Claudio Cifuentes. La reedición que se comenta en Jazz Recordings es de finales del año pasado, se encuentra publicada en Alemania y recupera la portada de la edición original en formato “digipack” abierta con una remasterización proveniente de las cintas originales, las notas publicadas en la edición de 1974 así como la foto de la caja del master original de la grabación. Esta edición se puede encontrar en formato de CD y vinilo de 180 gramos para los siempre exigentes aficionados al vinilo.


Bill Evans, Symbiosis (LP Original MPS Records-68.052, 1974)

Bill Evans, Symbiosis (CD Reedición "The Verve Collection", 1999)

Bill Evans, Symbiosis (LP Reedición "Jazz Stop", CFE,1981)


En plena época electrónica de los años setenta, Bill Evans desarrolla las composiciones de Ogerman a través no solo del piano acústico sino también por medio del “fender-rhodes” y secundado por un trío que se encuentra fantástico y superlativo en todo momento, hay que señalar que este fue uno de los últimos conciertos de Marty Morell en el grupo de Evans. El título del trabajo sin lugar a dudas es el ideal para el resultado final de la grabación debido que a lo largo de la composición se produce una “simbiosis” no solo interpretativa (al intercalarse partes escritas y partes improvisadas, de cuyo objetivo salió victorioso Evans) sino también musical (al combinarse sonoridades de piano acústico y sonoridades eléctricas provenientes del fender-rhodes, un instrumento al cual Bill Evans no le tenía mucho aprecio debido a la suavidad del teclado y que tocaba como puro divertimento pero del que supo extraer sus pertinentes frutos).



Bill Evans, Symbiosis (REEDICIÓN MPS, 2016)


Por lo que respecta a la música de Symbiosis la misma se encuentra compuesta de dos movimientos, el primero de ellos se inicia con una introducción larga a cargo de la orquesta para posteriormente dar entrada al trío de Bill Evans con un piano acústico brillante e inventivo para llevar a cabo un intercambio de sonoridades entre la formación de jazz y la orquesta con unos desarrollos muy jazzísticos a lo largo de la duración de la misma. Por el contrario la parte b) es más tendente a la experimentación gracias a una sonoridad más punzante del fender-rhodes y una orquesta muy armoniosa en todo momento, mientras que la parte c) (sin duda alguna una de las mejores de la obra) presenta un rhodes creativo con extensas líneas de notas que se sustenta en un manto sonoro hipnótico de cuerdas y vientos por parte de la orquesta así como por parte de la sección rítmica del pianista que desemboca en un intercambio de notas de piano y rhodes para dar paso de nuevo al protagonismo de la orquesta.

Otro de los momentos álgidos e importante del trabajo es la parte a) del segundo movimiento, un tratamiento de poesía y melodía por parte de Evans y la orquesta a base de un sencillo inicio de tres notas por parte del piano Bill Evans que se convierte en puro lirismo, melodía, ternura y nostalgia pero enteramente comprometido a nivel musical y que demuestra al pianista en una estupenda forma interpretativa. Esta parte es un torrente de soberbia sensibilidad y musicalidad de extraordinarios quilates, nueve minutos de arte superlativo y que demuestra como de tan poco se puede extraer tanto, vehemencia de gran calidad, algo tan solo al alcance de muy pocos músicos, como es el caso de Bill Evans. La obra finaliza con un potente ejercicio sonoro y con las tres primeras notas que aparecen en el inicio del segundo movimiento para poner el broche final de manera rutilante.

Una excelente reedición de esta obra de Bill Evans (por desgracia muy poco valorada) pero de una incuestionable calidad musical que servirá para ser examinada de nuevo y otorgarle el alcance que se merece. Obvia decir que los incondicionales de Bill Evans no deberán de pasar la ocasión para adquirir esta nueva edición.

domingo, 2 de abril de 2017

FOTO: Los pianistas del JAMBOREE-SANTI NAVALÓN

FOTO: Los pianistas del JAMBOREE-SANTI NAVALÓN
Concierto PERICO SAMBEAT ENSEMBLE plays Zappa:

- Perico Sambeat: Saxos.
- Javier Vercher: Saxo tenor.
- Voro García: Trompeta.
- Toni Belenguer: Trombón.
- Santi Navalón: Piano.
- Iván Cebrián: Guitarra.
- Julio Fuster: Contrabajo.
- Miquel Asensio “Rochet”: Batería.

Jamboree Jazz Club, Barcelona.
3 Febrero 2017


Santi Navalón © Photo by Joan Carles Abelenda

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