domingo, 27 de febrero de 2011

LIBRO: Música para leer. Enrico Merlin & Viniero Rizzardi: Bitches Brew-La Génesis de obra maestra de Miles Davis

LIBRO: MÚSICA PARA LEER
Bitches Brew-La Génesis de obra maestra de Miles Davis.

Enrico Merlin y Veniero Rizzardi
Traducción de Lourdes Bassols.
Publicado por Global Rhythm Press/Ediciones Península.
Idioma: Castellano.
Encuadernación: Rústica.
Primera Edición, Diciembre 2010.

Enrico Merlin & Viniero Rizzardi, Bitches Brew-Génesis de la obra maestra de Miles Davis (Global Rhytm, 2010)

El 19 de agosto de 1969, mientras se limpiaban los prados de Woodstock, Miles Davis llevó al estudio una «orquesta» sin precedentes: trece solistas con guitarras y teclados eléctricos, cuatro percusionistas, un clarinete bajo y un saxo soprano. Con unas breves indicaciones sobre papel y tras una sola tarde de ensayos, en tres mañanas se grabó un disco cuyo alcance histórico fue enseguida evidente.

Bitches Brew redefinía el panorama de la música contemporánea con una fuerza que no ha dejado de resonar en las siguientes generaciones de intérpretes y aficionados. ¿Era aún jazz? Muchos hablaban de un nuevo género que fundía la sutileza improvisatoria del jazz en la imparable energía del rock, pero la auténtica (y literalmente inaudita) novedad radicaba en las medidas, en la respiración formal de pasajes pasmosamente dilatados gracias a un exquisito trabajo de posproducción. Visionario, psicodélico, concebido como una obra revolucionaria y, al mismo tiempo, como una bomba de relojería comercial, el disco fue el producto de diversos experimentos llevados a cabo durante unos años (1968-1970) en que la visión estética de Miles vivía en fructífera tensión con los intereses de su discográfica, pero siempre bajo la sagaz mirada del productor, compositor y, en este caso, mediador Teo Macero.

Enrico Merlin y Veniero Rizzardi han reconstruido la gestación del álbum consultando por vez primera un voluminoso material de archivo que incluye los muchos papeles recogidos por Macero y las bobinas conservadas en Columbia Records. El libro muestra fotos y documentos inéditos que ilustran la evolución artística de Miles Davis desde los últimos meses con su legendario quinteto de los sesenta hasta los apoteósicos triunfos ante la audiencia roquera del Fillmore East. La historia de un disco es aquí historia de la música.

El presente libro sirve de complemento a la edición conmemorativa del 40 aniversario que el año pasado publico Sony en dos versionses, la Bitches Brew: Legacy Edition y la Bitches Brew: 40 th Anniversary Collector´s Edition.

Miles Davis, Bitches Brew (Lecay Edition)
Miles Davis, Bitches Brews (40 th Anniversary Collector´s Editions).

El libro de Merlin y Rizzardi permitirá entender si cabe aún más, la creación de una grabación básica en la historia del jazz.

viernes, 25 de febrero de 2011

BAPTISTE TROTIGNON: CD Share & CD Suite ...

BAPTISTE TROTIGNON:

Share
Naïve
NV 814611
CD 2008

Baptiste Trotignon (p), Matt Penman (cb), Eric Harland y Otis Brown III (bat), con invitados Tom Harrell (trp) y Mark Turner (st). 
Baptiste Trotignon, Share (Naïve, 2008)
Suite …
Naïve 
NJ620311
CD 2009
Baptiste Trotignon (p), Mark Turner (st), Jeremy Pelt (trp), Matt Penman (cb), Eric Harland.

Baptiste Trotignon, Suite... (Naïve, 2009)
El pianista francés Baptiste Trotignon es un gran desconocido en nuestro país a pesar de la dilatada trayectoria que ostenta en Francia. Los trabajos Share y Suite…, son los discos octavo y noveno respectivamente de una carrera musical brillante, a pesar de la nula difusión de sus grabaciones discográficas.

Grabado en Nueva York con músicos americanos y con la interpretación en su totalidad de temas del propio pianista en formato de dúo, trío, cuarteto o quinteto, Share se presenta como un disco variado en cuanto a contenido musical, con un pianismo a caballo entre la gran tradición afro-americana del jazz y la sonoridad y los planteamientos provenientes de la música culta europea. El piano de Trotignon se muestra en determinados momentos poderoso y enérgico, pero exhibiendo siempre un toque elegante, por momentos deliciosamente sofisticado en su parte melódica, pero con desarrollos musicales eminentemente románticos que no caen nunca en sentimentalismos gratuitos. La formación que acompaña al pianista transita entre aportaciones de gran efusión lírica como los temas “Samsara” o “Blue”, hasta la exuberancia interpretativa de “Mon Ange” o “Grey”. Algunos de los mejores momentos de la grabación provienen de la participación tanto de Tom Harrell como de Mark Turner, siempre espléndidos en los temas que colaboran.

Por el contrario, el compacto Suite… se encuentra conformado por tan sólo tres temas en directo (dos de un concierto en Londres y uno en Paris), siendo el principal del mismo el que da nombre al compacto, en concreto el de una suite compuesta de ocho partes con una duración ininterrumpida de cincuenta minutos. Esta suite, se encuentra estructurada en cinco partes principales (enumeradas como tales) introducidas en su inicio con un prólogo y unidas con dos interludios. Esta amplia composición nos permite disfrutar del mundo musical de Trotignon en toda su extensión, donde se mezclan momentos extremadamente aguerridos y de fuerte ímpetu interpretativo (en ocasiones de gran fiereza), como en la “Part III”, a otros de delicada sutileza, en donde es posible apreciar un gusto por las líneas armónicas pulidas pero de gran elegancia sonora, dotadas de ciertos elementos provenientes de la música culta europea. Al caudal interpretativo del líder no son ajenos en ningún momento el resto de la formación que acompaña al líder, empezando por un volcánico Eric Harland que ofrece unas aportaciones lucidas y brillantes, seguidas por unos solos siempre triunfantes de Jeremy Pelt, y muy especialmente Mark Turner con su sonido siempre idiosincrásico tanto en su construcción improvisatoria como en la expresividad de sus frases entrecortadas. La fuerza interpretativa y los diversos planteamientos que ofrece la suite harán de la misma una escucha interesante de principio a fin. El compacto se cierra con la balada “I Fall In Love Too Easily” y el tema “Flow”, procedente del anterior compacto reseñado, en donde Mark Turner hace gala de un gran despliegue interpretativo, un auténtico “tour de force” en el sentido más literal del término.

miércoles, 23 de febrero de 2011

JAMES MOODY: Moody 4B

JAMES MOODY:
Moody 4B

- James Moody: Saxo tenor.
- Kenny Barron: Piano.
- Todd Coolman: Contrabajo.
- Lewis Nash: Batería.

Grabado en los estudios Avatar, N.Y.
June 21 & 22, 2008, New York.

01.Take The A Train (4:31)
02. Hot House (9:12)
03. Speak Low (6:28)
04. Polka Dots & Moonbeams (9:51)
05. I Love You (6:46)
06. O.P. Update (5:19)
07. Nikara's Song (6:07)
08. Along Came Betty (6:17)
09. But Not For Me (6:42)


CD IPO Recordings
CD 2010

James Moody, Moody 4B (Ipo Recordings, 2010)
La presente novedad discográfica y esta entrada sirve de homenaje al fallecimiento a causa de un cáncer de páncreas el pasado 9 de Diciembre de 2010 de uno de los primeros saxo tenores del bebop: James Moody. Siendo uno de los mejores saxofonistas de su generación, Moddy también tocaba con asiduidad tanto el saxo alto como la flauta. Inicialmente influenciado por Lester Young, su gran oportunidad como músico le vino en el año 1946 cuando tuvo la posibilidad de unirse a la orquesta de bebop que ostentaba por aquellas fechas Dizzy Gilliespie, con el tiempo ello le proporcionó una larga y profunda amistad con uno de los máximos maestros de la trompeta del jazz (apuntar que a lo largo de los años 1963-1968, perteneció al quinteto que ostentaba el trompetista). Moody tuvo una extensa y prolífica carrera discográfica llegando a grabar entre otros para los sellos Blue Note, Xanadu, Vogue, Prestige, EmArcy, Mercury, Argo, Milestone, MPS, o Novus. Su gran éxito a nivel musical le vino de la interpretación del tema "I´m In The Mood for Love" en 1949 en el albúm titulado Moody´s Mood For Love, convirtiéndose en todo un éxito de ventas.

El compacto del sello IPO Records y que comentamos, parece ser por ahora la última grabación de James Moody como líder. Grabado el disco al día siguiente de otra sesión para la misma discográfica y que se publicó con el mismo grupo y bajo el nombre de Moody 4A, el saxo tenor nos presenta un repertorio a base de temas del cancionero americano, standards y dos temas originales (uno del pianista Kenny Baron y otro del contrabajista Toodd Coolman). El compacto no pasará a la historia de las grabaciones de jazz por sus interpretaciones, pero Moddy se encuentra comfortable en todo momento, desplegando un saxo pulido, elegante y por momentos cálido. Las mejores y más suculentas interpretaciones provienen del momento en que la sección rítmica que se convierte en trío, y muy especialmente a las aportaciones de un sensacional maestro de las teclas como es Kenny Barron. Barron demuestre por si sólo el porqué está considerado uno de los mejores pianistas de todos los tiempos, con un toque sobrio, siempre preciso y atento a secundar tanto al líder de la sesión como a la sección rítmica. Kenny Barron se encuentra sencillamente fantástico, al igual que la sección rítmica que les acompaña. La música que se obtiene a lo largo de toda la grabación es muy disfrutable y extraordinariamente interpretada lo que proporcionará grandes momentos de entretenimiento.

Señalar por último que, el presente trabajo en la ultima entrega de premios Grammy 2011 ha conseguido el premio al "mejor album instrumental". Un estupendo broche para una de las carreras musicales más interesantes en la historia del jazz.

SELECCIÓN James Moody CD:

Moody´s Mood For Blues 1955 (Prestige/Original Jazz Classics):
Durante mediados los años cincuenta, Moody ostentó un grupo que interpretaba música que lindaba entre el bebop i el rhythm&blues. En esta grabación la presencia de la voz de Eddie Jefferson y de Iona Wade, junto con los solos del líder de la sesión, proporcionan uno de los mejores trabajos de los años 50.

Return From Overbrook 1958 (Chess):
Otro de los mejores álbumes de Moody de los años 50, en donde sus solos atmosféricos y elegantes proporcionan lecturas de temas tan clásicos como “Parker´s Mood”, “Body and Soul” o “Easy Living”. De nuevo nos encontramos la presencia vocal de Eddie Jefferson.

Don´t Look Away Now! 1969 (Prestige/Original Jazz Classics):
Un trabajo efectivo tanto con el saxo tenor como con el alto junto con la presencia de un estupendo Barry Harris al piano, proporcionan un sesión correcta pero en la línea musical que llevaba a cabo Moody por esos años

Our Delight, The James Moody & Hank Jones Quartet 2008 (IPO Records):
Esta compacto fue el encuentro por primera vez en un estudio de grabación de dos gigantes del jazz. Moody y Jones ofrecen una colección de temas conformado por standards y originales, en donde la música resultante es extremadamente relajante y refinada, sin ningún tipo de esfuerzo. Música para disfrutar en toda su extensión.

martes, 22 de febrero de 2011

LIBRO: Música para leer. DEREK BAILEY: La improvisación. Su naturaleza y su práctica en la música.

LIBRO: MÚSICA PARA LEER
La improvisación. Su naturaleza y su práctica en la música.

Derek Bailey
Prólogos de Ildefonso Rodríguez y Agustí Fernández
Traducción de Mariano Peyrou
Publicado por Ediciones Trea, Colección: Trea Artes
Idioma: Castellano.

2010

Derek Bailey, La Improvisación (Ediciones Trea, 2010)

Publicado por vez primera en 1980 en el Reino Unido, y actualizada en una nueva edición en 1992 (que sirve de base a la que ahora se ofrece al lector español), aparece por primera vez en castellano (todo y que se tenía conocimiento de alguna traducción a nivel particular, pero que nunca vio la luz), La improvisación: Su naturaleza y su práctica en la música. El presente libro es la primera obra que se enfrenta a la naturaleza de la improvisación en todas sus formas (música india, flamenco, barroco, música de órgano, rock, jazz, free music…)

A través de conversaciones con algunos de los más importantes improvisadores de diversas tendencias (como John Zorn, Jerry García, Paco Peña, Steve Lacy, Lionel Saler, Earle Brown, Max Roach, Evan Parker, Ronni Scott…), Derek Bailey (Sheffield, 1930-Londres, 2005) ofrece una visión clarividente de la enorme gama de posibilidades que tiene la práctica de la improvisación a la vez que confirma su importancia como base de toda creación musical.

En palabras del pianista Agustí Fernández, autor del prólogo para esta edición, este “fue un libro pionero, un libro que abrió un camino, el primer libro que habló de la improvisación como un hecho musical específico y autónomo, tratándola como lo que es: un mundo completo en sí mismo, tan rico y variado que abarca muchas y muy diferentes prácticas en su interior. Con este libro, Derek Bailey empezó a dibujar el mapa de la improvisación musical como si fuera un territorio a explorar, y este esbozo de mapa se convirtió en el punto de partida y matriz a la cual todos los libros posteriores se han tenido que referir ne­cesariamente”. Con su publicación, “son muchos los músicos que se beneficiarán, ahora y en el futuro. Y es que tanto para los veteranos que llevan ya años dedicándose a esta música como para los más jóvenes y curiosos que, mordidos por la picadura de la improvisación, desean unas pautas de referencia claras para poder empezar a dedicarse a ello, este libro será una referencia, como lo es en todos los países donde se ha traducido”.

La traducción al castellano permitirá por vez primera tanto al aficionado a la música jazz como al seguidor de la libre improvisación, disfrutar y entender las circunstancias del acto improvisatorio como fuente creativa única y fundamental.

lunes, 21 de febrero de 2011

ARETHA FRANKLIN: Take a Look. Aretha Franklin Complete on Columbia

ARETHA FRANKLIN: 
Take a Look. Aretha Franklin Complete on Columbia

La presente novedad celebra el 50 aniversario de la carrera como intérprete de Aretha Franklin (en la actualidad se encuentra gravemente enferma), presentando todos los discos grabados para el sello discográfico Columbia, incluyendo las grabaciones originales así como material inédito, interpretaciones o ejecuciones no emitidas, mezclas en mono y conversaciones de estudio, todo ello presentado en una caja a todo lujo de 12 discos (11 CDs + DVD).



Foto promocionmal de la caja conmemorativa de Columbia Records.
La caja conmemorativa de Columbia se encuentra conformada por 12 discos y acompañado de un lujoso libro a todo color de 64 páginas. El libro cuenta con amplias y nuevas notas sobre las grabaciones, incluyendo una discografía completa de la cantante.

Take a Look presenta:

Las ediciones ampliadas de los siete álbumes originales grabados para el sello discográfico Columbia:
 
Aretha (con el grupo de Ray Bryant) (publicado el 27 de febrero 1961)
The Electifying Aretha Franklin (1962)
The Tender, the Moving, the Swining Aretha Franklin (1962)
Laughing On The Outside (1963)
Unforgettable-A Tribute To Dinah Washington (1964)
Runnin 'Out Of Fools (1965)
Yeah!!! In Person With His Quartet (en dos secuencias: la original de 1965, álbum grabado en vivo en el estudio con aplausos y mezclado, seguido por una nueva versión inédita sin el ambiente).

Dos CD que reflejan las colaboraciones de Aretha con los influyentes productores Bobby Scott y Clyde Otis, colaboraciones que eran dejadas de lado o publicados como sencillos, pero nunca en LP:
 
Tiny Sparrow: The Bobby Scott sessions (1963)
Take a Look: The Clyde Otis sessions (1964)

Se acompañan igualmente dos CD que se presentan como nuevas compilaciones:
 
A Bit of Soul (el álbum completo, que ya fue compilado en 1965, pero que nunca fue publicado).
The Queen In Waiting (compacto que incluye las últimas grabaciones de Aretha Franklin en Columbia y producido por Bob Johnston, conocido por su trabajo durante este período con Bob Dylan).

Y finalmente un DVD extra, Aretha '64! Live on Steve Allen Show, que cuenta con Aretha cantando y tocando el piano en el programa de televisión del legendario presentador en la primavera de 1964.

Aretha entró en Columbia como una artista soul, pero con el tiempo, la compañía parece ser que comenzó a adentrarla en su catálogo de jazz, como se demuestra en Unforgettable: a tribute to Dinah Washington (1964), en el que rinde homenaje a una de sus grandes ídolos. Aretha no estaba de acuerdo con esta guía, ya que se sentía como una artista soul y no como una dama del jazz, aunque en esa época se pudo comprobar la versatilidad musical que poseía y en donde se pueden encontrar muchas de sus más bellas melodías como por ejemplo "Sweet bitter love", "Skylark", "Try a little Tenderness" y muchas otras. Esto fue lo que motivo la salida por decisión propia de Aretha Franklin, pasando al sello discográfico Atlantic, lugar en donde se le potenció su veritente más soul.
Una caja que es un pequeño capricho para los aficionados al buen pop y soul, y un gran homenaje a una de las mejores cantantes de color de todos los tiempos.

jueves, 17 de febrero de 2011

YUSEF LATEEF: Yusef Lateef, Yusef's Mood- Complete 1957 Sessions, With Hugh Lawson

Yusef Lateef 
Yusef's Mood- Complete 1957 Sessions, With Hugh Lawson (4 CD)

- Yusef Lateef (st, fl, argol, tambourine, voz y otros instrumentos).
- Curtis Fuller (tb, tambourine, Turkish finger cymbals).
- Wilbur Harden (flgh, tambourine).
- Hugh Lawson (p, metalphone y otros instrumentos).

Fresh Sound Records
FSR CD493 y CD494
4 CD
REEDICIÖN

Yusef Lateef, Yusef´s Mood-Complete 1957 Sessions with Hugh Lawson (Fresh Sound Records, 2010)

El trabajo de reedición que está llevando a cabo Fresh Sound Records es uno de los más importantes a lo largo de los últimos años, no sólo por el buen numero de grabaciones que está reeditando, sino por la recuperación de material de muy difícil adquisición y especialmente por la calidad del mismo (no sólo musical sino también documental). Este es el caso del estupendo cofre de cuatro compactos de Yusef Lateef, Yusef's Mood- Complete 1957 Sessions With Hugh Lawson.

La música comprendida en estos compactos (y referenciada de forma cronológica a lo largo de ocho sesiones de grabación) hace hincapié en los primeros discos que como líder publicó el multi-instrumentista, arreglista y compositor Yusef Lateef entre Abril y Octubre de 1957 con la formación que dos años atrás había conformado, y que aparecieron publicados en los sellos discográficos Savoy, Verve y Prestige (algunos de ellos piezas importantes en el desarrollo del jazz como movimiento cultural y estilístico). El elenco de músicos que aparecen en estas grabaciones son de una calidad indiscutible, a pesar de la juventud que por aquellos tiempos ostentaban: Curtis Fuller, Louis Hayes, Oliver Jackson, Ernie Farrow, y muy especialmente el pianista Hugh Lawson. En 1957 Lateff tenía la edad de treinta y siete años, y ya constaba en su currículo un buen número de participaciones con músicos de renombrado talento como eran Hots Lips Page, Roy Eldridge o el mismísimo Dizzy Gilliespie. 1957 fue un año especialmente fructífero para Lateff a tenor de la gran cantidad de temas de composición propia que llegó a grabar, lo que demostró que se encontraba en pleno desarrollo como músico pero especialmente como compositor y arreglista. Facetas estas últimas que han sido puestas de manifiesto a lo largo de su extensa carrera discográfica.

La música que se puede deleitar en estos compactos nos permiten prestar atención al gusto del saxofonista por la mezcla de una fuerte tradición musical americana junto con una vertiente más innovadora y creadora, en concreto al añadido de elementos de la cultura tanto asiática como africana. Hay que recordar que Yusef Lateff (cuyo nombre y apellido original eran William Evans) fue uno de los primeros músicos de jazz en el estudio de otras culturas musicales, lo que le ha conllevado una extraordinaria versatilidad como intérprete, así como una tendencia a utilizar a lo largo de su dilatada carrera como músico instrumentos de creación propia.

Tanto Lateff como el resto de músicos nos presentan una música en donde exploran nuevos sonidos gracias a las aportaciones de instrumentos étnicos, lo que incorpora al grupo unos elementos y armonías bien diferentes de los instrumentos más tradicionales en el jazz. Estas nuevas sonoridades no se encuentran reñidas en absoluta con la tradición jazzística, y por ende es posible escuchar a un saxo tenor robusto, lleno de sensibilidad y de extraordinaria musicalidad, tan sólo hay que escuchar los temas procedentes de la sesión de 9 de Abril de 1957 para comprobarlo: “G.Bouk”, “Blues In Space””, y “Yusef´s Mood”. E incluso se puede afirmar que resulta curioso percibir ciertos temas con claras influencias bop, como ocurre en la sesión de 16 de Abril de 1957 de la se público el trabajo “Before Dawn”; en ella aparece una versión del tema de Charlie Parker “Constellation” y que certifica la maestría de Lateff en un material totalmente straigh-ahead.

Pero es sin duda alguna la aportación de instrumentos étnicos junto a los instrumentos más tradicionales del jazz, donde se encuentra la música más interesante de estas grabaciones. Esa mezcla de armonías, sonidos, tonalidades y efectos diversos produjo trabajos discográficos de la talla de Jazz and the Sounds of Nature, Prayer to the East y Other sounds. En ellos se pueden apreciar extensas improvisaciones a cargo tanto del mismo grupo como del saxofonista, y en donde la aparición de instrumentos inusuales en el jazz, permiten desarrollos un tanto monotemáticos por momentos pero interesantes en su conjunto. Las improvisaciones y el sonido de Lateff es penetrante y muy harmonioso tanto a nivel rítmico como instrumental, lo que le confiere un discurso musical en diferentes dimensiones y matices lo que provoca un resultado muy heterogéneo, profundo, con muchas texturas y exploraciones, pero ante todo ecléctico y muy innovador para la época en que se llevaron a cabo esta grabaciones. A pesar de todo ello, estos discos no dejan de respirar una fuerte tradición jazzística. A modo de ejemplo señalar los temas “A Night In Tunisia” de Dizzy Gilliespie con su introducción africana, o el clásico tema de Duke Ellington “Take The “A” Train” interpretado a la flauta.

En definitiva, una fantástica recuperación de los primeros discos como líder de Yusef Lateff que bien vale la pena disfrutar y que no debería pasar por alto en la ingente cantidad de discos que hoy en día se editan.

martes, 15 de febrero de 2011

BRAD MEHLDAU: Anne Sofie Von Otter & Brad Mehldau, Love Songs

A la espera de la aparición de su próximo disco en el sello discográfico Nonesuch (un concierto en solitario Live in Marciac grabado en 2006), los seguidores y aficionados al pianista americano Brad Mehldau, se pueden deleitar por ahora con su último y más reciente proyecto. Un disco a dúo con la cantante mezzo-soprano sueca, Anne Sofie Von Otter:

ANNE SOFIE VON OTTER & BRAD MEHLDAU:
Love Songs

Anne Sofie Von Otter: Mezzo-soprano.
Brad Mehldau: Piano.

CD 1:
Brad Mehldau. love songs
1-7. Love songs,
para mezzosoprano y piano
sobre poemas de Sarah Teasdale con música de Brad Mehldau

CD 2:
01- Léo Ferré: Avec le temps
02- Barbara: Pierre
03- Joni Mitchell: Marcie
04- Richard Rodgers: Something Good
05- Michel Legrand: "Chanson de Maxence" (de Las señoritas de Rochefort)
06- Jacques Brel: Chanson des vieux amants
07- Fred. E. Ahlert: Sakta vi gå genom stan
08- Lars Färnlöf: Att Angöra en Brygga
09- Barbara: Dis, quand reviendras-tu?
10- Michel Legrand: "What are you doing the rest of your life?" (de Con los ojos cerrados)
11- Bob Telson: Calling you (de Bagdad Café)
12- John Lennon / Paul McCartney: Blackbird
13- Leonard Bernstein: Some other time (de On the town)

Naïve
CD 2010


Anne Sofie Von Otter & Brad Mehldau, Love Songs (Naïve, 2010)
Love Songs tal y como índica el título y los créditos del mismo, es un trabajo que se dedica e inspira en la temática amorosa de las canciones. Con dos compactos bien diferenciados,  el primero conformado principalmente sobre poemas de Sarah Teasdale y musicados por Mehldau, y un segundo basado en un repertorio de temas clásicos y modernos.

No es la primera vez que Brad Mehldau realiza un trabajo discográfico a duo con una cantante, tenemos que recordar el estupendo trabajo Love Sublime (Nonesuch Records, 2006) con la soprano norteamericana Renée Flemning, y en donde el pianista ponía música a los poemas del Libro de las horas del poeta alemán Rainer Marie Rilke (autor del magnífico libro Cartas a un joven poeta). La vertiente más intelectual e inquieta de Mehldau viene de lejos, ya es posible observar esta inspiración en su trabajo en solitario Elegiac Cycle (Nonesuch Records, 1999), en donde la vena más romántica e intelectual se apreciaba en todo el proyecto, muy especialmente en las notas que acompañan al compacto con la reflexión sobre el romanticismo y la cita de personajes como Thomas Mann, Beethoven, Brahms o Schumann.

Según cuenta la propia Anne Sofie Von Otter en una entrevista que se encuentra en la misma carpetilla del compacto que, tras escuchar el mencionado disco de Mehldau con Renée Fleming pensó en realizar un proyecto parecido. Para ello se puso en contacto con Mehldau y en un espacio muy breve de tiempo idearon y pensaron en como llevar a cabo este proyecto, el cual vio finalmente la luz con el nombre de Love Songs.

El primer compacto se encuentra dedicado en su casi totalidad a los poemas de Sarah Teasdale (con la excepción de los poemas de Philip Larkin y E.E. Cummings), con música compuesta en su totalidad por Brad Mehldau. La intelectualidad musical de Mehldau se mueve entre la sobriedad y la economía de medios expresivos, y  desde su visión como acompañante permite una perfecta cohesión de dos mundos tan distintos como son la música culta (con claras reminiscencias al lieder alemán) y el jazz. A pesar de ello, Mehldau, y siempre respetando la belleza vocal de la cantante, despliega algunos de los elementos más característicos de su pianismo, pero encontrándose en todo momento comedido y respetuoso. En cambio el segundo compacto presenta un repertorio más "natural" y variado a la musicalidad de Mehldau, desde el tema de Richard Rogers "Something Good", pasando por una composición de John Lennon y Paul McCartney "Blackbird" y llegando hasta la compositora y cantante canadiense Joni Mitchell "Marcie", entre otros. El común denominador de los temas es su fuerte carácter melódico y emocional, todo ello con una excelsa y profunda expresividad por parte de Von Otter, demostrando en todo momento sentirse cómoda y confortable en el variado repertorio escogido, muy especialmente en los temas que canta en francés. Ante todo ello Mehldau obtiene su propio espacio musical que aprovecha en toda su extensión, con un pianismo más amplio y comprometido en ideas y expresión, sabe estar como perfecto acompañante pero también aporta ideas y abre caminos musicales acordes con su personalidad como intérprete, mencionar la excelente versión del tema "Blackbird", donde Mehldau se mueve como pez en el agua. Sinceramente Mehldau esta estupendo, como no se podía esperar otra cosa de él.

Los proyectos que mezclan componentes de música culta y jazz corren el riesgo de caer en la complacencia o el aburrimiento, éste no es el caso de la presente grabación, pero a buen seguro a más de un seguidor del pianista americano proyectos como el comentado lo encontrará árido o pesado, pero las inquietudes musicales e intelectuales del considerado hoy por hoy uno de los mejores pianistas del jazz, ofrecen en definitiva una magnifica y deleitable grabación, de la cual no queda otra cosa que recomendar su escucha, y por supuesto su disfrute.

viernes, 11 de febrero de 2011

MILES DAVIS: Miles Davis & Sam Rivers, Live in Japan, July 12 & 15, 1964

MILES DAVIS Quintet
The Unissued JAPANESE CONCERTS
Tokyo, July 12, 1964
Kyoto, July 15, 1964

- Miles Davis: Trompeta.
- Sam Rivers: Saxo tenor.
- Herbie Hancock: Piano.
- Ron Carter: Contrabajo.
- Tony Williams: Batería.

Tracklist:

CD 1:
Live in Tokyo, July 12, 1964
1.- AUTUMN LEAVES 11:08
2.- SO WHAT 8:41
3.- STELLA BY STARLIGHT 10:58
4.- WALKIN' into THE THEME 9:47
Total Time: 40:36
CD 2:
Live in Kyoto, July 15, 1964
1.- IF I WERE A BELL 10:44
2.- OLEO 5:22
3.- STELLA BY STARLIGHT 8:56
4.- WALKIN' 7:21
5.- ALL OF YOU 10:11
6.- SEVEN STEPS TO HEAVEN 2:56
Total Time: 45:32

CD1: Hibaya Yagai Ongaku-do Hall, Tokyo, Japan, July 12, 1964.
CD2: Maruyama Ongaku-do Hall, Kyoto, Japan, July 15, 1964.

Domino Records.
2 CD 2011
INÉDITO

Miles Davis Quintet, The Unissued Japanese Concertss (Domino Records, 2011)

Se ha publicado recientemente por el sello discográfico Domino Records las famosas y por ahora no publicadas grabaciones de la gira de conciertos que Miles Davis llevó a cabo en 1964 por Japón junto al saxofonista Sam Rivers. La importancia de la presente edición radica en que se tenía conocimiento de estas dos grabaciones, tan sólo circulaban entre los coleccionistas de bootlegs los mencionados conciertos, pero en el presente año finalmente han salido publicadas bajo el paraguas de un sello discográfico independiente.

Miles había formado un grupo completamente nuevo a mediados de 1963, que tenía por objeto sustituir el excelente y superlativo quinteto con John Coltrane, Wynton Kelly, Paul Chambers y Jimmy Cobb (también conocido como el primero quinteto). La nueva formación ya incluyó tres de los miembros de lo que sería su segundo gran quinteto: Herbie Hancock al piano, Ron Carter en el contrabajo y Tony Williams en la batería. Sin embargo, encontrar el saxofonista tenor resultaría ser una labor mucho más ardua y difícil. La primera opción fue George Coleman, pero no acabó de encajar en el grupo (al baterista Tony Williams le disgustaba mucho su forma de tocar), lo que a la larga precipitaría su salida. A la marcha del mismo Williams recomendó Sam Rivers a Miles Davis, un hombre de Boston y a quien conocía perfectamente, lo que hizo que finalmente se uniera al quinteto de Miles en abril de 1964. Fruto de esta colaboración y antes del viaje y gira por Japón, parece ser que hubieron diversas fechas de conciertos en Estados Unidos con el grupo, actuaciones en el Shrine Auditorium de Los Angeles (3 de abril) y en el Village Vanguard en Nueva York (mayo 7-12).

En la discografía del estudioso Peter Losin se señala con respecto a la gira de Miles Davis por Japón en 1964 que "aunque varios conciertos japoneses fueron reservados, el Quinteto de Miles Davis aparentemente realizó sólo tres: en el Hibaya Yagai Ongaku Hall de Tokyo (12 de Julio); en el Shinjuku Kohseinenkin Hall de Tokyo (14 de Julio), y en el Ongaku Maruyama Hall de Kyoto (15 de julio)". Aunque las actuaciones eran ciertamente exitosas, la relación entre Miles y Rivers no era del todo fluida, circunstancia esta que afectó a la hora de desarrollar los conciertos. Sam Rivers abandonó el quinteto tan pronto como el grupo regresó a los Estados Unidos, y para su sustitución Miles Davis fichó finalmente al saxo tenor que quería para su grupo: a Wayne Shorter, que por aquellas fechas había dejado la dirección de los Jazz Messengers de Art Blakey, uniéndose al quinteto para un concierto en el Hollywood Bowl el 4 de septiembre de 1964.

No parece que hayan otras grabaciones de Miles Davis con Sam Rivers fuera de los tres conciertos de 1964 en Japón, todo y que Miles Davis en su autobiografía (DAVIS, Miles & TROUPE; Quincy, Miles, La Autobiografía; Gubern, Jordi (trad.). 1ª edición Barcelona: Ediciones B, 1991, 272 pag. ISBN 84-406-1975-8) señala que, "viajamos a Tokio para dar allí unos conciertos. Era mi primera visita al Japón; ... tocamos en Tokio y en Osaka". Como se puede apreciar Miles Davis habla de un concierto en la ciudad de Osaka (con posible fecha del mismo el 13 de Julio de 1964), circunstancia esta que ha creado entre los estudiosos de la discografía de Miles la duda de si este concierto existió realmente, llegándose a afirmar que el mismo fue grabado por una emisora de radio, pero la cinta del susodicho concierto nunca ha visto la luz entre los coleccionistas de rarezas y discos no oficiales a pesar del transcurso de los años. Incluso el crítico de jazz japonés Tosiyuki Nomoto llegó a afirmar que "la cinta del concierto del 13 Julio todavía duerme en los archivos de la radio que llevó a cabo la grabación, y que no había sido escuchada por nadie". Es una incógnita que todavía queda por desvelar, pero más de un especialista opina que este concierto no se llevó nunca a termino. El concierto del 14 de julio se publicó oficialmente en LP con el nombre de Miles in Tokyo por la casa de discos CBS/Sony y apareciendo inicialmente sólo en Japón, siendo reeditado a lo largo de los años en múltiples ocasiones:




Portadas oficiales de CBS del concierto fechado en 14 de Julio 1964.

Esta es la primera vez que las actuaciones del 12 y 15 de Julio de 1964 aparecen en cualquier formato, salvo las grabaciones que los coleccionistas de bootlegs ya hace años poseían:







Portadas bootlegs de los conciertos de 12 y 15 Julio de 1964.

Por lo que se refiere a la música contenida en el doble compacto del sello discográfico Domino Records, nos encontramos con el repertorio que por aquellas fechas desarrollaba el quinteto de Miles Davis, temas como "If I Were a Bell", " My Funny Valentine", "So What" o "Walking", que mediante este nuevo disco es posible escuchar en versiones bien diferentes, así como tres temas nuevos "no conocidos" de "Autumn Leaves", "Stella by Sarlight" y la clásica composición de Sonny Rollins "Oleo". En lo concerniente a la calidad del sonido apuntar que es perfectamente audible tanto la trompeta de Miles Davis como el saxo tenor de Sam Rivers, aunque en algún momento la sección rítmica se escucha un tanto alejada. Aún así, la calidad de la misma es realmente buena, lo que debe de hacer de los amantes y coleccionistas de la música de Miles Davis, una pieza que bien vale la incorporación a toda discoteca que se precie. Una pequeña joya que no se debe de dejar pasar.

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