martes, 28 de agosto de 2012

FOTO: NOAH PREMINGER QUARTET featuring BEN MONDER: Fotos concierto Jamboree (Barcelona). 10è Festival Mas i Mas

FOTO: NOAH PREMINGER QUARTET featuring BEN MONDER. Fotos concierto Jamboree (Barcelona). 10è Festival Mas i Mas

- Noah Preminger: Saxo tenor.
- Ben Monder: Guitarra.
- Masa Kamaguchi: Contrabajo.
- Colin Stranahan: Bateria.

Jamboree Jazz Club, Barcelona.
10è Festival Mas i Mas.
25 Agosto 2012


Noah Preminger  © Photo by Joan Carles Abelenda


Noah Preminger & Ben Monder © Photo by Joan Carles Abelenda




lunes, 27 de agosto de 2012

OLIVIER BOGÉ: Imaginary Traveler

OLIVIER BOGÉ:
Imaginary Traveler

- Olivier Bogé: Saxo.
- Pierre Perchaud: Guitarra.
- Tony Paeleman: Piano y Rhodes.
- Nicolas Moreaux: Contrabajo.
- Karl Jannuska: Batería.

1. Echoes of a Million Thoughts 8:07
2. The Enlightened Path 5:28
3. Petreto Bicchisano 6:38
4. Child’s Dream 6:53
5. Signs 6:43
6. Don’t Be Afraid 9:27
7. Imaginary Traveler 5:54
8. Ya Magou Gavarit (I Can Speak) 8:49

Fresh Sound New Talent
FSNT 399
CD 2012

Olivier Bogé, Imaginary Traveler (Fresh Sound New Talent,  2012)

Más de un lector de este blog sabe de mi gran afición por los pianistas, pero además de decantarme por este tipo de instrumentistas, también tengo una gran inclinación y devoción por los músicos europeos y por el jazz que desarrollan con independencia de su nacionalidad. Hoy en día se puede afirmar de forma clara y rotunda que algunas de las propuestas musicales más innovadoras e interesantes que se llevan a cabo, provienen del viejo continente europeo. 

El primer trabajo como líder del saxofonista francés Olivier Bogé es todo un grato descubrimiento para los oídos. La propuesta musical que nos presenta el saxofonista francés (con un repertorio de temas completamente originales), es de una extraordinaria riqueza creativa musical, detentando como pilar sonoro un lenguaje moderno y actual, todo ello acompañado con ciertas pinceladas de hard-bop y algunas ideas de rock. Con Imaginary Traveler el saxofonista Olivier Bogé demuestra un enorme caudal de ideas musicales, pasando por composiciones con un fuerte tono improvisatorio como “The Enligtened Path” o “Don´t Be Afraid”, mientras que en otras exhibe un lenguaje que mezcla lirismo, melodía y ritmo como en el tema que da título al compacto o en “Ya Magou Gavarit (I Can Speak)”. Es la combinación de los elementos señalados lo que confiere a este compacto la enorme riqueza musical que destila, y muy especialmente por sus aportaciones melódicas, sus sonoridades rítmicas, sus momentos heterogéneos o sus extraños y anómalos momentos líricos. 

Pero siendo la base del éxito de este compacto las composiciones del líder, un segundo elemento vital para el desarrollo del mismo son las sublimes contribuciones del grupo que acompaña a Bogé, siendo las mismas el sustento musical no sólo del líder de este proyecto, sino de la grabación propiamente dicha. Esta circunstancia queda resaltada por el propio saxofonista francés al señalar de forma expresa en la notas que acompañan en la carpetilla del compacto, que esta grabación no existiría sin ellos, y que el álbum es el fruto de un prolongado período de relación tanto personal como musical. Hay que destacar el excelente trabajo de la guitarra incisiva de Pierre Perchard; las sonoridades musicales del piano y rhodes de Tony Paeleman y la desbordante energía del baterista Karl Jannuska, valga como ejemplo el acompañamiento que llevan a cabo en el tema inicial del compacto “Echoes of a Million Thoughts”, una auténtica maravilla sonora. La interacción, equilibrio y comunicación a nivel de grupo es el factor decisivo para que Imaginary Traveler pueda ser considerado todo un viaje musical, nada imaginativo, sino todo lo contrario, muy real. 

Un estupendo y excitante descubrimiento el primer trabajo de este saxofonista francés. A descubrir.


martes, 21 de agosto de 2012

VON FREEMAN: The Great Divide

VON FREEMAN:
The Great Divide

- Von Freeman: Saxo tenor.
- Jimmy Cobb: Batería.
- Richard Wyands: Piano.
- John Webber: Contrabajo.

01. Von: “Yor Ready?” :12
02. Be My Love 8:23
03. Never Fear Jazz Is Here 3:26
04. This is Always 9:25
05. Chant Time 6:30
06. Von: “Everybody Mellow?” :15
07. Blue Pres 7:45
08. Disorder At The Border 4:04
09. Hard Hittin´ 3:52
10. Violets For Your Furs 7:27

Premonition Records
66917 90759 2 1
CD 2004

Von Freeman, The Great Divide (Premonition Records, 2004)


La presente entrada en el blog es para realizar un homenaje a raíz de la reciente muerte en Chicago (el 11 de Agosto de 2012) del saxofonista americano Von Freeman a consecuencia de un fallo cardiaco. Freeman fue músico muy poco valorado y que no gozó nunca de un excesivo éxito “mediático” (del que si disfrutó su hijo el también saxofonista Chico Freeman), a pesar del reconocimiento que si tuvo por parte de los aficionados y de los propios músicos.

Earl Lavon Freeman (conocido como Von Freeman a nivel artístico y como “Vonski” para sus admiradores) nació el día 3 de Octubre de 1922, era hijo de un policía amante del ragtime y de una ama de casa que tocaba la guitarra. Freeman desde muy pequeño (a la temprana edad de dos años) empezó de forma autodidáctica a tocar música, consecuencia natural de encontrarse rodeado de un ambiente musical propicio para ello, su abuelo materno y su tío fueron guitarristas, y sus hermanos, George Freeman y Bruz Freeman también se convirtieron en músicos de jazz, como guitarrista y baterista respectivamente. Von Freeman aprendió a tocar el saxo en la célebre DuSable High School, empezando su carrera como profesional a la edad de dieciséis años en la orquesta de Horace Henderson. Posteriormente se enroló en la marina durante el período de la Segunda Guerra Mundial, llegando a tocar en la banda de música mientras duro su alistamiento militar.

Tras su licenciamiento de la marina y su vuelta a Chicago, lidera junto a sus hermanos George Freeman y Bruz Freeman un grupo que se convirtió en residente en el famoso club Pershing del Hotel Ballroom de Chicago. Este grupo sirvió como sección rítmica para algunos de los mejores músicos que llegaron a pasar por el club, como por ejemplo Charlie Parker, Roy Eldridge, Dizzy Gillespie o Lester Young, entre otros. Durante la década de los años cuarenta Freeman llegó a participar en un grupo en el Club DeLisa, en donde Sun Ra tocaba ocasionalmente el piano, llegando este último a liderar el conjunto.

Durante la década de los años 50 Von Freeman tocó con un buen número de músicos en muchos conciertos, pero hay que esperar hasta el año 1972 para poder ver su primer disco como líder en el sello discográfico Atlantic, Doin´ It Right Now. Este disco fue producido por Rahsaan Roland Kirk, llegando incluso a participar como músico en la mencionada grabación. Tuvieron que pasar más de tres años para volver a grabar como líder en el sello discográfico Nessa. A pesar de ello las grabaciones de Von Freeman siempre han sido relativamente escasas e intermitentes para el enorme caudal musical y calidad interpretativa que ostentaba. El saxofonista se podría decir que fue especie de héroe para la gran cantidad de músicos que había en Chicago (algunos de ellos han reconocido la influencia de Freeman en su música), ciudad en la que desarrolló su carrera musical tanto de actuaciones como de grabaciones. Su resistencia a dejar Chicago (salvo en contadas ocasiones para alguna gira), le costó en buena medida que fuera poco conocido por su arte, y en consecuencia encontrarse apartado del circuito más comercial. A pesar de ello, este año recibió uno de los premios más prestigiosos dentro del mundo del jazz, el “Master of National Endowment for the Arts 2011-2012” (Maestro del legado nacional de las artes).

Von Freeman ha trabajado con la AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) entre ellos el conocido Muhal Richard Abrams. Sin ser un músico de la escuela del free jazz, Von Freeman exhibía en su interpretación pinceladas y rasgos provenientes de este estilo musical pero detentando un sonido muy característico y poco ortodoxo, lo que le permitía experimentar dentro del jazz más académico así como en las fronteras del jazz más vanguardista.

La trayectoria de este músico deja para la leyenda y la historia del jazz la anécdota cuando Miles Davis en el año 1950, telefoneó al saxofonista en el momento que estaba buscando un relevo para John Coltrane en su grupo, Freeman parece ser que nunca le devolvió la llamada al gran maestro de la trompeta, lo que posiblemente le privó de pertenecer a uno de los mejores grupos de músicos que existía por esas fechas.

El compacto que se comenta, The Great Divide (Premonition Records, 2004) es una de las mejores grabaciones del saxofonista de Chicago y un claro ejemplo de las influencias que ha tenido a lo largo de su carrera musical. Así mismo servirá para apreciar ese estilo que le caracterizó tan poco ortodoxo, extremadamente personal, único e intransferible.

Esta grabación sirve de entrada para rendir homenaje a los músicos que han influenciado a Von Freeman, en concreto, las figuras de Coleman Hawkins, Lester Young y Charlie Parker. Así lo podemos apreciar en las notas que acompañan en la carpetilla del compacto y en donde Freeman habla en diversas ocasiones de ellos. Sintomáticas y claras son las primeras palabras al señalar textualmente que, “Hawk (Coleman Hawkins) y Pres (Lester Young), esos sonidos definieron el saxofón en el jazz”. Con ello reconoce a estos dos músicos como los primeros modelos a seguir en su instrumento hasta que posteriormente apareció la influencia de las innovaciones de Charlie Parker, para reconocer que “Bird fue el tercer factor para mí”. Como homenaje a Parker en esta grabación Freeman incluyó la balada “This Is Always”, un tema que Bird llegó a tocar y en donde Freeman suena muy al estilo Parker con ciertas sonoridades y reminiscencias a lo Lester Young.

Los temas de este compacto mezclan la sonoridad melosa de Lester Young, el swing más vigoroso y harmonioso de Coleman Hawkins y la frenética libertad creadora de Charlie Parker, todo ello aderezado con esa sabía mezcla de experimentar entre sonoridades clásicas en la parte más melódica y la inclusión de elementos más vanguardistas en lo referente a la improvisación. Algunos de estos sonidos más vanguardistas son apreciables incluso en momentos no estrictamente improvisatarios, ofreciendo por instantes un sonido oscuro, extraño, pero tremendamente personal. Ese sonido es especialmente perceptible en los temas originales que aporta el propio saxofonista como son “Never Fear Jazz Is Here”, “Chant Time” o “Hard Hittin´”. El tema que cierra el compacto es una balada interpretada por Von Freeman en solitario, lo que ofrece la posibilidad de saborear y deleitar el sonido tan personal del saxo tenor americano. Freeman se encuentra secundado a la perfección por una sección rítmica solvente y con oficio liderada por Jimmy Cobb a la batería, Richard Wyands al piano y John Webber al contrabajo.

En definitiva, una de las mejores grabaciones de uno de los mejores saxo tenores en la historia del jazz y que servirá para que más de un aficionado pueda descubrir a un excelente músico que no tuvo la fortuna de ser reconocido en vida por su arte.

viernes, 17 de agosto de 2012

JESSE STACKEN: Bagatelles for Trio

JESSE STACKEN:
Bagatelles for Trio

- Jesse Stacken: Piano.
- Eivind Opsvik: Contrabajo.
- Jeff Davis: Batería.

01.- Bagatelle No. 1 (4:06)
02.- Bagatelle No. 2 (2:58)
03.- Bagatelle No. 3 (5:20)
04.- Bagatelle No. 4 (4:53)
05.- Bagatelle No. 5 (4:46)
06.- Bagatelle No. 6 (4:15)
07.- Bagatelle No. 7 (3:42)
08.- Bagatelle No. 8 (3:43)
09.- Bagatelle No. 9 (4:22)
10.- Bagatelle No. 10 (4:28)
11.- Bagatelle No. 11 (4:15)
12.- Bagatelle No. 12 (6:40)
13.- Bagatelle No. 13 (2:13)


Fresh Sound New Talent
FSNT 398
CD 2012

Jesse Stacken, Bagatelles for Trio (Fresh Sound New Talent, 2012)

Según la definición del diccionario de música de Harvard que aparece en la carpetilla del compacto, se entiende por bagatela, “una pieza corta sin pretensiones, a menudo para piano y en la mayoría de las veces presentada en un conjunto de ritmos y ambientes contrastados”. Junto a esta definición, el propio Jesse Stacken afirma que a lo largo de los años se ha sentido fuertemente atraído por la duración musical de diversos extremos musicales como son la claridad y el mensaje simple de una pieza corta de piano (como por ejemplo las miniaturas de Bela Bartok), y el cambio de mentalidad que conlleva los trabajos musicales extensos (como por ejemplo el Cuarteto de cuerda Nº 2 de Morton Feldman o las extensas improvisaciones del Alexander Von Schlippenbach Trio). 

Con estos parámetros descritos Bagatelles for Trio es un intento de combinar dos extremos musicales, uno conciso y otro más extenso, pero a través de la formación de un trío de jazz clásico formado por el piano de Jesse Stacken, el contrabajo de Eivind Opsvik y la batería de Jeff Davis. Una formación que llevan trabajando juntos desde el año 2005 y que asegura un perfecto entendimiento musical. Para ello, interpretan trece piezas de diferente duración en donde combinan los elementos de la libre improvisación junto a otros pautados y escritos. El planteamiento y la ejecución de las piezas se basan en diversas concepciones musicales, pasando por piezas con un contenido extremadamente moderno, como la “Bagatelle Nº 1”; la repetición y obstinación en la interpretación de ideas musicales, “Bagatelle Nº 2”; ciertos parámetros y sonoridades provenientes de la música culta; la expresión minimalista y la repercusión musical de las notas, “Bagatelle Nº 5”; las improvisaciones experimentales colectivas, “Bagatelle Nº 8” y “Bagatelle Nº 11” o la sensualidad y serenidad de la “Bagatelle Nº 12”.

El resultado del proyecto se debe de valorar en su conjunto y no de forma unitaria, pues las ideas y conceptos utilizados se ensamblan sin solución de continuidad para ofrecernos una visión personal de una forma musical muy concreta (la bagatela) pero desarrollado y ampliado a través de la formación de un combo musical tradicional de jazz (el trío de piano-contrabajo-batería). La formación liderada por Stacken destila interacción y compenetración, con aportaciones musicales por parte de sus componentes que realzan el discurso final del líder.

Interesante compacto.

sábado, 11 de agosto de 2012

GONZALO DEL VAL TRIO: Three Generations

GONZALO DEL VAL TRIO: 
Three Generations

- Marco Mezquida: Piano.
- David Mengual: Contrabajo.
- Gonzalo Del Val: Batería.
- Celeste Alías: Voz en el tema “Oxígen”.

1.- Question And Answer.
2.- Will You Still Be Mine?.
3.- Planeta Miralta.
4.- Alone In Brooklyn.
5.- Los Cuatro Muleros.
6.- El Siete De Ameyugo.
7.- Espíritu F.H.
8.- Malena.
9.- Oxígen.

Composiciones 3, 4, 6 y 7 Gonzalo Del Val; 1 Pat Metheny; 2 Matt Dennis; 5 Popular; 8 L.Demare/H. Manzy ; 9 David Mengual

Quadrant Records.
Q00028J
CD 2011

Gonzalo del Val Trio, Three Generations (Quadrant Records, 2011)


Hoy en día el aficionado español debe de estar bien atento al elevado número de proyectos de músicos del panorama jazzístico nacional, pues sin darse cuenta es posible que deje pasar alguna propuesta digna de ser escuchada. Una de estas propuestas es la más reciente grabación del baterista Gonzalo del Val en formación de trío, acompañado por Marco Mezquida al piano y David Mengual al contrabajo.

De entrada señalar que a pesar de haber escogido el formato clásico de piano-contrabajo-batería, la propuesta de Del Val no se enquista en la tradición de este formato, sino que todo lo contrario, que parte del mismo con la finalidad de obtener una concepción tanto sonora como musical extremadamente moderna y avanzada, consecuencia de ello es la utilización de un repertorio variado, rico y trufado tanto de matices como de sensibilidades que otorgan al proyecto una exquisita personalidad.

Three Generations se inicia con dos temas de gran calado musical: una estupenda versión de uno de los temas más clásicos de Pat Metheny, “Question And Answer” (mencionar el excelso trabajo de Marco Mezquida al piano) y el tema “Will You Still Be Mine?", una sencilla pero efectiva reinterpretación de este clásico, en donde el grupo se luce como formación. Gonzalo del Val aporta diversos temas de autoría al presente trabajo como “Espíritu F.H.”, o el homenaje que lleva a cabo con la composición “Planeta Miralta”, dedicado a uno de los primeros y más influyentes bateristas del panorama nacional, Marc Miralta. Pero hay que resaltar dos composiciones que de alguna forma son la tarjeta de presentación y la piedra sobre la que se basa el discurso musical de Del Val, “Alone in Brooklyn”, una composición que destila intimismo, sensibilidad y belleza por todos los lados, y “El Siete de Ameyugo”, una tema rico en desarrollos modernos y donde las aportaciones tanto de David Mengual (con un solo soberbio) como de Marco Mezquida son de vital importancia para el desarrollo del tema; el pianista mezcla con sabiduría planteamientos jazzístiscos y otros provenientes de la música culta. 

Así mismo apuntar que en este trabajo tenemos la oportunidad de disfrutar de la cálida voz de Celeste Alías en el tema “Malena”, una mezcla de poesía, sensibilidad y texturas musicales. La grabación finaliza con un tema de David Mengual “Oxígen”, una breve balada llena de sensualidad y de matices sonoros por parte del trío, que de alguna forma viene a confirmar la propuesta musical de su líder.

Una músico a tener en cuenta.

lunes, 6 de agosto de 2012

KEITH JARRETT: The Art of Improvisation

KEITH JARRETT:
The Art of Improvisation

DVD Video
Coproducido por Channel 4, Euro Arts, Arte France y VideoArts Music
Euro Arts 2054119
2005

Keith Jarrett, The Art of Improvisation

Con motivo del reciente lanzamiento discográfico de Keith Jarret, Sleeper (ECM, 2012) y que en breve comentaremos en este blog, me ha parecido interesante realizar una acotación con respecto a un documento gráfico que en su momento pasó bastante desapercibido y que todo aficionado a Keith Jarrett que se precie debería tener. Se trata del documental “The Art of Improvisation”, un documento gráfico que repasa de forma detallada la trayectoria musical del pianista norteamericano Keith Jarrett. Este vídeo es obra del productor y director británico Mike Dibb (responsable así mismo de otro extraordinario documental a cerca el trompetista americano Miles Davis, “The Miles Davis Story”). “The Art of Improvisation” se basa en una entrevista en solitario con el pianista en donde se comenta su carrera musical, y a lo largo de la misma esta es salpicada por entrevistas de diversos colaboradores, tanto pasados como presentes, entre ellos músicos, familiares, así como otros colaboradores próximos. Entre los mismos y por orden de aparición podemos señalar, a Manfred Eicher, Gary Peackock, Jack DeJohnette, Steve Coloud, Scott Jarrett, George Avakian, Gary Burton, Toshinari Koinuma, Chick Corea, Charlie Haden, Dewey Redman, Rose Anne Jarrett, Jan Garbarek, Jon Christensen y Palle Danielsson.

Las colaboraciones citadas permiten hacer un repaso por los diferentes estadios musicales que a lo largo de su carrera como músico ha llevado Jarrett. Partiendo de las opiniones y comentarios de los componentes de su trío standards, se repasa su primeros pasos como músico, su formación musical en el cuarteto de Charles Lloyd, así como sus colaboraciones con Gary Burton y Miles Davis, hasta llegar a sus interpretaciones de piano sólo (con una especial atención a la grabación que le ha proporcionado más fama, “The Köln Concert”). También se hace hincapié en su paso por la interpretación de musical clásica, principalmente por la música de J.S. Bach (sus grabaciones del Clave Bien Temperado o las Variaciones Golberg) y de W.A. Mozart (hay un fragmento de un concierto para dos pianos y orquesta interpretados por Keith Jarrett y Chick Corea; muy interesante). El  documental finaliza con un comentario a sus dos formaciones americanas (el trío standards y el afamado cuarteto americano) y al cuarteto europeo, en donde aparece un fragmento de un concierto llevado a cabo por esta formación (con la participación por aquel entonces, de un muy joven Jan Garbareck). También encontramos una pequeña aportación de la mujer de Jarrett, Rose Anne Jarrett, que nos ofrece su visión personal sobre el mundo musical de su marido. Así mismo reseñar las interesantes manifestaciones del productor del sello discográfico ECM, Manfred Eicher, quien afirma que ha llegado a grabar más de cien conciertos de Keith Jarrett, con la exclusiva finalidad de poder captar los momentos más mágicos de la creación musical de Jarrett.

A lo largo de todo el documental Jarrett desgrana y analiza todas las etapas que hemos comentado y para ello se utiliza gran cantidad de material filmográfico, clips y  actuaciones en directo de las formaciones que ha tenido y de su actual trío. Con todo ello Jarrett, intenta dar una explicación sobre lo que es el arte de la improvisación, afirmando de una forma rotunda que en la actualidad ha abandonado la escritura musical, y llegándose a catalogar como “un músico esencialmente improvisador”.

El documental con una duración de ochenta minutos, aporta contenido adicional y en concreto, la interpretación el tema “Butch and Butch” proveniente de una actuación del Keith Jarret Trío en directo en el Open Theatre East de Tokio el 25 de julio de 1993, y treinta minutos adicionales de entrevista exclusiva con Keith Jarrett, Gary Peacock y Jack DeJohnette. El documental se encuentra en inglés pero existe la posibilidad de subtítulos en español, que hará más fácil la labor de entender el reportaje.

En definitiva, una joya de reportaje que bien harán de adquirir los seguidores de Keith Jarrett, a consecuencia de la primicia que resulta poder escuchar palabras provenientes del propio músico (es bien conocida su aversión a conceder entrevistas), y que se mantiene completamente actual, lo que permitirá a los aficionados conocer algunos de los aspectos menos públicos de su vida y carrera musical. Esencialmente imprescindible.

miércoles, 1 de agosto de 2012

BILL EVANS: Live At Art D´Lugoff´s Top Of The Gate

BILL EVANS:
Live At Art D´Lugoff´s Top Of The Gate

- Bill Evans: Piano.
- Eddie Gomez: Contrabajo.
- Marty Morell: Bateria.

DISC 1-Set 1
1.- Emily.
2.- Witchcraft.
3.- Yesterdays.
4.- ´Round Midnight.
5.- My Funny Valentine.
6.- California Here I Come.
7.- Gone With The Wind.
8.- Alfie.
9.- Turn Out The Stars.

DISC 2 - Set 2
1.- Yesterdays.
2.- Emily.
3.- In A Sentimental Mood.
4.- ‘Round Midnight.
5.- Autumn Leaves.
6.- Someday My Prince Will Come.
7.- Mother Of Earl.
8.- Here’s That Rainy Day. 

Grabado el 23 de Octubre, 1968, en el Greenwich Village, Nueva York.
Resonance Records
HCD-2012
2 CD 2012

Bill Evans, Live At Art D´Lugoff´s Top Of The Gate (Resonance Records, 2012)


El sello discográfico Resonance Records acaba de editar las grabaciones en directo que se registraron el 23 de Octubre de 1968 en el famoso y conocido club del Greenwich Village de Nueva York, del concierto que llevó a cabo en una doble sesión el trío de Bill Evans acompañado de Eddie Gomez al contrabajo y de Marty Morell a la batería.

Resonance Records se está caracterizando por editar principalmente material musical histórico inédito y no publicado con anterioridad, tal y como llevó a cabo con la interesante grabación de West Montgomery, Echoes of Indiana Avenue (Resonance Records, 2012), y que en su momento comentamos en este blog. Para esta ocasión el material que se publica en un doble compacto (se puede calificar perfectamente de histórico) corresponde a los dos pases completos que el trío de Bill Evans llevó a cabo el 23 Octubre de 1968. Estas grabaciones fueron grabadas por George Klabin (presiente de Resonance Records), quien contó con la preceptiva autorización de la manager de Bill Evans, Helen Keane. Las mencionadas grabaciones fueron emitidas al poco tiempo de su grabación y tan sólo en una única ocasión en la emisora de radio de la Universidad de Columbia WKCR-FM, para pasar posteriormente al total olvido durante casi cuarenta años y sin haber sido publicadas nunca en ningún tipo de formato.


Foto promocional de la grabación.
La presente grabación sirve para dar a conocer y disfrutar de este material completamente inédito de uno de los mejores pianistas en la historia del jazz, pero así mismo para reconocer el impulso y la iniciativa de uno de los empresarios musicales de la época más importantes de Nueva York,  Art D’Lugoff. Art D’Lugoff era propietario desde mediados de los años cincuenta del conocido club Village Gate, para posteriormente ampliarlo en el año 1964 con el añadido de un piso superior, el denominado Top of The Gate. La construcción este segundo local hizo que en muchos momentos tanto en el piso superior como en el inferior coincidiesen los mejores grupos de la época, entre ellos los del propio Evans, el de Thelonious Monk o del mismo Charles Lloyd con sus respectivos cuartetos.


Foto e ilustración sobre el club Top Of The Gate

Por lo que respecta propiamente a la grabación, señalar que la toma de sonido y calidad sonora es muy buena (teniendo en cuenta que la misma no fue llevada con un equipo profesional), lo que permite oír y disfrutar con claridad a todos los integrantes del trío, todo y que en algún tema se puede apreciar cierto desajuste sonoro en el balance de los instrumentos que no es verdaderamente significativo para la escucha de la grabación. En cuanto a la formación del trío como tal apuntar que, no es una de las épocas más fructíferas a nivel de grabaciones de Bill Evans, es por ello que las aquí comentadas vienen a cubrir un hueco en su discografía. Así mismo, la formación de trío propiamente dicha se encontraba por esas fechas sujeta a cambios constantes en la batería, entre los que llegaron a cubrir ese lugar citar a Joe Hunt, Philly Joe Jones, Jack DeJohnette, hasta la decisiva incorporación de Marty Morell, que se convertiría en el batería estable del trío hasta el año 1975; de echo sus dos primeras semanas con Bill Evans se llevaron a cabo en el Top of The Gate en el Greenwich Village de Nueva York. 

La música y el repertorio escogido para los dos pases era el habitual del grupo, un buen número de standards (algunos de ellos repetidos en estos dos pases, como “Emily”, “‘Round Midnight” y “Yesterdays”, lo que servirá a los aficionados para comparar versiones) y algún tema original (en este caso “Turn Out The Stars”), todo ello interpretado con una sensibilidad y un gusto por la música sencillamente exquisito, una de las grandes cualidades de Evans y sus grupos. En los temas interpretados no sólo triunfa el piano de Evans, sino también las contribuciones de Eddie Gomez, pues ostenta muchos momentos para desplegar unos solos vigorosos y con una gran enjundia interpretativa. Señalar que el binomio Evans-Gomez funcionaba hacía unos cuantos años, ello les permitía un gran entendimiento a nivel musical que es perceptible en las interpretaciones de estos compactos, es por ello que las aportaciones musicales de Morell no son menos interesantes (por momentos muy enérgicas), sino todo lo contrario, realzan la unidad del trío como máquina creativa musical. Resaltar las interpretaciones de “‘Round Midnight” del primer pase, por la elección del tempo utilizado; un “My Funny Valentine” extraordinariamente cohesionado a nivel interpretativo por el trío o una deliciosa e interesante versión de  “In A Sentimental Mood”. 

El resultado final del estas grabaciones hará las delicias y colmará las expectativas de los aficionados a Bill Evans, pues en ellas se podrá comprobar una forma única y ante todo personal de entender y muy principalmente de interpretar la música, y en concreto la música provenientes de los standards, todo ello acompañado por ese distinguido gusto por el tratamiento melódico y por la concepción de la formación a nivel tridimensional. 

Por ultimo señalar en relación a esta grabación, la cuidada y esmerada edición que Resonance Records ha puesto en la publicación. Un edición de lujo en digipack; un libreto con 28 páginas en donde aparecen fotos del club; notas detallas a cargo de Nat Hentoff, Gary Burton, y muy especialmente las de Eddie Gomez y Marty Morell que relatan aspectos de estas grabaciones; así como notas del ingeniero y presidente de Resonance Records a cerca de cómo se llevó a cabo las tomas de sonido, George Klabin, y para acabar unas líneas de Raphale D´Lugoff, hijo del propietario empresario del club, Art D´Lugoff´s.

Así mismo la compañía de discos con anterioridad a la publicación de estos compactos, había editado una primera edición limitada de 3.000 copias numeradas en 3 LP de 180 gramos, incluyendo un folleto a 4 paneles con el mismo contenido que el libreto del CD. Esta edición se ha llevado a cabo en 45 rpm para conseguir un sonido óptimo y masterizado por Bernie Grundman. También se edito un pequeño single en una edición limitada de 1.500 unidades con una selección de las grabaciones que incluían cuatro temas. El paquete promocional completo también ha conllevado la posibilidad de descarga vía internet con un e-libro disponible para los que optan por la compra del álbum digitalmente.


INFORMACIÓN ADICIONAL:
Como información adicional se acompaña link promocional de la discográfica Resonance Records con respecto a la grabación de Bill Evans, Live At Art D´Lugoff´s Top Of The Gate:

Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...